1984- CHANGMARIN-ARISTIDES UREÑA-EL BALLET DEL CABRON

LAS FAMOSAS CARTAS A TULA

por: Carlos Francisco CHANGMARIN/ARISTIDES UREÑA RAMOS.

Hablando de Europa, le digo que estuve en SANTIAGO y pode gozar de un grupo de pinturas de ARISTIDES UREÑA RAMOS, quien estudiò en Italia y ahora vive en Florencia...Pues las pinturas son tremendas, con gran mensaje, color y tècnica moderna.
Este muchacho, a diferencia de otros artistas provinente del hondò del pueblo, de humilde familia, no se deslumbrò por el arte achatado y pueril de corrientes formalista europeas...no vino alienado con pinturillas abstractas que son sino copias superficiales de lo peor de Europa; sino que tomò la tècnica, para verter lo màs esencial de la cultura Latinoamericana y Nacional.

Lo importante es que esta exposiciòn permanente de la pintura de ARISTIDES, està en la CASA SINDACAL de Veraguas, lo que por si es un mensaje. Y ademàs me contaron en MONTIJO, de donde proviene la familia Ureña, aunque si el pintor es UREÑA RAMOS (nieto de Samuel RAMOS, otro grande artista) pues me dijeron que el Muchacho también haces sus incursiones en el canto, cuentos y composiciòn musical: NIETO DE GATO COME RATON.
(Las cartas a Tula por CHANGMARIN/ CRITICA 22/NOV 1983)

1983- Algunos articulos publicados en Panamà, sobre “EL BALLET DEL CABRON”.

Es Adriano Herrebarrìa, a presentar en un artìculo el 15 de mayo del 1983, El BALLET DEL CABRON, el periodico era LA REPUBLICA y inagurando la abertura de la Columna: ARTE Y BELLEZA a cargo de MARGARITA SEVILLANO viene presentado tal iniciativa. Adriano Herrebaria presenta la Exposiciòn de Aristides de la siguiente manera:

ARISTIDES UREÑA RAMOS, lo define ese noble afàn por un fecundo peregrinaje en pos de su realizaciòn definitiva como profesional cimero de las Artes Plàsticas no sòlo en Panamà sino en el espacio-tiempo del unìverso actual.
De allì, que siempre nos hemos explicado ese permanente trajinar desde Santiago hacia todos los puntos de la Repùblica en su primera juventud y de Panamà hacia Europa y otros confines del planeta, en su bùsqueda consciente de los instrumentos para lograr un puesto excepcional entre los grandes, obtenido dicho lugar en buena lid y sin falsas plataformas publicitarias, inoculado por la fama y el dinero logrado a cualquier precio, aunque sea moneda vàlida para ellos.
ARISTIDES, se encuentra ahora mismo en Florencia-Italia, desde allì de esa ciudad maravillosa y eterna, se proyecta con sus obras y sus periplos de hombre y artista por todos los sitios de Europa, absorbiendo y sumando a su interioridad profesional la esencia de todo lo que atesora la anciana Europa en sus museos, galerìas de Artes, y experiencia para enriquecer su espìritu y su sapiencia.

Adriano Herrebarria
15 Mayo 1983.

La pagina continua con la inserciòn framentos de la crìtica autorizada de Italia, de Alvaro Spagnesi sobre la exposicion.
Fueron muchos los comentos-criticos publicados sobre ete evento, entre los cuales Alvaro Mendez Franco, Carlos Francisco Changmarin, Agustin del Rosario, Ramòn Oviedo, Liz Camazòn, Carmèn Aleman, Bertalicia Peralta y José Franco...màs adelante publicaremos algunos de ellos.

Aristides, en un escrito nos aclara algunos momentos de este periodo y las dificultades que encontraba , por eso cremos importante dar a conocer algunos de estos:

“.......el abandonar por completo, mi produccion pictorica en OLEOS y sobre canvas (lienzo), comportadaba ser coherente con una aptitud seria y comprometida, al mismo tiempo mis trabajos NO entaban en una logica COMERCIAL, eso significaba para mi, una menor entrada economica......”
“...... la comercializaciòn, sobre todo la panameña, no estaba preparada a comprar obras en Papel, en telas de sedas y toda mi experimentaciòn artistica estaba ejecutada en esas tecnicas---TECNICAS que muchos sostenian obsoletas y no duraduras en el tiempo, por eso fuì atacado fuertemente por algunos ambientes comerciales panameños, y tuve que esquivar muchas provocaciones a tal respeto, decidiendo de promover la obra a travès de Instituciones Privadas y Gobernativas.....” (ommisiones)/ (A,Urena Ramos..escritos 1983).

Otra preocupaciòn del artista para ese entonces, era el querer explicar el contenido de sus propuestas artistica, es asi que continua en su escrito:

“.....Alvaro Spagnesi, era un coetaneo amigo y habiamos percorridos muchos momentos juntos, èl habia captado la portada de mis enunciados, y lo demostrò con su escrito de presentaciòn en el EL BALLET DEL CABRON, a tal punto que hasta la llegada del nuevo Ciclo BARROCOCONUANCE’S, todas las evaluciones por la cual se filtraban la manera de ver y interpretar mi obra, cojian como patròn de guia su escrito----con la unica diferencia de el aprofundido visiòn del nuevo hombre de Agustin Del Rosario..”.

".... me siento postradamente defrente a ese gran sentir creativo que componen las obras y ensayos de intelectuales panameños como José Franco, Menendez Francos, Chico Chanmaring, Roberto Macay , Agustin del Rosario, Oviero, del cual soy fanatico devorador de sus obras , humilde interprete de sus ansias comunicativa, de temer que el patrimonio educativo y creativo de nuestros mejores creadores, pueda pasar innoservado a los demas......"

Aristides mantiene costante comunicaciòn con estos intelectuales y deja aqui testimoniancia de esos pasaje, como también numerosos los intercambios con Mario Calvi, Julio Zacchrisòn y Ciro Oduber( Cartas y e-mail en Archivo A. Urena ramos en Florencia -italia).

“... mi claro objectivo, que cada dià me parecia màs frenetica, era de individuar el Modo de concebir las Artes, atraves de una REFORMA que introduciendo LAS TRADICIONES, no perdiera la brillantes innovativa que hace grande su misma invenciòn....” (A,Urena Ramos..escritos 1983).

1984-“EL BALLET DEL CABRON”, en PANAMA.
“REFORMAR INTRODUCIENDO LAS TRADICIONES, DENTRO UN MUNDO INNOVATIVO”

Caja de Ahorros de Paitilla 13-4-1984

Aristides presentarà este Ciclo Pictorico en Panamà, en la sede expositiva de la Caja de Ahorros de Paitilla el 13 de abril del 1984, la presentaciòn critica de Alvaro Spagnesi harà parte intengrante del catalogo, Aristides enriquece la exposiciòn panameña con nuevos elementos pictoricos. Es importante comprender estos cambiamentos ya que estos, lo llevaran a crear dentro del Ciclo pictorico BALLET DEL CABRON una nueva “Serie” que cojerà el nombre de NUEVO MUNDO.
Lo curioso de estas variaciones, risiede en que nos da a conocer, como Aristides, entiende su actividad artistica, ya que toma como referencia inicial un Ciclo ---entendido como trabajos que hacen parte de un cierto lapso, demarcados por él mismo con años de trabajo: --Ejplo: El Ballet del Cabròn, 1980-84--- para meter dentros de este, los cambios o variantes que llamarà: “SERIES” estas series seran siempre pertinente al tema dado al Ciclo. ( “Nuevo Mundo” serà una Serie -1984- del “Ballet del Cabròn” )


Para la comprender mejor las motivaciones que llevan a Aristides a crear estas modificas, nos hemos dirigido a él, y de sus aclaraciones y apuntes escritos aclara a priore esta serie....dice Aristides:

“ tratabo de recojer iconograficamente una secuencias de conceptos que me llevaran a motivar mis ENUNCIADOS, corria el riesgo que el Ballet del Cabròn NO fuera comprendido en su parte Evocativa- Testimonial y Documentativa en mi exposiciòn de Panamà, las variaciones que hice estan todas resumidas en unas pocas lineas, que creo aclaran el punto de vista de el Nuevo Mundo, entendida como mis experiencias utopicas por afirmar un ipotetico mundo nuevo. .”. ----el escrito en question es el siguiente y serà publicado dentro del CATALOGO “NUEVO MUNDO” de Panamà. “Cuando los primeros cronistas y misioneros pisaron tierras americanas abrieron una ventana fantàstica de narraciòn- imàgenes e historias pasaban filtradas por concepciones humanisticas y renascimentales de la época- la realidad de aquel nuevo mundo era interpretada de aquel modo, mandàndonos una manera aproximativa de la misma realidad.”
Aristides Ureña Ramos



Es claro que Aristides le interesa en su “evocar lo antiguo” los mecanismo que mueven las motivaciones de fondo.
En un articulo de prensa hecho por Agustin Del Rosario, sobre esta exposiciòn, nos brinda la opurtunidad de aclararnos esta serie pictorica.

NUEVO MUNDO
Por Agustin Del Rosario
Publicado en Matutino
“De Parte Interesada”
Viernes 13 de Abril 1984

Ese es el titulo de la muestra pictòrica se Aristides Ureña Ramos que, desde el dìa de hoy, expondrà la Caja de Ahorros de Paitilla, de manera continua hasta el 13 de mayo. La opurtunidad, curiosamente señala los diez años de la ùltima individual suya (en 1974 en la galeria DEXA) en nuestro medio y permitirìa, en caso de hoy, evaluar el crecimiento de un joven creador panameño, radicado en Europa pero, como él mismo señala, con profundas raìces dentro de nuestro paìs y dentro de nuestra America. El titulo de la muestra “Nuevo Mundo” es ejemplo de ello: Ureña Ramos devuelve la mirada al continente, no solamente a lo largo de las cosas que recuerda de él sino tambìen incorporando a esta memoria, situaciones y visiones que en Europa, tambìen han llenado su vida y se integran como evocaciones.
Asì, este “Nuevo Mundo” es como una particuar ilusiòn de encuentro entre las cosas como “fueron” y las cosas como “son”, crèandonos al paso, un producto de observaciòn, en este caso veinte obras realizadas en técnicas mixtas, que sorprende por su frescura, por su inventiva y especialmente por esa capacidad de dejarnos en el ànimo muchas màs sensaciones de las que pensarìamos en un primer momento.
Inscrito dentro de la mejor lìnea experimental que hayamos visto en un pintor panameño en estos ùltimos años, los trabajos de Ureña Ramos, implicarian para muchos de nuestros creadores una revisiòn de principios y de valores. Pese a sus escasos años, este creador veraguense, cuetionaria en el ànimo de aquellos, la realizaciòn de un arte que es autònomo sin caer en la folklorizaciòn sino que, curiosamente, lo es, al retomar elementos que podrìamos mencionar como cosmopolitas pero que èl incorpora dentro de ciertos pasajes o de ciertos temas dirìamos, ancestrales y telùricos. Cuando uno piensa y entiende que muchos de sus contemporàneos aquì, se dedican aùn a un elemental arte de recreaciòn, cuando no, a continuar con la preocupacìiòn del color como principio y fin de la pintura, sin abrir otras posibilidad a este tipo de arte, es cuando no valorizarìa mejor el aporte de ARISTIDES, desde Italia –en donde radica- a nuestra pintura panameña joven. Y no es casual, pensamos que en sus trabajos, se denote la apertura que encontrarìamos, por ejemplo en el caso de Julio Zachrisson o bien en las ùltimas producciones que recordamos de Brooke Alfaro: como estos dos, ARISTIDES, se inscribe definitivamente dentro de una bùsqueda de nuevas posibilidades dentro de la acepciòn de lo que es una nueva pintura para quien la observa.
En su caso particular, es evidente, la permanencia de elementos precolombinos juntos a una visìon contemporanizante de la vida y de las realciones humanas, dentro de ella. Quizà por ello, cada uno de estos trabajos, està presente ese mismo signo de lo que tuvo que implicar para él, en Europa, el recordatorio y la captura, de cosas que ya conocìan una plena realidad de existencia con anterioridad al encuentro de cultura en nuestra América. Precisamente de esta eclosìon, surge este “Nuevo Mundo” suyo: irònicamente, nuevo tal y como los europeos pensaron que lo éramos nosotros, hace ya casi cinco siglos. Quizà, por ello también, la manera còmo se arma esta técnica mixta en donde confluye dibujos, tintas, acuarelas, ilustraciones: con la conciencia de todo lo que hemos recibido luego de esta conquista pasada y que, queremos o no, se integra tambìen ahora dentro de nuestra forma de ser actual.
De la manera que sea, es obligante la observaciòn de esta muestra, desde ya una de las mejores que se haya brindado en nuestro medio a lo largo de 1984 y una que obligaria también, a rastrear con interés la producciòn siguiendte de este creado que pensamos, solamente necesitarìa el tiempo a su favor para entregarnos una arte cada vez màs y màs completo.
Agustin Del Rosario
13 de Abril 1984.

1984 José Franco, presenta el compatriota y deja unas corta lines, en su columna “Linea de Fuego”.

EL BALLET DEL CABRON
Autore: José Franco
Publicado en Critica
Domingo 15 de Abril1984.

La rebeldìa y al arte le brotan al pintor ARISTIDES UREÑA RAMOS por todos los costados. Y tenìa que ser asì, por ser hijo de Aristides Ureña Atencio y Xenia Ramos Valdés, montijano uno y santiagueña la otra, pero sobre todo descendiente de artistas y cholos matreros, esa sinfonìa espitual que se da plena en el caràcter del veraguense.
Al Pintor Ureña Ramos lo conocimos cuando ni siquiera trepaba la juventud. Siendo un adoloscente habia pintado un mural sobre “ Panama Defendida” y nos tocò junto a su padre darle consejos en su primera partida a Italia. Desde entonces captamos en el joven artista su fuerza creadora y muy original, al mismo tiempo que lo cosideramos uno de los pintores mejor dotados de los ultimos años en Panamà, como estoy seguro lo demostrarà el tiempo.
Cuando recibì la invitaciòn de Chan Quiròs por intermedio de la muy querida compañera de labores Liz Camazòn y me enteré de que se trataba del talentoso nieto de Samuel Ramos, artista completo de Santiago; me decidì a asistir a la espléndida mesa que le brindò la Caja de Ahorros. Y hablando de esta Instituciòn, no hay quien no reconozca en los mil viricuetos que interviene siempre a favor de la cultura panameña.
Pero hablemos del BALLET DEL CABRON. Se trata de una serie de trabajos gràficos-pictòricos que se hunden en la fusiòn de la mitologìa indigena-africana que es parte de nuestra cultura. En la tradiciòn oral, “EL Cabròn” es el “chivato”, lo misterioso, esa cosmologìa que anda por nuestros orìgenes y que mucho tiene que ver con lo fantasmagòrico y lo religioso, con lo ritual sobre todo “ El Cabròn” es un simbolo autòctono que rasga el puñal del màs evolucionado folklore. Es en literatura lo que inagurò Juan Rulfo y luego Garcìa Màrquez, que para muchos se llama el “realismo màgico”.
Sea como fuera, lo importante en estas lìneas es que estamos ante un gran pintor y este advenimiento hay que saludarlo con jùbilo.
José Franco
15/4 /1984

1984-RAMON OVIERO/ ARISTIDES UREÑA RAMOS.1984.

ARISTIDES UREÑA RAMOS: UN PINTOR EN FLORENCIA
Por: RAMON OVIERO
LA PRENSA/Viernes 13 de Abril de 1984.

En diàs pasado, la Caja de Ahorro reuniò a un grupo de personas vinculadas a los quehaceres culturales, literarios y pictòricos, para que apreciàramos la obra de un joven veraguense actualmente radicado en Florencia.Italia, donde viene realizando un gran trabajo crativo. Este joven es ARISTIDES UREÑA RAMOS, quien segun dijo alli el poeta José Franco, cuando era aùn un adolecente, realizò un admirable lienzo sobre la conocida obra “Panama Defendida”.
Ahora, muchos de los que alli estuvimos, pudimos admirar un trabajo artìstico de altìsima calidad en cuanto al manejo de las técnicas y de las corrientes pictòricas modernas, en una conjunciòn que no sòlo resume siglos de cultura indigena y negroide de nuestro continente, sino que ha incorporado el legado de la cultura europea, una de nuestra tres raices.

El mundo plàstico de ARISTIDES, es un mundo rico en concepciones, en mitos, un mundo que no por poético, està alejado de la realidad, sino todo lo contrario.
La realidad de nuestra historia lo ha nutrido de tal forma que ha sabido, con cierta sabiduria extraña en un joven que aùn no llega a treinta años, darle una dimensiòn que rebasa lo anecdòtico, lo puramente factual, para concentrarse en un lenguaje màs amplio, màs universal. Y a este MUNDO ha llegado a través del estudio, de la investigaciòn, de ese querer buscar nuestras raices y proyectarlo hacia un nuevo nivel donde no sòlo nos reconozcamos sino donde podamos ver el nuevo camino hacia un MUNDO NUEVO, ahora si plenamente nuestro.
ARISTIDES UREÑA RAMOS està de paso en nuestro pais. Desde hoy su obra estarà expuesta en las paredes de la Sucursal de la Caja de Ahorro de Paitilla, donde el pùblico amante de buen arte, puede acercarse para admirar esta importante obra. Luego, el pintor seguirà rumbo a Venezuela, donde arreglarà una exposiciòn para este año. Luego regresarà en Florencia donde trabaja en restauraciòn y en su obra creativa. Pero los ocho años que tiene de estar alejado de su terruño ya le estàn pesando y piensa regresar pronto a su suelo, Esperemos que asi sea, y que lo tengamos acà tal vez el proximo año, para bien de la pintura Nacional.
A continuacion publicamos fragmentos de la critìca que le hiciera Alvaro Spagnesi, que resume admirablemente la serie: EL BALLET DEL CABRON que estuvo realizada en los ultimos años...(continua con resumen de la presentacion critica de A. Spagnesi)

1984- Aristides concidera cerrada el Ciclo EL BALLET DEL CABRON ya en el 1983 sus reflexiones pictorica se estaba encaminando hacia otros confines. Colabora con la columna periodistica CLARABOYA EN EL TIEMPO, donde se simienta en articulos referente al ARTE UNIVERSAL. Publica en prestigiosas revista europea (Madrid, Berlin, Italia) ensayos criticos sobre la problematica de la Estetica, los medios expresivos y sobre todo cuestiona sobre las expresiones contemporanea. (daremos algunos ensayos “criticos de nueva esteticas” màs adelante)
Aristides crea una SERIE de obras que se encuentran colocadas trasversalmente entre estos dos Ciclos Pintoricos, la llamara “LAS PREMISAS”, ya desde el titulo de estas, se entrevé las intenciones por la cuales fueron hechas.

LAS PREMISAS.

Autor del ensayo: ALVARO SPAGNESI
FLORENCIA-ITALIA
Abri.1984

PREMISAS.
"APRODO EXTASIS"
1983
34x45cm
Carta Fabbriano.
Tecnica Mista.









Todos estos datos, han sido recogido de la obra biografica: BIOGRAFIA NARRADA de FERREIRA/PERSIANI.....continua.

1980-1983- EL BALLET DEL CABRON

1980-1983/ EL BALLET DEL CABRON
(Sacado de "Biografia Narrada" de FERREIRA/PERSIANI)

Con el BALLET DEL CABRON, Aristides realizza una operaciòn de conciderable alcance artistico y, como tal, politico, sugeriendo al mismo tiempo una identifiaciòn cultural del hombre latinoamericano, cimentada en el rechazo del completo de inferioridad hacia Europa y Norte America en cambio de una exaltaciòn de esa potencialidad que la mezcla de las tradiciones india, negras y europea han engendrado en el continente americano.

ALVARO SPAGNESI
Catalogo Expo LILI- Roma
28 Marzo 1983

Ya presente en Italia, recoge una series de trabajos graficos y experimentales. ABANDONA POR COMPLETO la producion pictorica en tela y oleos para dedicarse a una busqueda experimental que lo llevarà a la creaciòn del PRIMER CICLO pictorico del Titulo EL BALLET DEL CABRON....pero, quien mejor que ARISTIDES podrà explicar mejor el clima donde naciò esta produccion..dice Aristides:

".....ya me habia pronunciado, sobre la pintura retrogradà que se estaba dando en el ambiente, fué asi que decidì, llevar una actitud de coherencia dentro de mi Modo de expresar mis ideas, decidiendo de eliminar la pintura en lienzo y sobre todo aquella de empaste en Oleos...no es que la habia abandonado del todo, porque trabajaba en la restauraciòn de las obras antiguas, pero dentro de mi una logica que pretendia ser innovativa, tenia que alejarme de esa pintura de retrazo en busca de algo nuevo..fué asi que comenzé a trabajar en Papel Fabbriano 100% en algodòn...ademas cada soporte que me dada le idea de satinado, de tempera en Oro, los temples antiguos del 1400 renacimental-italiano, la purpurina, el decalcage, la cera ò cerumen de trasporte de imagen, eran para mi motivos para continuar a buscar....."

(DESAPARECIDOS 1980 Purpurina en Oro, temperas mixtas en resinas acrilicas, sobre papel de enpaque)

ARISTIDES continua en su explicacion y dice:
".....es claro que, no bastaba usar tecnicas experimental, ya que desde mi estancias en la Academia de Bellas Artes experimentaba tecnicas...lo mia preocupaciòn tratar de dar un orden, una direccion a todas esos fuertes estimulos que me llevaban a extremizar mi obra y mi vision del arte, ya que todo para mi era motivo de opurtunidad expresiva...necesita canalizar las energias que explotaban dentro de mi....."

......"Las ansias politicas, las inquitudes sobre el social...y mira que despues de LA DANZA MACABRA DEL DICTADOR realize algunos apuntes, rapidos y sin control, que algunos de ellos me sirvieron para la construccion de la nueva serie EL BALLET DEL CABRON"

("Los Guardias que se comen la vaina"- 1979/ Carte fabbriano 4/ tecnica mixta)

EL BALLET DEL CABRON
Exposiciòn Istituto Italo Latinoamericano
21 Abril-Roma 1983.

“ En el 1970 se organiza en Panamà un concurso de pintura con el fin, entre otros, de proporcinar la creaciòn y el acogimiento de una obra pictorica destinada a decorar una pared en el INGENIO AZUCARERO “ LA VICTORIA” de la region de Veraguas, proximo a ser inaugurado. Produco de la altamente tecnificada planificaciòn estatal, la nueva planta azucarera, moderna e imponente, ha sido emplazada en la provincia de Veraguas a la vista de los dorados cañaverales de esta regiòn agricola en el occidente del Ismo panameño, y se propone dar un firme impulso a la industria del sector.
Entre los participante figura un joven de entonces escasos 15 años Aristides Ureña Ramos. Originario él tambièn de esa misma provincia bien conoce estos campos y veredas, muchos veces ha visto la brisa mecer esos cultivos y ala puesta del sol aparece tremulantes al fondo las luces de El Espino, Divisa, La Atalaya y Santa Rosa, pequeñas poblaciones circondante. Son para él como dijera otro poeta istmeño: “los viejos senderos retorcidos que el piez desde la infanzia sin tregua recorriò”.
Sin desconocer la prioritaria funciòn social pero a la vez comercial de la gran empresa estatal y sus inherentes nexos con la tegnologìa contemporànea, el joven pintor, sin embargo conceptùa la obra màs bien como un tributo al humilde campesino, a esos hijos de la tierra que espaldas arqueadas y machetes vibrantes alimentan turbinas, calderas, chimeneas en pos del desarrollo y el progreso industrial. (1970- Paño Mural en Oleo sobre tela/ Dim: 2,30cmX 325cm LIBERACION-LIBERACION)

Esta visiòn muy particular queda plasmada en un recio panel intitulado “LIBERACION-LIBERACION” que al mismo tiempo galardoneado con el 1er Premio de Honor.
Se proyecta asi por primera vez en el panorama de la plastica panameña la figura de uno de los personajes màs representativo de nuestra cultura contemporanea, cuya obra es hoy expuexta en esta ilustre sede; comienza también asi un intenso y fecondo ciclo de formaciòn, creaciòn y evuluciòn artistica que lleva a ARISTIDES de las campiñas veraguense a la riberas del Arno donde en estos ùltimos años adelanta su obra.
La Embajada de Panamà y yo personalmente, al saludar y presentar, con viva satisfacciòn, al destacado artista, deseo a la vez expresar nuestro sincero reconocimiento al Istituto Italo-Latinoamericano y a los distinguidos personeros de la instituciòn que nos honran aquì con su presenzia, por haber hecho posible esta feliz manifestaciòn, mediante sus ya reconocidos buenos oficios y gentilisisima cooperaciòn.


A.Watson Fabrega.
Canciller Embajada de Panamà en Roma
Presentaciòn critica Expo personale LILA-Roma 21 Abril 1983.

Viene publicado un catalogo donde el critico Florentino Alvaro Spagnesi, harà una presentaciòn sobre el contendo estetico de esta Ciclo pictorico

Roma 28 marzo 1983 -----------------------------------------------------------------------

BALLET DEL CABRON
Presentaciòn en Catalogo
Alvaro Spagnesi
Roma 28 marzo 1983

La idea- fuerza que anima la obra ARISTIDES, ha sido ya claramente expresada por el mismo artista en un articulo de 1976 en el cual sostiene “ La necesidad de fundar en Veraguas una Escuela de Pintura que recoja y proyecte con identificaciòn propia todas las fuentes de inspiraciòn pictòrica, literaria y politica” de su pais de origen, Panamà.( http://aristidesurena.blogspot.com/2008/02/1976-tradicion-cultural-de-veraguas.html )
De hecho, el artista enfrenta la problemàtica de la pintura Latinoamericana recorriendo las influencias de las cuturas que se funde en el continente americano.La fantasìa del arte africano y el mesticismo del arte indiginista se mezclan con la racionalidad del arte europeo, representado en este caso por la tradiciòn popular española en la que conviven elementos sagrados y profanos, produciendo una amplia gama de imàgenes folklòricas.

Aristides ha estudiado en profundidad la producciòn de la cultura latinoamericana a partir del arte precolombino, superando lo estètico-decorativo que hay en las formas y en las concreaciones variante logradas sobre tela, terracota y piedra, como tambièn, sucesivamente, en las molas, etc.; Ha rebuscado la matriz semàntica de dicha producciòn en el magma de la tradiciòn oral, el canto popular y la mitologìa autòctona. Signos, sìmbolos y alegorìas de la imaginativa cultura panameña se ha ido incorporando al personalìsimo lenguaje de Aristides cuales elementos en evoluciòn, paràmetro de reiterpretaciòn estructural de la misma nociones culturales europeas que, asi asimiladas, pueden llegar a ser parte intengrante de un nuevo horizonte cultural.

En la serie de trabajos gàficos-pictòricos, denominados por el artista EL BALLET DEL CABRO, convergen, pues, todas las tradiciones latinoamericanas trasvestidas de cultura indìgenas y africanas. Estas obras se manifiestan como matàforas de un juego, el disfrazarse y trasformarse, vivo aùn en la tradiciòn popular de las fiestas religiosas o del fantasmagorico carnaval que, a pesar de representar antiguos rituales, significa un nuevo modo de expresiòn.
Inmediato surge el paralelo con la literatura latinoamericana recentemente calificada “realismo magico” la cual, tambìen se alimenta de la popular cotidianez, lo fantastico y la tradiciòn oral.
Asì mismo, es importante la referenzia a la compuesta riqueza y exuberancia de los ritmos musicales americanos. Tèmperas preparadas con antiguos procedimientos o mezcladas con recursivos modernismo y valorizadas con purpurinas, “decalcage” y “fruttage”, Dada y Pop, sutiles arabescos engranafiados y cuidados patinados en cera no sòlo algunas de las tecnicas utilizadas por el artista para reconstruir, partendo de una paziente repeticiòn de gesto, la dinamica mìsta y fabulosa de los procedimientos artesanales de su tierra.
Cada Obra de ARISTIDES pareciera Autogenerarse: las figuras se extiende a “macchia d’olio” (a circululos concéntricos n,d,t) sobre la tela con cadencia de una saga narrada por una mujer panameña a travez de un preciso trabajo de bordado; los nuevos sìmbolos creados por el artista se concatenan entre sì, ya con nexos lògicos, ya como un medio narrativo, para formar una sublime visiòn sincrètica que no acaba de sorprender por la riqueza de mensajes presentes simultaneamente y las geniales soluciones figurativas.

El anàlisisi de una sola de estas obras tomarìa muchos espacio por lo cual haré referenzia exclusivamente a algunos temas recorrente, por ejemplo, la esquematizaciòn del hombre que deriva del Azteca. La variedad de formas hìbridas como el hombre pajaro, el hombre-caimàn, etc., que se funden con morfologìas permanente respaldadas de un sustrato cultural o narrativo.
Es curiosa, ademàs, la repeticiòn en mil modos y combinaciones de la triada: el numero perfecto “3”, cabalistico o sagrato, que genera en la obra de ARISTIDES una serie de identificaciònes, voluntarias o no, con las tres razas entermezcladas en America Latina (negra, india, europea), tres finalidades del artista ( tècnica, forma, contendo, y las tres artes que se unen en sus trabajos (pintura,grafica y dibujo), ademas de millones de imàgenes a tres cabezas, grupos de figuras, etc.
La utilizaciòn de un lenguaje primitivo entremezclado a una sensibilidad pictòrica moderna enriquescida con elementos expresionistas, trasvanguardistas y pop, llevan a ARISTIDES a expresar de modo organico y equilibrado el completo mundo “mitologico cosmovisionista” al cual hace constante referenzia.

Con el BALLET DEL CABRON, Aristides realizza una operaciòn de conciderable alcance artistico y, como tal, politico, sugeriendo al mismo tiempo una identifiaciòn cultural del hombre latinoamericano, cimentada en el rechazo del completo de inferioridad hacia Europa y Norte America en cambio de una exaltaciòn de esa potencialidad que la mezcla de las tradiciones india, negras y europea han engendrado en el continente americano.

ALVARO SPAGNESI
Catalogo Expo LILA- Roma
28 Marzo 1983

El Ballet del cabron serà presentado en Panama en el 13 mayo 1984...(sigue)

Todos estos datos, han sido recogido de la Obra Biografica: "BIOGRAFIA NARRADA" de FERREIRA/PERSIANI,

1978-1979 TRANSICION TEMPORANEA

1978-1979-Transicion temporanea.
Las exposiciones que Aristides presentan en este periodo 1979 son con las obras realizadas en su estadia en Italia, relizadas cuando frecuentaba la Academia de Bellas Artes de Florencia.
Al regresar graduado, enseña en la Escuela de Artes Plasticas en David, Chiriqui, como también dicta clase con la Catedra de Historia del Arte en el Centro Regional Universitario de David (1978-1979).

Es en este PERIODO DA TRANSICION que realizas obras con gran sabor experimental. “Ventanas Abiertas, sin conclusiònes”, como èl mismo sostiene.

Para comprender mejor este periodo damos a continuaciòn algunas obras realizadas en ese periodo, teniendo cuenta que cada una de estas busquedas tratan de converger en un solo intento conclusivo que, como vedràn seràn los pilastres de una secuencias de CICLOS PICTORICOS.

Objectos, conceptuales:

1-“Aire de Santiago del 12 de Diciembre 78” 1978.
Caja de madera, conteniente Botella sellada, etiquetado con la escrita: Aire de Santiago del 12 de Diciembre 78.

2- “Caledario Aristidiano” 1979.
Rueda de Madera, Decorada con Acrilico.
Donde aparece un calendario, a manera del arte Maya, monocromaticos con grafitos aristidianos.

1978- Los BIOMBOS: Aristides realiza una series de obras, en recortes de tela, recogidas en su extremidad con madera circular, imitando los BIOMBOS chinos...esa misma solucion la utilizara màs tarde en la Bienal de Venecia cel 1997 con la serie Octubre en Cayena.

Son muchos los Objectos hechos en madera y decorados con acrlicos que el artista realizara en este periodo.

1979- DESING...realiza utensilios de la cotidianidad, como cucharas, tenedores, platos, vasos, realiza desing de mesas y de sillas y objecto de decoracion como Cortinas, ceniceros, ect, ect todo bajo una busqueda experimental y de nueva estetica. (usa por primera vez la terminologias Estilo ARISTIDIANU'S)

Sabanas:

1- Tela de sabanas.
El interesante trabajo de las COLCHAS queda como uno de los trabajos mas meticuloso realizado en este periodo, Aristides recogia y compraba las colchas que veia tendidas en los humildes hogares Veraguense y Chiricanos, sobre estas trabajaba, imprimiendo con raro vigor la fuerza del abandono y grito de los desamparados bajo simbolos precolombianos.
Aqui una testimonianza de la Ex-directora de un reconocido Colegio Chiricano.

La Colchas Artesanales:

En algunas provincias de nuestro país, las mujeres por tradición familiar, confeccionan Colchas, cobertura exterior de la cama, con retazos de tela de diferentes colores. Generalmente trabajan con telas de algodón cortadas en forma circular, cuadradas y en sobrepuestos. Las elaboradas en forma circular se cosen alrededor y luego se cierran hacia el centro, luego se pegan con puntadas que las van uniendo formando un trabajo curioso y delicado. Las de corte cuadrado y rectangular se van pegando en sus bordes. Las que llevan sobrepuestos se elaboran con diseños de flores, mariposas, estrellas, hojas, etc, que se cosen en sus bordes dando finalmente un terminado de labores florales muy hermoso.

En el año 1979 tuve la oportunidad de observar el trabajo artístico de pintura que realizaba el Profesor Aristides Ureña Ramos en el taller de la Escuela de Bellas Artes de David. pintaba habilmente las Colchas, las cuales iban presentando diseños artísticos de color negro que representaban elementos del arte precolombino de Panamá.

Esta fue una experiencia que nunca olvidaré por la curiosidad artística y la utilización de artículos artesaneles utilizados en los hogares como adorno de las camas.

Hace algunos días pude observar a la señora Carmen Espinosa de 84 años de edad, en Bugada, provincia de Chiriquí confeccionando estas colchas.

Referencia:
Profesora Aura Maritza G. de Palacios
Educadora - 71 años
David, Provincia de Chiriquí- Panamá.


1979--Cuadros: Una serie de Oleos en tecnica Mixta sobre madera actaualmente en la Coleccion Xenia de Ureña Ramos todas realizadas en el 1978-79..que delimitaran el abandono de la producciòn el tela.

Cuadros:
1- “La billetera”
Collage sobre Madera-Oleo
Dimensiones:

Antes de viajar en Italia -30 de Diciembre del 1979- Aristides inicia el trabajo "LA DANZA MACABRA DEL DICTADOR".

1979-Octubre: "LA DANZA DEL DICTADOR" (videotape, Diapositiva).

Este trabajo, es primordial para comprender el Ciclo EL BALLET DEL CABRON (1983)..Aristides filma con la tecnica del 16 milimetros, las primeras escenas de la obra, con el procedimiento para el dibujo animado, usa la tecnica del Cartoon y de la animaciòn, LA DANZA MACABRA DEL DICTADOR cuenta con musica apositamente arreglada por el artista....esta misma obra, viendo la dificultad de presentaciòn en las galerias, viene adaptada a la tecnica de proyeciòn de la DIAPOSITIVA..una serie de diapositiva proyectada en la pared, que con rapidas secuencia en manera veloz, daban movimiento a la Danza macàbra de los Militares...a tal proposito Aristides escribe:

" ...tuve mucho problema en lapresentaciòn del Videotape, ya que no encontraba quien me lo comercializara, ni emisora televisiva que lo hiciera presentar al publico, fué asi que hize una varinte, el cambio mas logico era la proyecciòn en Diapositiva, fué asi que se abrio una timida disponibilidad para poder presentar mi obra..." (A,Urena/ entrevista Ferreira-Persiani)... El artista termina esta obra en el 1980 y la expone en Italia ...a continuaciòn algunas diapositivas.

ESTE PERIODO DE BREVE TRANSICION ES MUY IMPORTANTE YA QUE ENTRE LAS MUCHOS CAMBIAMENTOS..ARISTIDES SUSPENDE LA PRODUCCION PICTORICA EN TELA Y OLEO TRADICCIONAL y SE DEDICA A UNA AISLADA BUSQUEDA EXPERIMENTAL DE MATERIALES USANDO LA TEMPERA ENRIQUECIDA CON PURPURINA EN ORO, EL LAPIZ GRASO, EL ORO Y BRONCE, APARECE LOS PRIMEROS SATINADOS Y ENCERRADOS, EL DECALGAGE Y LA PRODUCCION EN PAPEL. DETRAS DE ESTA DECISION TECNICA INCORPORA UNA NUEVA BUSQUEDA ORGANIZADAS EN CICLOS Y SERIES.

1980- Regreso en Italia.
Aristides, regresa en Italia y participa a distintos Concursos de Pintura, opteniendo algunos premios importantes. Entra en el mundo Intelectual Florentino haciendo algunas exposiciònes colectivas, y haciendo partes de algunos grupos o colectivos de Artista: Grupo Donatello, Grupo Moro.
Ya se encuentra trabajando en un CICLO pictòrico, de este ciclo pictorico ARISTIDES nos comenta:
“Bueno, apenas lleguè de Panamà,en mi regreso a Florencia,sabia que mi periodo de preparaciòn academico habia terminado, aunque si, me inscribi a la Facultad de Humanidades a tomar cursos de Historia Del Arte, frecuente por tres años la Facultad, tomandos cursos de Historia Renancimental y Historia de Arte Moderna y Contemporanea, termine estos dos cursos en anticipo de un año, ya que las dos cursos comprendian la durada de cuatros años, pero a mi llegada, comenze a frecuentar el ambiente cultural Florentino, que por su acogimiento y respaldo mucho me fué de ayuda, allì conoci muchos artistas y criticos que aùn trabajan conmigo. Gracias a mi preparacòn Academica trabaje ocacionalmente en Restauraciòn Tecnica-Pictorica en dos Atelier profesionista de restauro, ya que me resultaba facil, visto los estudios que estaba frecuentando y la preparaciòn tecnica recibida en la Academica. Para ese entonces el antiguo, lo pasado, la profunda sensaciòn que me daba estar en contacto con objetos llenos de historias y significados, provocaban en mi elaboraciones de futuras hipoteticos proyectos. Tratar de absorvir estas sensaciones y hacerlas partécipe de mis proyecto; es en esta clima que creo el CICLO pictorico El Ballet del Cabròn, dando un escenario (el ballet va en escena ) donde poder hipotesar nuestro contradictorio mundo, latinoamericano y occidental, recogiendo la fascinaciones de este, y su parte màs intrigante (el chivato, el cabròn)”.
Con estos breves comentos, Aristides nos ayuda a leer con màs facultad su obra , pero el contacto de ARISTIDES con los Objectos y sus significados le permiten hacer su primera personal en una galeria de tendencia conceptual en Florencia.

1982 EXPO-FLORENCIA.

12 Objetos Esteticos
GALERIA “MALACHITE”
16 Noviembre 1982-Florencia.

Esta Exposiciòn Personal, nos demuestra como, Aristides esta absorviendo los estimulos italianos, se presenta al publico florentino, con una 12 Objectos que el llamarà Esteticos, se trata de imagenes pintadas en vidrios, que puesta a manera de laminas ( una alternadas a las otras ), sostenida por una corniz a forma de cajetas de maderas, pueden ser observadas en ambas partes. Aqui nos hacemos ayudar por Aristides y en su explicaciòn nos dice:

“En esos trabajos me inspiré a las vetrinas coloradas de las Catedrales Renancimental y Goticas, aquellas Ventanas, que filtrando la luz esterna dan un sentido espiritual y sagrado al ambiente”. El artista pintàra sobre estos vidrios elementos que haran parte del EL BALLET DEL CABRON.

Aristides hizo cubrir todas las paredes de la galeria con telas de lino blanco, creando un ambiente propizio para color sus objetos, otra vez lo llamarà AMBIENTACION ya que sus instalaciones vendran màs tardes. Es el critico de Arte Stefano Benedetti ha publicar en un periodo local la presentaciòn de esta iniciativa, aqui en continuaciòn le proponemos el articulo.

ARISTIDES UREÑA RAMOS
Autor: Stefano Benedetti
Publicado por: LA NAZIONE
Lunedi 29 noviembre 1982-florencia-Italia.

La Galeria Malachite propone solo exposiciones “Objectos conceptuale” de artistas, cumpliendo con un solo rigor: no cuadros, ni escultura, ni objetos de uso. El panameño Ureña Ramos presenta doce “cuadros” de mesa, enmarcados con maderas de pino claro , contienen vidrios pintados con colores primarios que se combinan y se sobrepone atraves de la luz. ARISTIDES elabora, documenta, re-inventa las imagenes antropomorfas, zoomorfes del arte precolombino, magia, religiòsidad, testimoniancias, mascaras de la cultura latino americana como una edentidad popular, mezcladas atravez de las razas africanas, india, europea.
Gran trabajo de sabor Testimonial-Documentaristico, donde los paradigmas graficos vienen filtrados por manos sabientes y geniales. Atento estudio, que en su provocatoria presentaciòn, nos pones mas de un interrogativo. Aristides interpreta en un personalisimo “entender el Conceptual” su ya fuerte ubicaciòn dentro el panorama contemporaneo. Por la uniformidad de intento y las prerogativas abiertas esta exposiciòn marca ya, el incorporarse de un nuevo creador dentro del ambito italiano.
Stefano Benedetti-1982
CRITICO DE ARTE periodico LA NAZIONE (FLORENCIA-iTALIA)

Despues de esta exposicòn florentina Aristide, viene invitado a Roma(1983) a presentar su ultima produccion pictorica, es asi que presentara: El Ballet del Cabròn, sera el canciller de la Embajada de Roma ha presentar al joven pintor, delineando su trayectoria artistica. A continuaciòn le presentamos esta presentaciòn:

(Materia sacado de BIOGRAFIA NARRADA de Ferreira/Persiani)....sigue.

1979- JOSE FRANCO presenta EXPO- ARISTIDES UREÑA RAMOS

(Material recojido de "Biografia narrada" Ferreira/Persiani)

En el catalogo encontramo una breve presentaciòn de Josè Franco unos de fervientes admirador de la obra de Aristides.

AMPLIAS PROYECCIONES

Aristides es el màs fresco y profundo de los pintores jovenes panameño. Formado en Florencia, Italia, su academie no llega a empañar su concepcion raizal latinoamericana, como corresponde a los libres y autènticos creadores.
Su pintura encuentra en las formas precolombinas sabios temas, que luego interpreta a lo largo de un itinerario de colores fuertes, que sustentan un primitivismo altamente evolucionado, tampoco superado en nuestros dìas.
Pintor con amplia proyecciòn, sus trabajos reflejan siempre una unidad temàtica, que va desde los viejos cantos formativos de nuestra cultura autòctona, hasta el presente polìtico, ahondado con batallas libertadoras, en sìmbolos profundos como son las de la guerrilla urbana y rural, documentos insoslayables de nuestro tiempo.
Aristides UREÑA RAMOS golpea de plano con una obra bien equilibrada en el fondo y la forma. Con Ureña Ramos nos instalamos antes el advenimiento de un extraordinario artista, del que mucho se hablarà, estoy seguro, en el futuro pròximo.”
Jose Franco

Ureña Ramos:
Gran pintor panameño
Articolo pubblicato en LA REPUBLICA
Domingo 19 agosto de 1979

1979-Aristides en su retorno de Europa, ya graduado , presenta sus trabajos en una Exposicion Personal en el Ex Cuartel de la Guardia Nacional, donde se hace la peticiòn al Gobierno Nacional y al INAC de donar las extruturas de el ex Cuartel para construir un Museo que recojiera la expresion artistica de Veraguas y sede de La Casa de la Cultura.

Esta peticiòn fue hecha junto a su compatriota Adriano Herrebaria y creò grande discusiòn al respecto, el contencioso fuè de varios sectores de la comunidad Santiagueña que se oponia que una estrutura que habia sido sede de limitaciones de la libertad, de dolor y violencia fuera sede de la cultura veraguense, al mismo tiempo intelectuales del calibro de Carlos Francisco Chanmarin y profesores de la escuela Normal sostenieron la iniciativa...... . a tal proposito Aristides sostenia ( 1979 ) que: “ Nada de nuestro pasado puede ser borrado y la fuerza que consolida a los pueblos pasan atraves del saberse interrogar con su pasado. Las herencias que las nuevas generaciones recibiran tendran que resplandecer de verdad y trasparencias para que lugares como estè (Cuartel), sean los campos donde construir campos florecientesientes ”. (sacado de Escritos 1979 “La polemica sobre el viejo Cuartel. Las titibùes y los gallinazos santiagueños” A.Urena R. 1979.)
Actualmente el viejo cuartel es La Casa de la Cultura de Veraguas.


En esta exposiciòn podemos encontrar la solitaria busqueda que Aristides esta conduciendo. Las ventanas abiertas no concluidas, los proyectos pintoricos, la conceptualidad, los video tape, las instalaciones son todos ENUNCIADOS que aveces se concluyen o dejan reflexiones a-postume. Lo que queda presente es la voluntad de Testimoniar de Documentar el vivido contradictorio de su empeñada busqueda.

Murales- Cuadros y Pasteles.
Ex - Cuartel de Santiago ( futura Casa de la Cultura )
Santiago de Veraguas.

LOS PRECOLOMBINOS. ( Serie de 9 pequeños cuadros 1974- 77 )

En la Serie de cuadros los Pre-colombinos, presentados en la Expo “Murales, cuadros y pasteles – producciòn 1974-77” en el antiguo cuartel de Santiago 1979, encontramos las primeras concideraciones que Aristides hace, en una manera provocatoria sobre lo que màs tarde èl llamaria el TAMAYISMO PANAMEÑO, referiendose a la pintura de enfoche indigenista muy de moda en aquellos momentos. (Articulo publicado como El Tamayismo panameño y Indigenismo de retrazo-1979)
Observandos los pequenos cuadros, vemos como Aristides pone en primeros planos figuras de vasijas ( huacas ) precolombinas, toten indigenas, figuras antropomorfas recojidas del arte precolombinos, todas estas telas se encuentra marcadas con una cifra, que a manera de etiqueta presentan un precio, como si estubieran en venta, siendo esta una de las caracteristica de la Serie, quiso marcar aristides estas telas con precios que no superan la cifra de 5 centavos de dolar, ofreciendolas a bajo precio, poniendo a nuestras concideraciones, el poco valor que se le da a la culturas actoctonas.
Esta provocatoria SERIE, marca en la obra de Aristides un cambio de ruta en su busqueda artistica y en su concideraciones pictorica; de hecho declararà en unos de sus escritos sobre arte de aquel entonces:
“......reconosco que la pintura indigenista, es uno de las tantos medio que nos permiten valorizar nuestra cultura autoctona, pero, de frente a la problematica del arte contemporanea, me siento lejos del Tamayismo, aunque si ella, me ha motivado en mi busqueda pintorica”.
Mas adelante dice:
“.... y en la Serie Pre-colombinos, dejo legamen de como yo entiendo este tema; proponer los elementos y simbologia en manera de Re-cupero, sin encajarse en la parte estilistica de por si mismo, ya que la verdadera busqueda se encuentra en una nueva via experimental, que nos lleve hacia una concepciòn pintorica mas cerca al presente social panameña”.
En su renuncia Aristides ya delinea su nueva concepciòn que lo llevarà a proponer en manera Conceptual-provocatoria sus nuevas produciones.

¡Oh AMERICA! ( Serie de 4 cuadros 1975-76 )

En las obras ¡ Oh AMERICA!, vemos latente la necesidad de enfrentar “un tema”en manera repetitiva ( como ya hemos visto en la serie Los Precolombinos), tratando de escavar dentro del mismo motivo las variante que el mismo tema propone, agotando dentro de la “re-presentaciòn continua” el significado del mismo.

Como sabemos, Aristides habia ya estudiado Cinematografia en el Instituto Lorenzo Medici de Florencia 1976, y tal ves la visiòn a “ Fotogramas narrativos”, tipica de la CINEMATOGRAFIA, lo lleva a conciderar dentro de su trabajo la posibilidad de enfrentar los temas en SERIE Pictoricas.

AMBIENTE MURAL

En esta obra ambientada en unas de las salas de la ex-prisiòn de Santiago 1979, el artista presenta su primera “Instalaciòn ” recordamos que para aquel entonces, no se usaba el termine “ Instalaciòn ”, pero como vedràn, bajo esta ambientaciòn intitulada: “ TERREMOTO EN CENTROAMERICA ”, notamos que la realizacion de esta obra nos acerca mucho a una verdadera Instacion.

En el fondo de dicha sala, se encontraban apoyada en la pared, como si estubieran encastradas 7 lienzos de dististos tamaño, las dos lienzos laterales, que eran en sus dimensiones las mas grande ( 2 metros de alto por 1,50 mts ) se encontraban colegadas por tres ( 3 ) lienzos rectangulares, en donde se apoyaban 2 lienzos en su parte superior.

La obra narraban de un violento terremoto, donde las llamas devoraban una ciudad....., personajes desesperados en buscas de amparos, gritaban y escapaban,.... en su parte derecha, militares fusilaban, desconocidas victimas,.... al centro de la escena se encontraba una madre desesperada, que en el intento de salvar su hijo en brazos, miraba el expectador con confusa angustia....., de frente al conjunto de lienzos, en el pavimento, colocados por tierra habian esculturas de mutilados miembras humanas, hechas en maderas y estaban pintadas de vivaces colores..... en la parte superior en el techo se encontraban, vistosas sabanas de horgandi a flores y satin rojo, colocados a manera de hamacas, percorriendo todo la sala dando la sugestion al ambiente..... la sala estaba iluminada con lamparas de color rojo y una musica compuesta por el artista, que perturbante acompañaba toda la escena.
Corrian los años 1979, Aristides anticipaba, con su preocupacion pictorica, los eventos traumaticos de la dificil situaciòn Centroamericana. Como tambièn quedaba remarcada la visiòn alargada de su concepciòn artistica.

Dentro de estas concideraciones van colocadas las telas: GOLIRISMO LATINO 1974, EL DEMAGOGO 1975, GUERRILLERO 1975, TORTURA 1975, SOMOZA 1975.

2 VIDEO Tape (8 milimetros blanco y negro 1976)

Un primer Video Tape ( esta era la difiniciòn que se usaba para ese entonces ) del titulo “ENCLAVE COLONIAL” hecho en el 1976 el cual no fue presentado, hacia parte de esta Muestra, se trata de una sola imagen tomada de frente a la vieja Zona Canalera donde se veia la cerca que dividia el territorrio panameño al nortamericano, esta visiòn no cambiava nunca, el unico movimiento que se veia era los de la automobiles y de los ocacionales pasantes, el video durada parsimoniosamente 20 minutos, dando la sensaciòn de Eternidad. Resulta del mimo corte cinematografico “PERPETUA” la seguanda obra,,,con imagenes robadas clandestinamente en la Zona Canalera, este ultimo Video terminaba con la frase repetida una sobre la otra con los versos de “Oh patria, tam pequeña”..una obra muy sugestiva, por el utilizo de la tecnica en Super 8.
Esta obra fue filmada en 8 milimetros en blanco y negro en la Ciudad de Panamà y montada por Aristides en el Instituto Lorenzo dei Medici, presisamente en los Estudios cinematograficos Kapa de florencia, fue montado en soporte VIDEO-TAPE.

(material recogido de BIOGRAFIA NARRADA Ferreira/Persiani)

REFLEXIONES SOBRE EL SISTEMA CULTURAL EN PANAMA

REFLEXIONES SOBRE EL SISTEMA CULTURAL EN PANAMA.
por: ARISTIDES URENA RAMOS.
Panamà Octubre/Noviembre 2009.


MOMENTO ACTUAL..

Por el momento no hemos sabido superar el difícil momento de TRANSICIÓN.
Aunque sí hemos visto dentro del panorama artístico nacional algunas excelentes manifestaciones; pero, a un atento analisis, pareciera que éstas van en direcciones desarmónicas, sin incidir en las problemáticas reales del SISTEMA CULTURAL en Panamá .

SISTEMA CULTURAL en DESARMONÍA.

Existe una dificultad en la comprensión de las "Las políticas" que intenta seguir la máxima institucion Cultural del País (INAC), en la Educación pública Cultural y en el SISTEMA de promoción y de consumo de ésta misma, ellas no viajan motivadas por claras políticas ó armoniosos objetivos de alcanzar...esa ha sido siempre una de las características negativas del SISTEMA CULTURAL en las últimas décadas.

A pesar que los sujetos directamente interesados: las escuelas, la dirección educacional y los sujetos dedicados a la PROMOCIÓN Y CONSUMO CULTURAL, (Galerías de Arte, Museos, Puntos de agregación cultural), sufran lamentablemente de esta situación desarticulada. Son pocas las veces desde la creación del INAC, en las cuales hayan coincidido políticas con fuertes motivaciones, dirigidas a la trasformación y actualización del SISTEMA CULTURAL...por estos motivos, urge llegar a reflexiones, en concenso y analizadas en su cruda realidad, para comprender con claridad este momento de difícil TRANSICIÓN.

Fue, la creación del INAC a dar un SISTEMA moderno al país, con la atención de interpretar las necesidades culturales existentes, a veces con brillantes instituciones, persiguiendo una educación artística de alto nivel, con la creaciones de polos dirigenciales en la Recuperación, la Conservación y la Investigación de nuestra CULTURA..y en ese camino bien delineado es que se anegaron sus mismas ambiciones..ya que, al parecer esta institución ha sido el territorio de conquistas de intercambios partidiarios y patios de intereses ajenos a su tarea y objetivos iniciales...esto ha llevado a que desde hace muchos años, las improvisaciones y los esfuerzos navenguen a la deriva, como junto a éstos, las buenas intenciones de aquellos excelentes individuos que por ella han pasado. Por esto, resulta "no retórico" interrogarse del porqué del sufrimiento de esta Institución, que cuenta con "partida económica" dedicada en su mayor parte al sustento de un aparato poco funcional y sin ser dirigido a políticas de modernización del mismo SISTEMA.
Queda poner de manifiesto, con mucha claridad, que para enfrentar ese problema y superar el momento de TRANSICIÓN, hay que dotarse de una verdadera LÍNEA innovadora y una propuesta CLARA de RENOVACIÓN del SISTEMA, que tenga como meta final la actualización de éste mismo, ya que al intervenir de forma desarticulada se corre el riesgo de crear un sistema intimidante, de difícil compresión y de bloquear de manera conflictiva el proceso de cambio.

EL SISTEMA DE PROMOCIÓN Y CONSUMO.

(Instituciones Privadas, Museos, Galerias privadas y publicas)

El fervor del sistema de Promoción y Consumo de arte, se inicia con las experiencias de las primeras galerías en Panamá, muchos hablan de las décadas de los años 1980..que en verdad poco a poco fortalecieron el mercado del consumo de obras de arte, como a su vez, la promoción de muchos artistas.
Me interesa evindenciar el papel que conllevo el Panarte (1962) ya que fue una de las intituciones que, al momento de la creacion de las máximas Instituciones culturales Gubernamentales, POLARIZÓ de manera antagonista esta misma..ya que muchas fueron las fuertes divergencias entre la artistas empeñaados en ambas intituciones, como también valiosos los momentos en los cuales se unieron, con pocas excepciones...fué el PANARTE que actuó de faro creíble y de adhisión, fuera de las instuciones gubernamentales, con un corte de enlace internacional, creador de las primeras colecciones en un ente privado...fue así que con el devenir de los años se trasformó en el MAC- Museo de Arte Contemporáneo (1983). Situación que contribuyó al sano despertar innovador de las Artes en Panamá.

Ambas realidades (INAC Y MAC) en la actualidad cuentan , con problemáticas que al exterior parecen pasajeras, pero son fruto de enfoques equivocados de base, incapaces de interpretar las verdaderas innovaciones del mercado internacional, perdiendo una de las funciones principales a ellas históricamente dadas. No estamos lejos de la verdad, cuando afirmamos que la CRISIS de ambas instituciones han adormecido el proceso de actualización del SISTEMA CULTURAL en Panamá.

Es así que Las Galerías Privadas, viven de consecuencia su constante empeño por encontrar las pocas novedades presentes en el ámbito pictórico, la pobreza de la oferta de una pintura recreativa o decorativa, que ha abandonado la tarea de búsqueda de TENDENCIA y de NOVEDADES fruto de la distracción de un SISTEMA poco inclinado, a las novedades, de actualizaciones y sin la posibilidad de educar a sus consumidores(Clientes).
Un ejemplo muy evidente, es la pobreza en la cual han empantanado el PREMIO DE PINTURA ROBERTO LEWIS enjaulándolo en una visión REDUCTIVA de las ARTES, que no encuentra respaldar la capacidad creativa de los mejores artista locales, cerrada a una posibilidad multidisciplinar, sin apertura a las problemáticas de expresiones artísticas nuevas e internacionales, con la oscura dirección del jurado fiel a esos retrazos....hay que dar nuevo enfoque a tal glorioso premio, con la certeza de que tal cambio vendrá desde sus cimientos y sin compromisos con sus viejos esquemas.

Es claro, que ninguno es extraño a sus responsabilidades, ya que en la situación en la que nos encontramos, cada empeño que quisiera hacerse con verdadero "toque de novedad," estará predestinado a caer en el vacío, ya que las figuras de empuje o de impulso viven sus actividades en forma desarticulada. Y la pobreza del nivel es fruto de la ausencia de figuras con pautas innovadorass y fuertes motivaciones de cambio.

No todo es negativo, ya que existen algunos MUSEOS capitalinos--pocos en verdad--- que presentan brillantes manifestaciones en sus programaciones...como también los son aquellos PUNTOS de AGREGACIÓN, fuera de la instauradas formas tradicionales (Exedra, La Casona. Huellas, Diablo Rosso, ect., ect.) que tratan de interpretar los cambios...... siendo éstas las "Cosas diversas e inusuales " fácilmente presentables como las verdaderas novedades en esta etapa de TRANSICIÓN.

LA OFICIALIDAD

(Museos gubernamentales).

Los Museos capitalinos con la fatiga de presentarse con una LÍNEA propia de ACTIVIDADES, incapaces de autonomía, sin una indicación funcional, dentro de una Coordinación General....como también los Museo interioranos (pocos en verdad) bajo la fatigosa labor de interpretar una función de "LUGAR DE CONSERVACIÓN IDENTIDAD y preservador del FOLKLORE y de NUESTRAS RAICES, deriva que lleva a la dispersión las pocas energías económicas y el esfuerzo de aquellas personalidades "muy bien intencionadas"; sin lograr establecer una enfoque funcional y organización de tal tarea - tal vez debido al planteamiento de corte político en asignar las direcciones Regionales y direccionales de los mismos MUSEOS. No creo escandaloso que tal dirección sea ofertada por concurso a profesionales del sector artístico Museológico, ya que nuestro país cuenta con muchos profesionales formados y bien preparados para tal tarea. Creo necesario abrir una tregua temporal en los apetitos de orden partidario y politico.. dar cabida a ordenar estas estructuras, que darán crédito de la ALTA LABOR CULTURAL a todos los panameños. Rompiendo absolutamente con el pasado y planteando una verdadera estructuración.

LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA/ MÉRITOS ACADÉMICOS

La percepción que se obtiene, en los distintos colegas, es la preocupación de mantener alto un nivel de instrucción, la educación es sin duda, una de las energías vitales que sotienen a la mayoría de ellos, pero el lado débil de todo esto es EL ENFOQUE Educativo artístico, que tratando de resolver esta compartida inquietud, ha creado, una serie de pasajes de méritos educativos..dichos "académicos". Que no han dado los resultados esperados..ya que la famosa “meritocracia educativa”, no ha correspondido a una verdadera calificación del modelo educativo artístico en Panamá. Por eso ha fracasado.
Algunos se han perdido en la marea de MÉRITOS ACADÉMICOS, donde la ilusión en recibir una verdadera preparación CALIFICADA, en concordancia con la actualidad contemporánea artística, no existe; supuestamente se creo un anillo de intereses internos, donde los jugadores de un mismo equipo, eran árbitros, entrenadores y jugadores de una misma partida...perdiendo la oportunidad de dar respuesta a las necesidades de los Educadores y futuros colegas artistas.
Un mal inesperado, que ha llevado a una eseñanza ARCAICA , empobrecida en una labor meritocrática equivocada, que miraba a una competición a su mismo interior, que no permite aperturas a la renovación del sistema cultural.

Muchos son los valores panameños, que actualmente brillan profesionalmente en el panorama artístico nacional e internacional, forjados de la tenacidad del mercado, conocedores de la realidad y de la difícil tarea que comporta la responsabilidad de la labor artística....A su vez, toda la energía EDUCATIVA va en dirección a formar profesionales, que en un mañana logren realizarse a nivel profesional gracias a esta formación. Pues bien, el sistema de Meritocracia, no permite el aporte de esos valores reconocidos a nivel internacional, ya que bloquea esta posibilidad, con el ciego resultado, de quitar la oportunidad de aprovechar estos talentos, cometiendo el error de retorcerse sobre sí mismo. Pienso en el gran aporte que podrían brindar personalidades como Omar Alfano a la educación Musical o para mostrar otro ejemplo Brooke Alfaro en las Escuela de Bellas Artes y muchos otrso muchos ejemplos, con los cuales contamos en Panamá.

Se denota el precario equilibrio de los que sustentan el "status quo" de dichas situaciones, seguramente para lograr superar el momento de transición, no solo tendríamos que dotarnos de nuevos individuos, que no estén comprometidos que los viejos modelos, ya que este cambio necesario necesita de fuertes voluntades de renovadoras.

CONTROL RESTAURACION ..y LA CREACION DE UN ORGANISMO DE CONTROL.

Panamá es uno de los pocos países de avance económico de primer orden en Latinoamérica, pero al mismo tiempo es el país mas atrasado en el CONTROL y PRESERVACIÓN de su PATRIMONIO...en Panamá se permite que cualquier individuo, se cierra a ojos indiscretos a RESTAURAR los valisosos legados artísticos, SIN CONTROL ALGUNO....En este período de TRANSICIÓN se han cometido, los peores desfalcos al PATRIMONIO colectivo, se han perpetuado daños incalculables a dicho patrimonio, culpa de falta de verificación de aquellos "obscuros personajes" RESTAURADORES que bien han sabido aprovecharse de la fragilidad del SISTEMA CULTURAL y de la irresponsabilidad política de los gobiernos pasados...necesaria de algunas páginas para listar dichos desastres, que ya son conocidos y que silenciosamente TODOS callamos.....y los que vendran.
Hay que colmar ese retrazo, con la creacion de una Super Intendencia...con especialistas en el sector y controlar o suspender aquellos trabajos de dudosa restauración.....Panamá no está lejano de tal proposito, la colaboración de países como España, Italia y Holanda a la vanguardia expecializada, puede brindar un apoyo calificado y competente para la gestión del control desinteresado, externo a aquellas figuras comprometidas al manejo de nuestro PATRIMONIO....Dicha Super Intendencia del Patrimonio Histórico tendrá que asumir su responsabilidad de controlar las figuras ambiguas que actualmente e INCONTROLADAMENTE manipulan la restauración en Panamá, sus créditos académicos, verificando con atenta sobriedad su veracidad.

LA CAIDA DE LOS MUROS Y DE LOS PRECONCEPTOS

-inicio de una Nuevas politica cultural-

Creo que hay que voltear de ruta y ver los nuevos horizontes...creo en una colaboración entre las instituciones que han servido de columna a nuestro SISTEMA CULTURAL, por eso creo que Instituciones como el MAC y el INAC tendrían que abrir una nueva era de acuerdo y de objetivos comunes. Ya que de este acuerdo se benificiaría directamente el mismo Sistema.

Como la decisión de la parte Gubernamental en facilitar la suma del INAC como socio accionista temporal, para la construcción del nuevo MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO...y que dicha participación gubernamental, siendo económica sea contratada dentro de un PLAN de motivaciones transparentes, que no transfigure la identidad PRIVADA del MAC, pero que concuerde con una NUEVA VISIÓN de trasformación del sistema de CULTURA..dicho acuerdo, como en las mejores familias no será AD ETERNUN, programando la separación de ambos al momento oportuno.
Como también veo un cambio de RUTA de parte del INAC en conceder a la participación coolaborativa de sus actividades culturales a entes, componentes de SISTEMA CULTURAL más activo de la sociedad.

LA CAIDA DE LOS MUROS IDEOLOGICOS.

-Colmar el retraso-

En nuestro ambiente hay una Generalizada concepción a defender el MODELO existente, argumentos con motivos RETÓRICOS en sus tesis, como también posiciones contrarias a los planteamientos de cambio y estructuración del Sistema Cultural , en estas posiciones, lejanas entre ellas, muchas veces se anidan la demagogia del discutir las cosas referente al CAMBIO, para que en definitiva las cosas No cambien...y hemos tocado recientemente esta bochornosa situación...No logramos comprender, o no sé logra comprender, en definitiva las MODIFICACIONES que se intentan poner en acto. NO ES ESCANDALOSO que en la voluntad de cambio, el INAC, se decida a integrar algunos entes, que ha primera vista resultarían lejanos dentro de sus funciones, pero funcional bajo una estrategia de REESTRUCTURACIÓN, pero lo preocupante y escandaloso, es que NO SE CONOCEN las motivaciones de esa estrategia, ni las metas que con ellas, se intentan alcanzar, con el resultado que se desvian las discusiones en estériles trincheras defensivas, donde se retraza ulteriormente las necesarias intervenciones a la estructuración...y la colectiva irresponsabilidad de estos retrazos conllevan cada día a que en un cercano manana tendramos que aplicar DURAS POLÍTICAS de Cambio necesarias para la modernización del SISTEMA CULTURAL de Panamà.

(primera parte)..el articulo continua con reflexiones sobre propuestas.

ARISTIDES URENA RAMOS.

Panamà Octubre/ noviembre 2009

1974-1978- ARISTIDES EXPONE EN FLORENCIA

1974 – 1978

Viaja en el 1974 a frecuentar estudio en la prestigiosa Academia de Bellas Artes San Marco de Florencia Italia, donde cursa con brillante dedicaciòn, sobresaliendo como uno de sus mejores alumnos, manteniendo créditos 30/30 siendo ésta la màs alta calificaciòn exigida.

1974-1976

– Estudios sobre la Anatomia humana y investigaciones sobre las tecnicas pictoricas (recogidas en la Tesis de Laurea)- En los veranos frecuenta la Escuela de escultura de la Sopraintendenzia Belle Arti de Pietrasanta y trabaja en la Cantera de Màrmol Bettini especializandose en la fusion de Bronce y en corte y laboraciòn del màrmol escultorico (1974-1978).

1975/77 : Viajes estudios por Europa y sobre todo la pasiòn por las artes antiguas lo lleva en Turquia, Egipto, Marrueco y Grecia (para cada uno de estos lugares compilarà una series de trabajo que recojerà bajo el titulo de CODEX..nacè asi la serie de manoscritos.)

Atenas 1975

-Participa a diversas colectivas y funda, organiza y dirige diversos laboratorios de Murales y frescos. Interviene en happening y realiza performance. Frecuenta cursos de cinematografia, y se dedica a la investigacion en “super 8mm y video tape”.

Venecia 1976 -Taller de Video Tape "Kapa"

1978- Es alli en Florencia donde presentarà su primera personal al C.I.S del Palazzo Strozzi, del titulo “Oh America”, publicando un vistoso catalogo.

(Material recojido de "Biografia narrada" Ferreira/Persiani)

ARISTIDES UREÑA RAMOS EXPONE EN FLORENCIA
Calumna: HODERAMA de Ramon Pineda B.
Publicado en MATUTINO.
Panama, vierenes, 14 de abril 1978

Desde la legendaria ciudad de Florencia en Italia, nos escribe el joven pintor ARISTIDES UREÑA RAMOS, para danos cuentas de las realizaciones que va hilvanando desde los dintornos de la anciana Europa, en aras de su auténtica integraciòn cultural de pintor hombre.
UREÑA RAMOS, està a punto de culminar su tesis de graduaciòn en la mundialmente famosa Academia de Bellas Artes- de la milenaria cuna de Miguel Angel- Florencia, situada al norte de la bota itàlica y matriz del Renacimiento europeo.
En un ambiente de rancio abolengo artìstico y cultural, va cumpliendo este esforzaso exponente de la juventud estudiosa de veraguas, su periplo fecundo, impregnando de una seriedad poco comùn en los jòvenes de hoy y dueño de una consagraciòn excepcional por su LLEGAR A SER.
En su familiar- este vigoroso artista de los nuevos valores de la plastica panameña- describe con emotividad y soltura detalles interesantes y genuinos en su dificil escalada por la tierra bañada por el rio Arno. Crisol de las grandezas de la pintura y la literatura italiana- cuyo explendor desde el siglo trece hasta nuestros dìas no logra extinguir el tiempo.
Pero lo màs importante de sta carta de Aristides, resulta ser la feliz realizaciòn de una aspiraciòn cimera en todo pintor en su primera juventud. Exponer allì en Florencia, en el CENTRO D’INCONTRO PER STRANIERI- alrededor de 30 de sus obras en las diversas ramas de la investigaciòn y el quehacer de la plàstica – desde 1974 a 1978. Es màs, en esta primera individual del compatriota ARISTIDE UREÑA RAMOS, Él ha logrado la ediciòn de un Catalogo Especial, que preside la muestra que precisamente fuè inagurada el 7 de abril 1978- en la Sala especialmente reservada para jòvenes pintores extranjeros con talento dentro del regio: PALAZZO STROZZI- de la ciudad de Firenze.



De este catàlogo- ilustrado por magnificas fotos de las pinturas de Ureña Ramos entresamos trozos alusivos-firmado por el Maestro Antonio Gramci “....El Arte es siempre una lìgazòn a una determinada cultura o civilizaciòn y luchar por reformar la cultura, se trabaja para crear un NUEVO ARTE para que de esta manera se modifique el hombre...”, “.....Los jòvenes que en general quieren ir adelante-siempre buscan un MAESTRO, diria todavìa, que casi no lo encuentran jamas, es por eso que son afortunados porque el que se conoce asi mismo, tendrà su limite de no llegar a ser MAESTRO. Mientras crea en èl mismo o resulte una guìa de no fiar y, naturalmente aquellos que se consideran guìas han superado los cincuentas años de edad, son grises y viejos de espiritu, llenos de tacto y de cautela o se proponen ser Maestro de Enseñanza y simplemente degenerar en simples Maestros.....” de Lu Hsun “Cultura e sociedad en China”.
La escalada profesional de ARISTIDES- merece sinceramente, la renovacòn de los estìmulos de quienes conocemos la dimensiòn del esfuerzo ìndividual por su propia integraciòn humanìsta de pintor serio y responsable- ........el articulo continua, esta es solo una parte.

1978-1979-Aristides en su retorno de Europa el 16 de octubre del 1978, ya graduado , presenta sus trabajos en una Exposiciòn Personal en el Ex Cuartel de la Guardia Nacional de Santiago de Veraguas, donde se hace la peticiòn al Gobierno Nacional y al INAC de donar las extruturas de el ex Cuartel para construir un Museo que recojiera la expresion artistica de Veraguas y sede de La Casa de la Cultura.

1974-HA SURGIDO UN PINTOR: ARISTIDES UREÑA RAMOS..por L. Castilla Bravo.

A SURGIDO UN PINTOR: ARISTIDES UREÑA RAMOS
Por: LUIS CASTILLA BRAVO
Panamà/Martes, 18 de Junio de 1974

Con una audacia solo concebible en un veraguense, sin guìa artìstica y sin un patròn definido, ARISTIDES UREÑA RAMOS, deja plasmado en el lienzo, las iridiscencia dl paisaje santiagueño que trasvasa su alma juvenil.
Desde sus 19 años de edad, contempla las desgarraduras ambientales de su medio social, golpeadas algunas veces por los mitos y leyendas y en otras, por actitud inmesericorde de los desheredados de la tierra.
Reflejos de esas impresiones son sus cuadros “Tuliviejas”; y “Mercado Humano” un semi-Mural y “Martires”. Obras que van recogiendo sus inquitudes y bùsqueda de mensajes al pueblo.

Tumbas de los caidos del 9 de abril 1959 (el poeta Menedez Francoy con el brazalete FRD agachado Polidoro Pinzòn dirigente estudiantil alzado en armas , en el primer levantamiento revolucioanario de el continente americano) en las montañas de Santa Fè de veraguasw..foto clandestina- A, ureña.

De alli que su temàtica fundamental gira en torno al ser humano, y el medio ambiente en que se encuentra, volcando su inquitud hacia la visualizaciòn del futuro del género, como lo efectua en su esculto-pictura: “Seres despues de la Tercera Guerra Mundial”.

Quie es este joven pintor?..se preguntaràn ustedes.
A ello les respondemos: es el hijo de un perseguido de ayer, Es el heredero de una actitud de combate de un cachoro de veraguas en abierta lid con la explotaciòn.

Es el sujeto de una relaciòn filial que ha percibido en primer plano las angustia que produce decir la verdad y colocarse al lado de la justicia. Un numero de 14 hermanos que frente a la contingencias de ser y no ser optaron por escribir con hambre, aungustia y lagrimas el respaldo decidido a la actitud paterna.

Sin odios, sin resquemores, pero, con mucha dignidad los 14 han abierto una trocha hacia la vida incursionando en los diversos géneros culturales (Canto, poesìa, danza, instrumentaciòn musical y pintura) en abierto divorcio con la oratoria, que se pierde en la fria insensibilidad de la incompresiòn humana.

La campiña alegre- 1967- Tempera al temple de huevos- Colec. Xenia de Ureña Ramos.

Con esa herencia y en ese medio ambiente veraguense en donde los remanentes feudales aùn quedan como banderas desgarradas en la campiñas solariegas, ARISTIDES UREÑA RAMOS, sin un solo curso de pintura en su acerbo cultural, pero con ideas sueltas en conversaciones con Adriano Herrebarria y Daniel Richard’s, ha elaborado 32 cuadros, siendo uno de ellos Liberaciòn/Liberaciòn su primera obra pictòrica (?), galardonada con el Primer Premio Nacional de Pintura “INGENIO LA VICTORIA”. 1970.

Liberaciòn/Liberaciòn -145cmx285cm -1969- Oleo sobre tela/pintada a 14 años.

Poco se puede decir desde ahora sobre UREÑA RAMOS, el joven bachiller que parte hacia Florencia el 24 de Junio a cursar sus primeros estudios en la Academia de Bellas Artes y que hoy, inagura su primera eposicion en la Galerìa del DEXA en la Universidad de Panamà.
Pero...si podemos decir que naciò pintor y su pintura es el reflejo de la actitud un triunfador.

Su dominio del color, de la densidad y el volumen, sus claras percepciones de las pertectivas y la yuxtaposiciòn auguran el triunfo de un artista creador de escuela..ya lo veran!.

Exito y lauros desde ya, le vaticinamos a ARISTIDES UREÑA RAMOS.

Luis Castilla Bravo.

Martes 18 junio 1974

1974. primera individual/ DEXAS-PANAMA

ARISTIDES UREÑA RAMOS

"CELAJES HUMANOS"

Galeria DEXAS-Panamà

Junio 1974

Titulo: Autoretrato de artista frustrado/ Stgo 1973/ Oleo y Acrilico-Col. Xenia de Ureña Ramos

La primera exposiciòn personal de Aristides la realiza en el 1974, con el titulo de "CELAJES HUMANOS", presentando una gama de temas varios entre de ellos, se trata de 25 obras en Collage, oleos y oleos-acrilico, en estas primera expo pone tambien acuarelas, carboncillos y dibujos a lapis. 8 en su totalidad.

De los carboncillos a tecnica mixta podemos recordar “Cutarras Sangrientas” 1969 obra expresiva de las inquietud del artista. (CUTARRISMO Veraguense-colec-privada) que pertence al segundo perido "El secreto del Rojo de los achiote y los alambiques para construir el color de las mariposas" 1965-1969

Todas las demas obras cierra el ciclo de pintura del "Taller de Calle Tercera".
1970 –1974 (recojido de BIOGRAFIA NARRADA/A.UREÑA RAMOS..Ferreira-Persiani)

CELAJES HUMANOS Primera Expo-individual en la Galeria de Arte DEXA. UNIVERSIDAD DE PANAMA.presentada en el junio1974, Esta exposiciòn recoje las obras del artista en su adolencencia, en el catalogo encontramos una presentacion del artista veraguense Adriano Herrebarria que presentando su compaesano delinia ya la trayectoria del joven artista.

El periodista Luis Castilla Bravo publicarà el Martes 18 de Junio un articulo del Titulo "HA SURGIDO UN PINTOR" en LA CRITICA, donde dlinearà la figurà del joven Aristides (que publiqueremos aqui, despues de este articulo)

"BREVE Y ENALTECEDORA TRAYECTORIA AUTODIDACTA "

por: Adriano Herrerabarria

publicado en MATUTINO el martes 18 de junio 1974

"....una vez que los artistas fueron dueños de su técnicas, la usaron ampliamente para expresarse y siendo un grupo organizador aprendieron unos de otros susu hallazcos".....Jose Clemente Orozco

Pocas veces he conocido a un joven con tantas potencialidades para el ejercicio de la pintura y para incursionar por el inconmensurable mundo de las erudicciòn como ARISTIDES UREÑA RAMOS.

Imberbe aùn, apenas roto el cascaròn de la adolencencia-como DEMIA de Hess, rasga la membrana telùrica de su natal Santiago de Veraguas, para de un salto marsupial, sùbito y audas tratar de horadar las entraña de todos los arcanos y toda la sabiduraria que atesora la milenaria europa en el campo de las artes plasticas.

Por ello, cuando èl traspauso el portòn de mi taller, casi en el mismo instante en que me pongo a pergeñar esta introducciòn a instancias de Aristides y èste me dijo “ Vengo a despedirme profesor, me marcho a Florencia, Italia a continuar estudios por cuatro años”. La grata sorpresa, me hizo aquilatar el genuino potencial humano del joven Ureña Ramos y admirar sinceramente su fèrrea decisiòn de emigrar de ese Crisol de seres humano con inquietudes cimeras para el hacer artistico, la Literatura, la politica y otras manifestaciones jeràrquicas humanisticas que se dan en nuestro pueblo y del cual salen figuras y nombres rutilantes para integrar un ejemplar retablo de cultura y arte nacional.

Seres III guerra Mundial/Stgo 1972/ esculto-pintura sobre mogano/col: Xenia de Ureña Ramos

Aunque si sòlo he atendido como maestro de pintura-en excepcionales ocasiones al paisano Aristides, si he conversado con ese valioso muchacho con mucha frecuencia.

Esta interrelaciòn que se iniciò desde la primera adolescencia de Ureña Ramos, ha ido consolidàndose amedida que se ha ido haciendo su evoluciòn biològica a su integraciòn mental-hasta estos precisos instante en que està presto a partir en un largo viaje allende el Atlàntico- para encontrar màs amplios horizontes en su formaciòn profesional y humana.

Dentro de su breve y enaltecedora trayectoria como pintor autodidacta, Aristides puede estar satisfecho de si mismo, porque ha llenado una ejemplar hoja de servicios y ha cumplido muchas realizaciones dentro de la pintura joven de Panamà. De su probada vocaciòn por las artes plasticas y de su innegable consagraciòn, sòlo hay que esperar a que frague y se tiemple esta digna pieza de la alquimia veraguenze y aguardar en el mediato devenir de la pintura panameña la proxima incorporaciòn de otro autèntico exponente nacional.

Este es mi augurio y se cumplirà. Ya lo veràn!.

ARISTIDES UREÑA RAMOS, aunque es muy joven ya conoce las aristas cortantes y la diamantina dureza que el camino hacia la formaciòn artìstica impone a los escogidos.

Sabe que que los triunfos reales y definitivos aparencialmente se alcanza con ingentes sacrificios y agotadora dedicaciòn.

El ya aprendiò muchos de los métodos para esa autodisciplina que conducen en lìnea recta hacia la consagraciòn.

Esta primera exposiciòn individual que inagura el martes 17 de junio en la capital, serà y téngase muy presente este aserto, la ruptura sinbòlica con el inmediato pasado como pintor autodidacta hecho en Santiago, de ARISTIDES UREÑA RAMOS y serà también el paralelo màgico que delimitarà lo que promete ser este ejemplar y estoico paisano nuestro, que ahora nos dice Adiòs con esta muestra pictòrica, para irse a completar su periplo integral y creativo por el viejo continente. Amén!.

Adriano Herrerabarria
Articulo publicado en EL MATUTINO
Martes 18 de junio 1974-Panamà, R.P.

FLAUTISTA/stgo 1974/ Oleo collages(tela, clavos y cabellos humano)

CRISTO/ stgo 1973/ Oleo con collages (cabellos humanos, cinturon en plastica)

PANAMA y el "Tamayismo Indigenista de retraso" 1979

EL "TAMAYISMO" O "INDIGENISMO de RETRASO"

Para comprender mejor la evolución cultural de Arístides, presentaremos algunos escritos que él realiza en esos años (1978-1979) y sobre todo, el que él terminó utilizando: "TAMAYISMO PANAMEÑO" o "INDIGENISMO de RETRASO".

¿y que cosa entiende él con esta definición...?.

ARISTIDES se siente responsable de una búsqueda experimental y una “Vía hacia una Pintura Panameña” y tal vez he aquí la clave de sus “enunciados”, que encontraremos más adelante en sus Ciclos Pictóricos y dentros de sus proyectos artisticos.
(Articulo sacado de “Biografìa narrada de ARISTIDES UREÑA RAMOS”)

EL "TAMAYISMO" O "INDIGENISMO PANAMEÑO DE RETRASO"

ARISTIDES UREÑA RAMOS-1979

A veces estamos llamados a tomar posiciones - aunque si característicamente estamos inclinados a asumir posiciones cómodas que nos permitan un tranquilo vivir – sobre problemáticas de nuestra Cultura Nacional, esta necesidad nace en la voluntad de encontrar una UBICACIÓN dentro de este panorama, que nos haga sentir verdaderamente parte activa de esta realidad y promotora de ella.

Ya desde los años sesenta vemos un continuo fervor artístico inclinado a afirmar un cambio dentro de nuestra pequeña nación: institutos, galerías y artistas que con dura faena han llevado con sacrificios, a buen nivel nuestra pintura. Hoy al culminar los años setenta con las consagraciones de las Escuelas de Bellas Artes y las Instituciones Gubernamentales, las trasformaciones realizadas gozan de una innegable y fuerte realidad, como también me parece obligatorio recordar, el impulso que están dando, a nivel comercial las galerías.

Dicho eso, y por las dinámicas que esta misma realidad trae, las consecuencias y las problemáticas que ellas han creado, nos ponen en la necesidad de reflexionar sobre las misma y tratar de corregir (dentro de nuestra posibilidad), y tratar de anticipar el desmembramiento que pasos falsos nos puedan crear… o por los menos, encontrar una personal UBICACION donde podamos, saber enfrentar estas misma asfixiantes situaciones.

Crecientemente, se esta radicando, esa quimera ilusión de una pintura muy matérica, que toma base y se alimenta de los nuevos profesionales mentores de las bellas artes, ellos con sus texturas e ingeniosas veladuras, aprendidas en las prestigiosas Academias o Escuelas, están ofreciendo la posibilidad de adquirir esos conocimientos, sin aclarar o avisar en alguna manera, que estos son frutos de elaborados procedimientos, nacidos de una profunda búsqueda experimental dada en un determinado período, en un determinado lugar y que estas intuiciones pictóricas nacen de una actitud ferviente de artistas que han sabido sublimar el ambiente en el cual viven y traen la ninfa diligente que lleva a la creación.

Inmediatamente y por comodidad de ejemplo, ya que es el más significativo, me viene a la mente el Indígena-mejicano RUFINO TAMAYO, lo veo entre las pequeñas tiendas de un lejano pueblo mejicano, donde los tapices, los bordados de fuertes colores, se contrapone entre ellos, vasijas de barros y de cretas.

Una cultura millonaria perteneciente a la tierra, que llama a los viejos cantos ancestrales. No podemos quedarnos indiferentes, a la producción, a los elaborados que Tamayo nos ofrece.

Si, porque estos son frutos de una intensidad que va más allá de las mismas telas. Son también la síntesis de una cultura, que bien pertenecen a Tamayo y que él sabe interpretar.

Panamá, país alambique del mundo, sus razones históricas hablan de una mezcla de razas, la región de Veraguas, Coclé, Los Santos y Chiriquí, nos presentan rupestres de antigua memoria, que he tenido la oportunidad de admirar,-- pocas veces--, en casas de “guaqueros” y en Museos en el exterior.

Nuestro sentir patriótico esta viciado de “formalismos aproximativos” cuando nos acercarnos a lo nuestro, y somos indiscutiblemente eso: APROXIMATIVOS.

. Ese sentir “Típico a lo panameño”, que ha superado el conflicto de sus ancestros hace parte de nuestra contemporaneidad.

Por estos motivos, si las Artes son las expresiones más intimas de los hombres y se dan en determinado lugar, como reflejo incondicionado de su misma identidad, para mi lo contemporáneo, lo más representativo lo encontramos en manera provocativa (para los capitalinos ) en la bajada de SALSIPUEDES, donde los estímulos visibles se pierden en esos grandes Bazares, donde las escritos chinos, made in Taiwán, la africanidad, los carteles publicitarios, etc., donde el Panamá mix, vive, abofeteando la ceguedad de quien no ha comprendido el punto de inicio de una hipotética posibilidad expresiva.

Esta misma APROXIMIDAD las vemos, en el no reconocer los pasajes de los creadores interioranos, aquellos que han recibido a través de re-visitaciones las grandes obras maestras.

---¿El por que sostengo esto?.-

Porque no se puede, hacer una valoración de la pintura interiorana, sin conocer, tragedia - cómica que pasa en un ánimo, sensible en el interior de la república.

Y vemos por ejemplo: La majestuosa Escuela Normal, al atento observador, aparece delante de él una arquitectura típica de los años coloniales (1700), ese Barroquismo-deco delicioso, solar, que visto en sol de verano a las tres de la tarde, funde sus coloridos ocres con el alto cielo celeste veragüense. Pues ella fue realizada en el año 1938, cuando las grandes realizaciones arquitectónicas modernistas se consolidaban en Europa y en las Américas.

Un retardo incolmable, un Kist estenuante. Y bien fue en el bellísimo atrio, que por primera vez vi, las obras de los maestros renacentistas, Goya y Velázquez.

Bajorelieve decorativo con la copia de la obra LOS BORRACHOS de Velàzquez colocada en el atrio de la Escuela Normal de Santiago.

Es como si uno viera la fotocopia, de la fotocopia de una obra maestra, este sentir seudo-intelectual se mezclaba con obras de autores como Roberto Lewis (aula magna de la Normal) obras reales, de clara cifra clasicista.
Estos son los verdaderos estímulos que se mezclan con el vivir cotidiano de un interiorano.

Otro ejemplo, de la cultura Kist-De Plástico (es esa que se coloca plástico para cubrir las mesas de los hogares panameños) es la Iglesia colocada en el corazón de Panamá City. La Iglesia “gótica (¿?)” de nuestra señora del Carmen(1955), estupendo ejemplo del gótico vanguardistico “coco nuances” de la República de las Bananas.

Lo grotesco, El Mix, Lo Aproximativo, es indiscutiblemente parte de nosotros, eso somos y allí están los documentos, que testimonian a postume nuestra verdadera idiosincrasia.

En vez... Si, en vez, vemos como este “TAMAYISMO” atrasado, que no encuentra verificación en nuestra realidad, se esta desarrollando alejando nuestros mejores creadores hacia un infértil camino, sin regreso, sin bases sólidas.

En cambio, el dictamen impuesto por la comercialización, hoy día, pide obras que NO representen nuestra realidad o el intento de una nueva experimentación.
Por estos motivos veo de gran daño la actitud actual de “los maestros NACIONALES (¿?)”, sus postulados (¿?), ya que no presentan ningún planteamiento al respecto a nuestra contemporaneidad y a nuestra ideosincracia.......Y que Dios me salve....!amen!

ARISTIDES UREÑA RAMOS
1979, Santiago de Veraguas
Publicado en “Cuaderno y Apuntes”
Revista del Collectivo R (M. Rossi /Fi)

01/02/1980

EL ARTE CONTEMPORANEO

"REFLEXIONES SOBRE LOS NUEVOS MODOS EXPRESIVOS"

de: Aristides Ureña Ramos (1989-1993)

clicar aqui:

http://newsofcontemporaryart.blogspot.com/2007/07/aristides-settembre-novembre-2006.html

NEW CODEX CRIOLLO (2006)

( Titulo:La llegada de los chaparrones octubrinos -100x150cm /2006 Cod reg:NCC/13)

NEW CODEX CRIOLLO- 2006

-ANTROPOS-TROPICOS-MORFOSIS-

ARISTIDES UREÑA RAMOS

"......es un intento, lleno de significados, rico de contenidos. Donde las imagines evòcan la necesidad de nuevas forma de comunicar....".(entrevista. aristides urena ramos)

"Naturales natantes caribian"
100x120cm
2006
Acrilico mixto sobre tela
Cod.Reg NCC/18
Clarissa Persinia Ferreira/Contemporary Art

"Fiesta de las Tuliviejas"
100x150cm
2006
Acrilico mixto sobre tela
Cod Reg NCC/14
Galeria Arte Consult( Panamà)

"La Casona del CANAL ZONE"
90x100cm
2006
Acrilico mixto sobre tela
Cod Reg NCC/23

Clarissa Persiani Ferreira- Contemporary Art
http://promotionart.blogspot.com/2008_03_22_archive.html

"Los Marinales de Santa Catalina"
100x120cm
2006
Acrilico mixto sobre tela
Cod Reg: NCC/17
Clarissa Persiani Ferreira/Contemporary Art http://promotionart.blogspot.com/2008_03_22_archive.html

-Para ver la coleccion completa (precios y venta) de NEW CODEX CRIOLLO 2006, clica aqui:

http://promotionart.blogspot.com/2008_03_22_archive.html

-LA SITUACION CULTURAL EN PANAMA- ARISTIDES en esta entrevista habla sobre la situacion actual en Panamà, dando un enfoque personal sobre el momento de "TRANCISION" que esta pasando su pais. Para leer este articulo clica aqui:http://newsofcontemporaryart.blogspot.com/

LEONARDO DA VINCI- Aproposito de "LA DAMA DEL ARMIÑO" Por ARISTIDES UREÑA RAMOS -1998

A PROPÓSITO DE “LA DAMA DEL ARMIÑO”

De Leonardo Da Vinci – por: Aristides Ureña Ramos. 1998.
Publicado en EL PANAMÁ AMÉRICA
Domingo 14 de Marzo de 1999
Diorama de Agustín del Rosario
( Colaboración especial enviada desde Italia)

Dentro de un atinado plano de intercambios culturales entre Italia y Polonia, que ha visto viajar hacia Varsovia, “La Velada” de Rafael y “La Venus de Urbino” de Tiziano, cuadros de propiedad de la Galeria Uffizi (florencia), estuvo por 3 meses en Italia, uno de los más sorprendente y poco conocido retrato de Leonardo Da Vinci. Se trata de “La dama del Armiño”, conservado en el Museo Czartoryski de Cracovia. Esta obra fue realizada por Da Vinci durante su estadia en la ciudad de Milàn, alla por los años 1489 y esta trabajada con tecnica a tempera grasa sobre una superficie de tabla de nogal.
La obra evoca a Cecilia Gallerani, amante de Federico “el Moro”, Duque de Milàn y quien comisionara la obra.

Cuando nos llego la noticia de este acontecimiento, nuestra reacción fue inmediata – recoger e intercambiar informaciones sobre este nuevo evento de Arte. Florencia es como un gran “Estanque de Memorias” en donde al sumergirse uno en su interior, hay que tener consigo señales precisas que permitan una orientacion segura para, de esta manera, poder interpretar con claridad los eventos de los cuales estamos llamados a disfrutar.

En esta bellísima Ciudad se anida un alma que toca la esencia del pensamiento humano. Asì, al entrar en este estanque de la memoria de forma desprevenida podemos desorientarnos y no disfrutar de este importante evento, a los cuales estamos llamado a testimoniar.
Cada vez que una obra regresa a Florencia, el juego de la memoria compone el rompecabezas al cual falta una pieza y éste se ajusta llenando aquel vacío imaginario, dándonos una visión completa del “todo unitario”. Mandándonos a través del Arte, las refexiones iniciales sobre la esencia del pensamiento Humano. Por este motivo Florencia es una ciudad eternamente Humanista.

El día de la inauguración me dirigí en la mañana, temprano, a este evento, era martes, ¡Qué mejor sede que el palacio Pittì, podría acoger este evento! El cuadro estaba expuesto en la sala “Sala Bianca”. Para llegar a ella se debe pasar por un interminable corredor repleto de tapices colgados que nos narran las jaurías y encuentros de cazas y en las cuales nobles y príncipes se deleitaban en banquetes y placeres cotidianos. El cuadro estaba colgado en una esa sala de fuerte acento renacentista, generalmente utilizado para obras de grandes dimensiones.

Las grandes ventanas que dan vista a los jardines de Boboli, filtran una gran cantidad de luz, ofreciendo la opurtunidad de observar las obras expuestas con una luz de absoluta naturalidad.
Al entrar en la sala nos obligamos a recordar que la señora de la pintura era una noble, amiga de poeta y literatos y que ella misma habia sido poetisa.
El armiño que tiene en brazos esconde bajo un aspecto naturalista de compleja simbología que alude a Fedreigo condecorado en 1488 con la Orden del Armiño o tal vez esta relacionado con la virtud de “Moderación” que conlleva en ella misma la idea de cortesía y de gentileza.
La obra fue realizada por Da Vinci en Milán. En esos años elaboraba una serie de planteamientos sobre el arte y las ciencias y conforme a los estudios mas recientes, esta obra resulta ser una especie de manifiesto sobre esas reflexiones teóricas que el artista conducía. Da Vinci estudiaba el movimiento de las aguas y el movimiento de los vientos.
El movimiento del alma: Al encontrarnos frente a la obra llama la atención el movimiento de la cabeza, en contraposición al busto: De hecho quiere traducir como si fuera en una foto instantánea, el movimiento anticipador y interior de la persona retratada. Estamos enfrentados al concepto de la topología estática del retrato convencional.
Leonardo investiga sobre la relación que existe entre el movimiento del alma y movimiento del cuerpo, entre lo interior y lo exterior. Centralizando con gran modernidad el principio psicológico que anticipa la acción.
El tipo de representación del rostro humano creado en esta obra es resaltado con el uso violento de la luz que baña la figura y que provienen del lado derecho de la obra. Ello se intensifica con el fondo negro, no original y que es fruto de una restauración hecha en el mil ochocientos. De hecho este fondo era originalmente gris, azul como lo demuestran los análisis científicos efectuados en la National Gallery (Washington) en 1992.
El retrato, aunque incompleto en algunas áreas, sobre todo al fondo, esta considerado entre las más altas realizaciones del artista. La inteligencia en la composición, con la cual resuelve el dilema de la dinámica del cuerpo humano en el espacio, la aguda introspección psicológica del rostro, la vivacidad de la mirada junto a la refinada elegancia de la pose, hacen de este cuadro no solamente una obra maestra de Leonardo sino de todo el retrato del Renacimiento.

Al abandonar la “Sala Blanca” del palacio Pitti, en mi mente replica el recuerdo de un manuscrito de Leonardo y que tuve la oportunidad de leer en los años en que frecuentaba la Academia de Bellas Artes de Florencia. Creo que sirve como reflexión para emerger, en estos momentos, de este “gran estanque de memorias” (Florencia), acercándonos cada vez que encontramos estas grandes mentes a ese gran proyecto revolucionario en donde las fronteras son cabalgadas. De ese manuscrito evoco unas líneas:
“Si tu despreciaras las pinturas, cual única imitadora de las obras de la Naturaleza, ciertamente despreciarías una sutil invención, la cual con filosófica y sutil especulación, considera todas las cualidades de las formas, mares, sitios, plantas, animales, hierbas, flores, las cuales se presentan llenas de luces y sombras. Y en verdad es éstas la Ciencia y la única legitima hija de la Naturaleza, porque la Pintura es un parto de la Naturaleza”.

Aristides Ureña Ramos 1998

MIGUEL ANGEL BUONARROTTI/ La exposiciòn de la polemica y la discordia. por ARISTIDES UREÑA RAMOS-1999

MIGUEL ANGEL BUONARROTTI
LA GRAN EXPOSICION “DE LA POLÉMICA Y LA DISCORDIA”
Por: ARISTIDES UREÑA RAMOS /1999



Titulo de la Exposición: LA JUVENTUD DE MIGUEL ANGEL
(LA GIOVINEZZA DI MICHELANGELO)
País: Florencia-ITALIA.
Lugar: Sala de las Armas de Palacio Viejo y Casa Buonarroti.
Fecha: Desde el 07 de Octubre 1999
Hasta el 09 de Enero 2000

A confrontarse en la ciudad de Florencia, no solo son las obras juveniles del artista, provenientes desde todas las partes del mundo, más los expertos historiadores que para la ocasión debaten, atribuyen y discuten sobre la autenticidad de algunas de estas obras, los mismos organizadores de dicha Exposición han querido dar un corte polémico a la misma, proponiendo el lado mas oscuro de la producción artística del “efant prodige” Miguel Ángel Buonarroti. De hecho partes de las obras expuestas, han sido reconocidas recientemente y para otras las opiniones contrastantes de autenticidad continúan buscando puntos de validez para sus atribuciones.
Del periodo escogido para dicha Exposición (aquel juvenil) que llega aproximadamente hasta los 24 años, podemos decir que las realizaciones hechas por el futuro “Genio de la Sixtina” nos parecen poco claras, ya que se coloca en la fase donde el artista cumplía su preparación y crecimiento. De Miguel Ángel es notorio que en las obras realizadas en su juventud, uno de los motivos que idealmente, sobresalían por debajo de las obras, era el concepto de un cuerpo delicadamente tierno y de remarcada dulzura clasicista, nada que ver con la musculatura heroica de los años siguientes; también sabemos que, ( aunque si él ha hecho todo el posible para esconderlo) fue alimentado y estimulado artísticamente por los grandes maestros del 1400 y de sus contemporáneos entre los cuales: Donatelo,Verrocchio, Benedetto de Maiano, Piero di Cosimo, Bertoldo de Giovanni, todos ellos presentes en esta Exposición, con obras que podríamos definir “claves” , que nos ayudan a comprender el clima de formación donde el joven artista crecía.

La Exposición repartida en dos lugares, en la “Casa Buonarroti” con un “Corpus” de dibujos referente a la “Batalla de los Centauros” y el bajorrelieve “Madonna de la Scala” obras juveniles expuestas permanentemente en esta sede, llegando tambien desde el Metropolitan de New York, obras de Piero de Cosimo y desde Viena el “Orfeo”, “Bellerofonte”, “Pegaso” del artista Bertoldo de Giovanni obras consideradas piedras angularesr para la confrontación;-- vemos como en la otra sede de la exposición ; la Sala de Armas del Palacio Viejo—encontramos obras de Donatelo, Bertoldo de Giovanni, Piero de Cosimo, junto a obras “ YA CIERTAS ” del artista “El San Procolo”, “E San Pretonio “, “El Angel candelabro” obra que Miguel Angel esculpió durante su estadía en Boloña 1494-1495 para la Arcada de San Domenico, un “San Paolo” del Altar Piccolomini de Siena.

En todo este elenco he dejado de ultimo el verdadero “meollo” de la discordia: “Il Fanciullo Arciere” (El Joven Arquero), considerado tal vez falso ( ¿? ), vemos como la aguda polémica entre los expertos, nos ponen de frente a una inteligente discusión, en donde las argumentaciones se llenan de interesantes motivaciones, ayudándonos a familiarizar con las obras del joven Miguel Ángel.

La pequeña estatua se encontraba en la casa del millonario Payne Whitney ( 1906 ) en la quinta Avenida de Nueva York, la casa fue comprada por la Republica Francesa donde mas tarde puso su Embajada allá por los años 50.—la estatua estaba colocada en el centro de una fuente, ninguno hasta ese momento la había notado, hasta que el historiador de Arte, el florentino Alessandro Parronchi observando la estatua en una fotografía la atribuye a Miguel Ángel—la cosa pasa inadvertida; hasta que en el 1995 Kathleen Weil- Garris Brand, docente de la Universidad de New York, consultora del Museo Vaticano para la restauración de la Capilla Sixtina y Organizadora de esta Exposición; la atribuye a Miguel Ángel.

“El Joven Arquero”, entra así en la escena de las obras que expuestas a la “observación critica” de los expertos, espera el veredicto final, de su meritoria colocación.
La replica a la adversidad de la atribución espera a Michael Hirst, -- estudioso que permitió hace algunos años el reconocimiento unánime de la obra “Madonna de Manchester” a Miguel Ángel, a través de una documentada Exposición en la National Gallery de Londres, --Hirst lanza su duda y ataca afirmando -“ la obra no tiene sustancia plástica ”--Lo comprendo; responde Katleen Brand—“ Hirst, no ha visto la escultura con iluminación justa, por esto no ha podido notar el modelado muy delicado, de otra forma con su afirmación, confirma cuanto en él esté radicado el mito del Miguel Ángel, hecho público desde sus biógrafos, sacralizados por los Románticos del 1800, que querían un Miguel Ángel Heroico y Monumental ”; Hirst, mueve criticas más profundas y sostiene en un articulo publicado en un periódico local que “los contornos revelan un escultor más o menos en dificultad con la forma tridimensional ” en vez agrega “ los niños en la escalera de la obra Madonna de le Scala, hasta ahora considerada la primera obra juvenil dejada del artista, aunque si está incompleta son de forma robusta ” termina Hirst; Kathlee Brand responde entrando en merito a las observaciones de Hirst sobre los angelitos, sosteniendo que “ los angelitos de la <<>> son delgados y de modelado muy tiernos, y en esta exposición ponemos a disposición un dibujo del 1700 que representa el Joven Arquero cuando contaba con todos sus miembros ( la obra se encuentra mutilada, n.r ) y demuestra como la pose del arquero, es idéntica a la de la obra de Manchester y fue el mismo Hirst cuando atribuyó tal obra a Miguel Ángel quien confirmó la certeza de mi intuición ”
Bueno estos cortos pasajes nos sirven para comprender el clima que acompaña esta importante Exposición, creo obligatorio presentar un dilema que acompaña esta bella estatua, un precedente que me resulta poco claro: El antiquario toscano Stefano Bardini, en el 1902 ofreció en un asta de Cristie’s la escultura como de mano del Miguel Ángel, ninguno la compró al precio fijado, se piensa….usando el condicional…. que Bardini, poco fidedigno como era, haya “ ajustado ” el Arquero una practica a la cual recurría muchas veces con inevitable maestría.


Acompañado por la pasión que siento por el Quatrocento Italiano, me acerco a la estatua de la discordia, armado de una gran curiosidad, de esta forma recojo estas breves impresiones que son fruto de mi modesto “entender”.
Al encontrarme de frente a dicha estatua me doy cuenta que ésta, tiene todas las características para ser considerada una obra de fines del 1400; la pose, los cabellos dulcemente encrespados, el modelado de cada particular,-- Noto en la posición que diría por comodidad de “ un paso hacia atrás “ de la obra, una posición que recoge una voluntad de movimiento que: indicando con la pierna derecha el deseo de cargar ( como si utilizara un resorte ) toda la energía sobre la pierna, para poder así subir en vuelo;--una fuerte voluntad que esta controlada desde adentro, por la joven musculatura del tierno Arquero.---Quisiera notar que de las obras hechas en juventud por Miguel Ángel vemos como ; el <> del Bargello camina con paso oscilante, el <<>> camina como si fuera ebrio, el <<>> esta fuera de eje y retrocede ligeramente antes de saltar adelante, la virgen de <<>> se inclina a la izquierda en el esfuerzo para sostener con la derecha la cabeza del Jesús muerto, todo una “Manera” que pertenece al joven artista.--

Si hacemos un esfuerzo, vemos como este Arquero està dulcemente “tieso” hacia el alto, tan evidente que el cuerpo se encuentra proyectado hacia adelante, (como si quisiera volar ), el pecho en esta posición controla bajo el sereno respiro toda la tensión de un hermoso cuerpo todavía adolescente, yo creo que hay en “acto” una necesidad experimental de estudiar realistamente las formas del cuerpo humano a través de la edad.—En la cabeza encrespada que se inclina hacia la derecha, tirando el cuello, en la redondez de los glúteos, en toda la geografía de la obra no hay UN PUNTO que llame una indicación precedente, todo es nuevo, inventado, ya que es fruto de una profunda búsqueda.
Queda claro, que la obra, esta hecha por una “buena mano” y se coloca bajo el “Área ” donde el artista con su influencia innovadora , inspiró a otros artistas, quizás Bertoldo de Giovanni o tal vez ( al contrario) se trata de la obra más “bertoldiana” realizada por el mismo Miguel Ángel.
De todas formas, esta Exposición con sus conjuntos de obras, pone su atención sobre ese período que ayuda a abrir los inexplorados horizontes de nuevos conocimientos.


ARISTIDES UREÑA RAMOS
Florencia Noviembre 1999.

ADOLESCENCIA DE MIGUEL ANGEL por ARISTIDES UREÑA RAMOS /1999

ADOLESCENCIA DE MIGUEL ANGEL

por: ARISTIDES UREÑA RAMOS

publicado en 1999

Para no perdernos en la confusa marea de opiniones sobre el oscuro período del artista, me urge aclarar algunos aspectos biográficos de indiscutibles procedencias, los biógrafos màs fidedignos hasta el momento son Vasari con las “Due Vite” con dos publicaciones la primera en 1550 (con la corrección en el 1568) y la de su amigo personal (escogido por el mismo Miguel Ángel ) y redactor de su biografía Ascanio Condivi en su libro “Vita” 1556 que nos indican el camino precoz del aritsta.
1475 - Miguel Ángel Buonaroti nace en Caprese- precisamente en Valtiberina, hijo del Florentino Lodovico de Leonardo di Buonarroto Simoni, cortijero de Chiusi y Caprese por cuenta de la ciudad de Florencia y de Francesca de Neri de Miniato del Sera; Miguel Ángel es el segundo de 5 hermanos, pocos días después de nacer, al terminar su encargo el padre regresa con toda la familia a Florencia – radicándose en Settiñano – Asignaron al recién nacido una Nodriza o Ama de leche,(eran así llamadas las damas que vendían la leche de sus senos, amamantando a otras criaturas) mujer de “picapedrero” cincelador de obras fúnebres. Miguel Ángel a través del Condivi, señala este hecho de su infancia como determinante para su formación. “ Desde mi cuna me nutrí con leche de la fatiga de los escultores”..( Condivi).
1481 – Muere la madre de Miguel Ángel, el niño recibe lecciones de gramática del maestro humanista Francesco Galatea de Urbino. Conoce el pintor Francesco Granacci de apenas 6 años mas viejo, que le enseña y incita a dibujar provocando contrastes y perjuicios de parte del padre.
(Notas de: Condivi , Vasari ).
1488 – El 1° de abril, el padre resignado y viendo la precocidad del talento del hijo, hace un contrato con la mejor Bodega activa en Florencia—Dicha Bodega era de los hermanos Domenico y Davide Ghirlandaio—firmando un contrato de aprendiz por un tiempo de 3 años, ( Miguel Ángel negará siempre estos maestros) trasmitiéndonos con su biógrafo Condivi la negación de tal alumnado.—De este contrato podemos notar una peculiaridad, la anomalía la encontramos en: la edad de Miguel Ángel y en la renta económica del contrato. La costumbre de la época requería la iniciación de los futuros pintores a 10 años , entrando como aprendices y con el primer año sin salario, se les enseñaba las primeras nociones del dibujo en punta de plata y plumilla sobre papel, así vemos que para las técnicas del color (solo los más capaces) después de un año iniciaban el pre-curso técnico para el ejercicio de la pintura, copiando las obras de los maestros . Miguel Angel entra en Bodega a los 13 años con un salario muy alto para un aprendiz y el contrato especificaba que el alumno ejercitaría las técnicas pictóricas,-- vemos como el artista entra en bodega ya conciente de las técnicas pictóricas-- ( probablemente gracias al amigo Granacci ) Para ese entonces el “periodo” de aprendizaje era supervisado por el maestro propietario de la bodega, que con la enseñanza de su “Manera Pictòrica” se procuraba los ayudantes para la realización de los trabajos encargados. La Bodega de los hermanos Ghirlandaio estaba trabajando para ese entonces en los grandes frescos narrativos del coro de la Iglesia Santa Maria Novela, aquí se encontraban también los aprendices Giuliano Bugiardini, Ridolfo del Ghirlandaio y el mismo Francesco Granacci.
Entre Maestro y alumno (Miguel Ángel y los Hermanos Ghirlandaio ) el clima no fue sereno, teniendo en cuenta el difícil carácter de Miguel Ángel , Condivi escribe que el Ghirlandaio estaba “ ENVIDIOSO” y Vasari escribe que Domenico “se quedo asombrado de la nueva MANERA y de la nueva IMITACION ” encontradas en los dibujos del artista. Aparece claro que la influencia de Ghirlandaio sobre el artista fue inexistente, vista la energía de sus trabajos y sobre todo la independencia intelectual demostrada por éste.- recordamos que para la fines del 1400 la precocidad de los artistas era una de las características sobresalientes de la época.
Para estos años realizó copias de Giotto, Masaccio y grabados de Schongauer.
1489 / 92 - Deja la bodega de los Ghirlandaio, antes de haber terminado el contrato por contrastes con el maestro Domenico ( Vasari, Condivi ) Frecuenta el “JARDIN DE LOS MEDICI” en plaza San Marcos , estudiando las obras coleccionadas por LORENZO “ El Magnifico ” bajo la guía de BERTOLDO di GIOVANNI la critica lo señala como el primer “maestro ” al menos para la escultura. Los juicios sobre este “periodo” son un poco confusos, ya que las informaciones recibidas de Condivi y Vasari ( sus dos biógrafos ) pecan de segundos fines, por ejemplo vemos como en Vasari, presentando EL JARDIN DE LOS MEDICI como verdadera Academia “ Ante litteram” persiguiendo en sus escritos (1550) la necesidad de construir el lugar físico bajo una paterna protección del poder gubernativo, donde se podrían construir los futuros artistas – de hecho en el año 1562 se fundó la primera academia del diseño del arte del mundo LA ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE FLORENCIA--- creando una profunda ruptura conceptual en la enseñanza de las bellas artes ( de las bodegas a las escuelas ), así observamos que Vasari escribe sobre EL JARDIN acentúa el periodo de “estadia” llenando de valores forzados algunos argumentos sobre el joven Miguel Ángel, para justificar sus tesis. Por otro lado Condivi cuando escribe sobre uno de los más atendibles Maestros del joven artista Bertoldo di Giovanni , lo hace con sutil superficialidad.

De todas formas es ciertamente verídico que el joven artista viene acogido como hijo adoptivo de EL MAGNIFICO sorprendido de su gran talento, llevándolo al Palacio Medici, donde se encontraba EL JARDIN, lugar donde Miguel Ángel pudo conocer, El Policiano, Marcilio Ficino, Pico de la Miranda y otros humanistas de la corte de los MEDICI, es aquí donde aprende las teorías “Neo Platónicas “ que lo acompañarán por toda la vida; en este punto esculpió (entre otras) obras La Madonna de la Scala (Florencia, Casa Buonarroti) y la Centauromaquia (Iden)

—Muere LORENZO EL MAGNIFICO su protector y lo sustituye PIERO DE MEDICI que renueva la hospitalidad al artista.
1494 Octubre - 1495 Noviembre. Florencia cae en manos francesas, sucumbe a las armadas de Carlos VIII, Miguel Ángel huye a Venecia; y después a Bolonia donde trabaja como escultor a terminar el Arca de San Domenico en la catedral de la ciudad.
1495 Noviembre – 1496 Junio Regresa a Florencia y realiza pequeñas esculturas (Perdidas) ordenadas por Pier Francesco de Medici. —Simpatiza con el Gobierno Popular inspirado por el Frate SAVONAROLA del cual Miguel Ángel fue admirador.

1496 Julio- Viaja a ROMA, por primera vez, huésped del Cardinal RIARIO.

1497 Noviembre- Después de haber esculpido “El Bacco” ( Florencia – Bargello) y el “Cupido” ( perdido) para el banquero Iacopo Galli, recibe el encargo para esculpir “La Piedad” para la Basílica del Vaticano. Va personalmente Carrara a escoger el mármol, para la realización de la obra.

1498 Agosto – 1499 – ejecución en Roma de la PIEDAD (Vaticano), en este periodo realiza los cartones del “San Francesco Estemisado” para la Iglesia de San Pedro en Montorio.
1501 - Regresa a Florencia, gobernada por LA REPUBLICA FLORENTINA, comienza la “Madonna de Bruges” (Brujas, Belgica) el 5 de junio recibe el encargo para algunas esculturas para el altar Piccolomini del Duomo de Siena, y el 16 agosto para el “David” de marmol para la Plaza de la Señoria (Florencia –Academia).
Aristides Ureña Ramos

SOBRE LA RESTAURACION de la Capilla Sixtina- Por ARISTIDES UREÑA RAMOS. 1995

SOBRE LA RESTAURACION DE LA CAPILLA SIXTINA
Miguel Angel Buonarrotti/ Museo Vaticano
“El afresco de El juicio Universal”

ARISTIDES UREñA RAMOS
Noviembre 1995

Cuando desde Roma, tomaba el tren para regresar a Florencia -ciudad donde he decidido exiliarme culturalmente- escribía este artículo con la esperanza de publicarlo, como una experiencia personal, para así poder compartir con los lectores un importante evento próximo a anunciarse: La restauración de la Capilla Sixtina y una de las obras más admiradas en el mundo, el fresco del EL JUICIO UNIVERSAL de Miguel Ángel.

Polémicas y debates van desde ahora a acompañar esta restauración, ya que pone en discusión los conceptos estéticos que historiadores del arte han dado referente a esta obra en este último siglo, y remarcando una de las controversias que han acompañado a un personaje importante, como Miguel Ángel, con respecto a la Pintura.

Recuerdo la primera vez que vi los complejos frescos de La Capilla Sixtina. Corría el año 1975, mis inquietudes artísticas las realizaba para ese entonces en La Academia de Bellas Artes de Florencia. Fue en una visita al Museo Vaticano de Roma cuando descubrí esta majestuosa obra.
Al entrar a La Capilla lo primero que llamó mi atención fueron los maravillosos frescos de Boticelli, Perugino y Luca Signorille, sus colores rojos incandescentes, verdes, azules marino y los potentísimos naranjas, todos los personajes rigorosamente vestidos con túnicas a la moda de aquellas época, la exactitud de las divisiones arquitectónicas, el separar los frescos dimensionando el espacio.

Al alzar la mirada y observar el techo, nos encontramos con un mundo completamente diverso. El techo estaba afrescado con grandes figuras, un mundo poblado de gigantes, profetas, Sibilas, héroes desnudos, se podía sentir la sensación de encontrarse frente a super Dioses, super hombres, desnudos o semi desnudos. La perfección majestuosa en las anatomías y la musculatura impactaba por do quier; la visión particular no molestaba la lectura de aquella. La armonía del complejo superior, antagonizada con los frescos de la parte inferior de Perugino, Boticelli y Signorille, sin duda una obra majestuosa y vía maestra, en la parte central donde esta colocado el altar, en la parte frontal el Juicio Universal que remarca la misma intensidad del techo.
Pero, regresemos a La Restauración y al debate en cuestión. Una de mis grandes dudas aparecían ya para ese entonces sobre un Miguel Ángel “MAS ESCULTOR que PINTOR”. Éstas dudas las habían alimentado en las aulas de La Academia.. Para esa época nuestro profesor de Historia del Arte era un apasionado de la restauración moderna y las problemáticas que derivaban de éstas (recordemos el escándolo sobre la restauración de la PRIMAVERA de Botticelli y el de los dos Rafael) y que bien disernía sobre este tema, sembrando en nosotros la atenta curiosidad en el tema.
El fresco de Miguel Ángel aparecía, ante el observador, con colores casi pasteles, como si fueran velados. No se sabía, pero esto era por una mala iluminación, y quien haya visitado La Capilla lo habrá notado, ya que tiene un aspecto misterioso - las tonalidades grisáceas y los matices suaves. Así la gran crítica de los últimos tiempos quedaba en apelativos como “AER PERSO”, FOSCO RAGGIAR” (pálido resplandecer) para expresarse como mérito a los colores del fresco. Esta crítica “romántica” había aceptado de por sí a un Miguel Angel pintor de colores y matices suaves, construyendo en torno a esta apreciación valores estéticos que servían como punto de comparativa, que llevaban a confusas y aproximadas afirmaciones.
En uno de los muchos ensayos críticos que he podido leer, pertenecientes a esos ambientes y que aquí proponemos para ubicarnos en la cuestión, se leía que: “Miguel Angel, el más grande manierista, hizo su contribución en el diseño, el dibujo y en los volúmenes plásticos, pero no en la pintura que, con su FOSCA pintura, era hábil para conglomerar a grandes masas”, siendo ésta la contribución mayor a las Artes universales.

En nuestras visitas dominicales por los museos Florentinos, al encontrarnos frente a un Pontormo o a un Rosso Fiorentino, no nos explicábamos como estos pintores, que copiaron y admiraron al más grande Manierista de su época, no nos han transmitidos los colores OPACOS y “Aer Perso” de Miguel Ángel, y por otra parte notábamos con gran curiosidad, en cambio, que ellos en sus pinturas nos ofrecían tintas de fuertes tonalidades siendo éstas una gran contradicción.
Con el Vasari (1511-1574) encontramos otra prueba de que Miguel Angel era un gran COLORISTA en el fresco y que “ejecutaba la técnica a la perfección”. Todas estas indicaciones nos llevaban a nuevas certezas, quedando en el centro de todas las reflexiones la pregunta: ¿Cuál es la verdadera Pintura de Miguel Ángel y cuales fueron sus verdaderos colores?.

Para nuestra sorpresa las primeras noticias que han publicado sobre La Restauración de El Juicio Universal, resultan en este momento muy referentes, porque ponen a la luz la cuestión. En estos momentos se encuentran restauradas más de 200 mts de fresco y las primeras novedades que este “Informe Técnico” nos trae ayuda a aclarar el panorama. Dice el Boletín: “El sucio y residuos de humos que se encontraban en la cola animal, usada en las anteriores restauraciones (tal vez para renfrescar los colores) eran uno de los peores males que existían en el fresco, ya que había contribuido a difundir la idea de que el color no existiese”. Fue la primera afirmación importante ya que derribaba viejos esquemas que sabios e historiadores del Arte habían dado sobre este tema.
A tal propósito en mi busqueda fui a ver las anteriores Restauraciones para comprender mejor las técnicas usadas y encontramos que en 1930 fue la última restauración y que duró seis años, de manos del Prof. Biagetti. Y es interesante leer las observaciones dejadas por él, que en los años 1936, decían:
“Este fresco exige un examen más particular ya que trata un problema muy discutible sobre el obscurecimento y ofuscamiento casi general de la pintura de las lunetas, causadas por materiales grasosos, colas gomosas y pinceladas a LESTA sobre las figuras”...y más adelante afirma: “el tono policromático de la Sixtina lo observamos a través de un vidrio ahumado que disminuye mucho los valores de los acordes, la luminosidad de los empastes y de los modelajes, así como los acordes”.

Con esta restauración vemos como cae la cortina obscura del tiempo, descubriendo un inédito Miguel Ángel totalmente nuevo, lleno de luz, de color y luminosidad. Quisiera poner entre comillas “NUEVO” porque despues de un siglo de verdades ingenuas sobre su pintura, finalmente podemos apreciar los verdaderos colores.
Mirando ahora el fresco sabemos como el gran artista trabajaba. Así apreciamos que poco a poco, atravez del avanzar en el trabajo de restauro, nos apoderamos cada dia más de la técnica, que da vida a esta majestuosa obra.
Como todo pintor sabe, en la ejecución de la pintura, sea ésta en empaste o en veladura, para dar las tonalidades claras o las luces, utilizamos el Blanco de Zinc o Titanio, esfumando (desvaneciendo) a “seco” en caso de luces sobre veladuras o creando empastes claros en caso de Pintura a empaste. Así vemos que para el fresco, la técnica era muy dificil, porque ésta no nos permite equivocaciones en su realización. Es absolutamente necesario dominar las dos técnicas de la pintura tradicional. En esta técnica (fresco) hay que decidir con anticipación las luces, los volumenes y los trazos. Un buen fresquista tenía que tener los resultados de las combinaciones y de las transposiciones de los colores que usaba antes de comenzar. Una rápida ejecución de la técnica era obligatoria, ya que se tenía que trabajar sobre el revoque fresco, antes de que la cal se secara y es por esto que esta técnica se llama Fresco.
Un buen fresquista, tiene que ser SINTETIZADOR de los colores, debe poseer gran técnica, ser pragmático y tener velocidad de ejecución.
Repasando la “Manera” en el que Miguel Ángel acustumbraba trabajabar la tecnica A FRESCO, sin usar cartones preparatorios (donde se encontraban el boceto), llenando de pura cal frescas las lunetas, dibujando apenas con amplios trazos para indicar las figuras y los volumenes, sin hacer ningún retoque a tempera, continúa avanzando con colores muy diluidos, delineando grandes figuras. Coloca, ocres, lápices azules y morados y sobre éstos velan los lilas, las bases verdes quemadas, sobre las trasparencia de los azulejos. La poca luz de la capilla, tal vez obliga a trabajar con grandes zonas de claros obscuros, dando lugar a grandes masas bien delineadas de luz. Allá donde haya un arrepentimiento (y la restauración técnica lo demuestra) el pedazo de mezcla del muro se sustituye y se repite la operación con los cambios, trabajando con colores muy líquidos (casi a veladura) dejando que el blanco de la base (la cal) exprese la luminosidad. Esta era una novedad, ya que es uno de los motivos que han ayudado a mantener la obra bien conservada y el verdadaero fresco intacto. Como he explicado anteriormente, generalmente las zonas claras son hechas con los impactos de blanco de zinc o titanio y estos son pigmentos minerales que se oxidan fácilmente y que a través de los años se ponen amarillentos, dándonos de manera aproximativa las verdaderas intenciones del artista. Esta es una de las grandes novedades de esta restauración, porque recupera gracias a la técnia del pintor su propia genuidad.
Para quien ha tenido la opurtunidad de trabajar con la técnica de Acuarela, es más fácil la compresión de la técnica usada por Miguel Ángel. Cuando utilizamos la acuarela las zonas de la luz son dadas en el mismo papel, dejando sin pintar o apenas pintando ligeras veladuras, potenciando de esta forma las partes claras. Hoy podemos observar que donde la limpieza ha sido realizada, la luminosidad aumenta potenciando los constrastes, dándole vigor a los colores y voluminosidad a las formas. Despues de quitar las colas tóxicas que cubren el fresco, se consolidan todos los pigmentos y los revoques.
Éste magnífico JUICIO UNIVERSAL se presentara vigoroso tomando el lugar que realmente le tocaba, una obra Mestra renacentista, que todavía hoy nos sorprende con su maravillosa belleza.

Aristides Ureña Ramos 1995

El realismo/ La realidad y la interpretacion de esta misma/ por ARISTIDES UREÑA RAMOS-1984

Esta exposiciòn que nos brinda la Royal Academy de Londres, nos muestra una grande panoràmica del arte flaminga; 100 telas de pintores “costumbrista” : VAN DE VELME, HONTHORST, BABUREN, HALS, VAN OSTEDE y ese grupo de pintores conocidos como “I Bambocciati”: DOU, METSO, TER BORCH, STEEN- Los dos grandes maestros VERMEER y DE HODCH, de este genero, que indiscutiblemente nos pone de frente a una problematica de la pintura:

EL REALISMO/LA REALIDAD Y LA INTERPRETACION DE ESTA MISMA. (Primera parte)

La historia artistica nos brinda una infinidad de ejemplos conflictivos referente a esta problematica. Si tomamos a ejemplo, la historia del arte italiana, nos encontramos inmediatamente con la discusiòn abierta en el tiempo entre “VEDUTISTI” ( pintores de vista) y la pintura de historia ò “QUADRATURISTAS”.
En un escrito Roberto Longhi nos presenta la esencia de este problema:

DIALOGO ENTRE CARAVAGGIO Y TIEPOLO.(R:LONGHI)


TIEPOLO:
“Para la vista de la ciudad contamos con la especialidad de los VEDUTISTI, que nos presentan varios pasaje de la ciudad, en donde entre otras cosas, encontramos la masa de gente entre-mezcladas, nobles y plebeyos- pero esta es pura pintura INFERIOR, porque es limitada asi misma, ya que sirve màs que nada como recuerdo de Venecia a los extranjeros”.

CARAVAGGIO:
“Vengamos al punto, si sirve de recuerdo a quien la vedrà, quiere decir que era ya recuerdo del que por primera vez lo vio y pinto- y si es un buen recuerdo de la realidad, no comprendo porque no debe conciderarse buena pintura; presiento que me tocara respetar y felicitar nuestra PINTURA INFERIOR”

TIEPOLO:
“El CANALETTO, es el mejor de nuestro VEDUTISTI, me gusta mucho- su luz es la mia- pero nosotros no lo hemos aceptado en la ACADEMIA, hasta que no nos demuestre y pruebe sus conocimientos sobre la perspectiva, porque al menos esta es Ciencia”

Encontramos TIEPOLO que defiende la imagen HEROICA Y SUBLIME de la pintura, CARAVAGGIO capta la portada de una busqueda limitada de la realidad. De hecho solo en el 1763, a casi sesenta años, CANALETTO viene aceptado en la Academia de Bellas Artes, para asi dar prueba de su calida, pintando una perspectiva arquitectonica, con grandes resultados virtuosisticos.
Recordamos que TIEPOLO hacia parte de los pintores QUADRATURISTIAS (de cavalletes) narradores de historias, favolas y mitos, conciderado ARTE MAYOR, ya que comportaba un esfuerzo mayor al “simple copiar cotidiano”, inplicando una profunda preparaciòn intelectual.

La historia del arte universal esta llena de pintores que recitan papeles secundarios; pintores que cuentan con una gran preparaciòn tecnica-intelectual, que son llamados a realizar y conservar la verdadera ARTE UNIVERSAL- patrimonio de la humanidad- al mismo tiempo existen artistas fuera de SERIE que revolucionan las Artes, realizando profundos cambiamientos en la historia. A estas tres categorias solo el tiempo y la historia les da sus clasificas, conservandose siempre el derecho inapelable de la ultima palabra.
A diferencia de toda la problematica que circundava los pinturas VEDUTISTI sobre la vista de ciudad, los pintores flamingos abrian sus mirillas, para ver atravez de estas pequeñas aberturas, los internos de los palacios- fiestas paganas- festines señoriales y populares- banquetes en terrezas y jardines. Son claros ejemplos de esta concepciònes las obras de VICK BOONS, VAN DE VELDE, CODDE, PALAMMEDES; pintores conocidos con el despreciativo italiano de “I BAMBOCCIATI” termine que subraya a los pintores con un desesperado MANERISMO ITALIANO ....Encontramos temas de originales inspiraciònes CARAVAGGESCA, como en los oleos de GHERARDO DELLE NOTTI, TERBRUGGHEN, VAN BOBUREN.

Divide estos pintores de genero de los tradiccionales pintores de historia, un aparente realismo referente a la vida y sus episodios cotidianos, abandonando la esencia de la idea dentro de la misma realidad.
Dos de los maximos exponente de la pintura flaminga fueron sin duda alguna: DE HOOCH y VERMEER; estos supieron superar los limites impuestos de este genere de pintura.
“LA VISTA DE DELFT” de VERMEER, es una de las expresiones màs sinteticas y clara sobre la problematica de la realidad, esta tela que todos conocemos, nos demuestra como los grandes genios, manteniendose bajo las leyes de ciertos modelos de concebir las artes, entran en merito a los modelos inpuestos, llevandolos a expresiones geniales.

Volteamos la mirada hacia nuestro presente y todavia hoy, la problematica de la concepcion de la REALIDAD, nos encuentra absurdamente y obstinadamente anclados, en esta problematica que, personalmente concidero superada. Asi, esta Muestra de la pintura flaminga, en las prestigiosas salas del ROYAL ACCADEMY, es agua fresca para refrescarnos la memoria y para aquellos que por primera vez afrontan esta problematica, ya que les ofrecen la opurtunidad para abordar el tema.
A honor al merito, dejo las ultimas lineas a GUIDO RENI (pintor tardo-renacimental 1575-1642) que mucho polemiso sobre este tema de PINTURA INFERIOR y ARTE MAYOR, para que concluda son sus RE-SONANTES opiniones..........

“Odio la vellaqueria de esos pintores que enpleàn sus fatigas y sus estudios mayores, en la espresiòn de sugetos de baja y accidentes casuales, se empeñan con tanta asiduidad, solo para divertir el vulgo y vilez damiselas...me parece digno de fuerte aborrecimiento el genio de estos pintorcillos.....”

Y en otro parafo continua:

“Cuantas personas de nacimiento y familia digna, pero de genio plebeyo, se obstinan a comprar a precio no indiferente, similes porqueria y llenan sus colecciones de pinturas, las cuales solo una COCINA DE TAVERNA quedaria honorada”.

ARISTIDES UREÑA RAMOS.
Florencia ­Noviembre 1984

Publicado en la Revista COLLETTIVO
(en italiano y español)

CHINOSERIE: influenca de la China en el arte europeo del milseisciento al milochocientos/ por Aristides Ureña Ramos 1984

UREÑA RAMOS: Escribe desde Europa.
Publicado por: REPUBLICA
En la columna: Claraboya al Tiempo
Domingo 28 de octubre 1984

Conciente que cada acto “Prometeico” exige un sensible esfuerzo, ya que nos hace medirnos cada dia màs con nosotros mismos; acepto la oportunidad que me brindas para una vez màs participar a unas de tus tantas iniciativas culturales: “CLARABOYA AL TIEMPO”
Si tus lectores me lo permite, desde esta quimérica ciudad abrir esta ventana al pasado, respetando asì uno de los primordiales objetivos de esta calumna “ABRIR VENTANAS EN EL TIEMPO”.

ARISTIDES UREÑA RAMOS
Florencia, octubre 84.


Titulo original de la Expo:
CHINOSERIE-DER EINFLUSS CHINAS
Auf die europaische Kust 17-19
Jahrhudertss

Organizada por:
ABEGG- Stiftung
Materiales en expo son de propiedad
de la Fundaciòn-Abegg Stiftung
El catàlogo editado por la misma
Fundaciòn- curado por Prof.
Alain Gruber, con la colaboraciòn
De Karel Otavsky, Gabriel Vidal
Kathina Muller, Greti Schar.
Lugar:
Riggisberg, Bern-Suiza.
Desde el 6 de mayo hasta 28 noviembre1984.

“CHINOSERIE” INFLUENCIA DE LA CHINA EN EL ARTE EUROPEO DEL MILSEISCIENTO AL MILOCHOCIENTOS.

Cabalgando entre la mitad del milseisciento y el inicio del milochocientos, se difundìa en europa un curioso acontencimiento; mientras las potentes familias reales, en su sed de poder, conquistaban y perdìan territorios, se difundìa y triunfaba el mito del “INMENSO, SERENO, PACIFICO IMPERIO CHINO” basado éste sobre “UNA BASTA BURACRACIA SELECTIVA, CON GRANDES MERITOS LITERARIO”-Tal imagen utòpica,. Nos venia trasmitida por obscuros viajantes, curiosos misioneros jesuitas y nazionalistas “PHILOSOPHES”

Desde MACAO zarpaban galeones portugueses, portandos objectos de lujos, producidos en aquellas lejanas tierras, porcelanas, biombos, abanicos, lacas y sedas, invadieron las magestuosas salas y alcobas de la nobleza europea, causando una trasformaciòn en el gusto de la sociedad, nacìa asì una nueva forma un poco confusa la “CHINOSERIE” (chinerìa).
Los Objetos importados comenzaron a ser raros y carisimos, al mismo tiempo el mercado no satisfacìa las exigencias bizarras y exòticas siempre crecientes de la nobleza, asì vemos còmo los ingeniosos artesanos de Madrid, Turin, Lyon, Londres y Bresda se dedicaron a la imitaciòn y reinterèretaciòn de estos objetos; vasillas, armarios, porcelanas todas estas hechas a la manera chinesca.
A fines del siglo XVI “LA CHINOSERIE” reinaba en toda Europa, ahora no solo encontramos telas y porcelanas; respaldares de lecho, parapetos, decoraciones para muebles, paredes de villas relùcian de dragones, mandarinos, juncos, bambùs y flores de lotus. Los monumentoales jardines y parques reales de Palermo hasta Pietrosburgos contaban con sus orgullosas PAGODAS.

Fue a mitad del siglo XVII que los artesanos creadores de modelos para tejedores, bordadores, tapiceros, adoptaron los motivos decorativos “Fleurs Des Indes” (Flores Indùes) que dominaron la escena europea por mas de 200 años.
“LA CHINOSERIE” Palabra derivada del Frances... de hecho, esta moda se difundìò en Francia, en la corte del REY SOL..Asi vemos que parte fundamental y espina dorsal del resplandor de esta corte fueron los tejidos exportados de la
lejana China, la interrupciòn de estas exportaciones en pro de la “Industria” local, favoreciò la produccion interna. Lyon reeplaza las costosas sedas con imitaciones y reinvenciones, asi tenemos que, el majestuoso VERSALLES impone su pomposo estilo a Europa, siendo la fabrica de Lyon a relizar la mayor parte del trabajo decorativo.
En poco tiempo centros comerciales importantes como Venecia y Londres pasan junto a Lyon a ser principales bodegas de producciones, con la consecuencias, que, en pleno milseteciento recibimos un decorativismo inspirado al oriente.
Al ya existente decorativismo ornamental se une otra fase importantìsima, pasajes de la vida cotidiana china, paisajes de los nublosas montañas del lejano pais, invaden el panorama comercial, merito de la creatividad fantasiosa de los artistas- artesanos europeos.
Asomàndose a esta fantastica y soñadora ventana nos encontramos con una gran masa de artesanos creadores, tejedores, diseñadores de tapiz, dibujantes de cartones y dentro esta gran masa se pueden distinguir artistas como: Berain, Audran, Watteau, franceses que juntos a Fracois Boucher artista este que tal vez sellò el final de “CHINOSERIE” cuando se oian detras de la puerta, los primeros pasos del NEOCLASISICISMO. Chippendale y Chambers en Inglaterrra, Tiepolo en confusa Venecia Italiana.
Muestra de una época BIZARRA, grotesca de ironicas fantasìas, gusto extravagante por el pasado; uno de los momentos màs ricos dentro del arte decorativo europeo, que por mucho tiempo fue considerado no digno de apreciaciòn.

ARISTIDES Ureña Ramos/ Octubre 1984

Rococo: Arte y diseños enla inglaterra de Hogarth's. Por ARISTIDES UREÑA RAMOS 1984

UREÑA RAMOS: DESDE EUROPA (II carta)

-Publicado en la Columna "Claraboya al tiempo"-

Periodico: La Republica

Panamà- 25 de Noviembre 1984.

“....Hay paises de cultura pobre donde surgen de vez en cuando genios clarividentes que marcan el rumbo a actividadaes de alta calidad espiritual. Hay otras de rica tradiciòn artìstica, mal dirigidos por la intromisiòn de advenedizos diletantes (arquitectos, periodistas venales, damas de reputaciòn definidas, etc.) que en lugar de ayudar al desenvolvimiento de las manifestaciones artisticas, obstruyen, confunden y distorsionan los sagrados conceptos del Arte, soplando, inflando a verdaderos mediocres y condenando con sus juicios personales, comprometidos con sus adlàteres a los auténticos exponentes de la Pintura Universal...”
Ramòn Pineda B.

ROCOCO: ARTE Y DISEñOS EN LA INGLATERRA DE HOGARTH’S
ORGANIZACION Y MONTAJE: TRUST HOUSE FORTE

LUGAR: VICTORIA AND ALBERT MUSEUM.
Cromwell Road-Londres, Inglaterra.
FECHA: Desde el 16 de mayo hasta el 30 de diciembre de 1984.

La muestra consta de muebles, dibujos, articulos de plata, pinturas, porcelanas y diseños, procedentes en su mayoria de la famosa colecciòn: CONTRY HOUSES. Nos presenta un amplio panorama de las artes mayores y menores de los años 1600-1700 y principios del 1800 en Inglaterra, acentuando la parte decorativa de las artes menores y el contacto cotidiano.

CONCIDERACIONES:
En el siglo XVII, los Ingleses consideraban la mayor parte de los paises europeos politica y culturalmente “atrazados”. Religiosamente intolerantes y comercialmente como centros geograficos habitados por gentes desconfiadas y que vivian “a la defensiva”. Existia una marcada hostilidad en contra de Francia. Los Circulos organizados “antifranceses” en ese preciso momento se hallaban en todo su esplendor y prepotencia. Pintores como Samuel Johnson, William Hogarth dejan para posteridad, testimonios escritos en contra de las influencias extranjeras, procesando asi para Historia un tono patrìotico reyeno en el “chauvinismo”. En este cuadro sociopolitico, de regias y altisonantes actitudes nacionalistas en Inglaterra, pese a todo esfuerzo por evitarlo, estallaron diversas influencias extranjerizantes, ya que los artistas contradictoriamente, no podian dar la espalda a las realizaciones y a las aportaciones evidentes del arte foràneo.

Esta exposiciòn en el VICTORIA AND ALBERT MUSEUM, pone a disposiciòn para el publico de Londres, este preciso momento, recogido a través de las piezas y obras de arte que allì se exponen a la concideracion de los especialistas en la materia y para el pùblico en general; hay material para establecer auténticas confrontaciones, profundizando dentro de uno de los siglos màs contradictorios y que marca mayor evoluciòn en las ARTES DE INGLATERRA. Esta exposicion , nos pone de frente a uno de los pintores màs sobresaliente de este perìodo, por ser él, una figura que por sus propios méritos y hallazcos plàsticos, representa las paradojas y las contradicciones que precisamente se daban en aquellas sociedad de estos siglos tan polémicos.

WILLIAM HOGARTH (1677-1764):
Como sabemos en su obra escrita, deja testimonio objetivo y artistico, de la posicion anti-extranjerazante en su periodo de trabajo en su propio pais y tàmbien durante su ultima realizada a Francia. En esa postrera ocaciòn en el pais galo, fue arrestado y expulsado catalogado como espìa, al sorprendérsele un dibujo bien terminado hasta los minuciosos detalles de una FORTALEZA MILITAR de Francia.
Pero a pesar de todas estas adversidades en su existencia y màs allà de su posiciòn anti-extranjereizante, nos deja a traves de toda su fecunda producciòn artistica, una marcada influencia del llamado “AFRANCESAMIENTO INGLES” predominante como hemos apuntado en aquel periodo històrico.
ANALISIS: En 1730, HOGARTH, termina de pintar una serie de lienzos intitulados ANTES y DESPUES, que representa la cronologia de una seducciòn. Esta telas revelan algunos aspecto de este AFRANCESAMIENTO (?) que insurgen en Inglaterra entre los años de 1730 y 1760 y mundialmente conocido como el ESTILO ROCOCO, que obedece a un movimiento que surgiò en Paris en el siglo XVI y que deriva del termino francés ROCAILLE y que define las caracteristicas de las decoraciones en boga por ese entonces, ejecutadas con trocitos de rocas y una variedad de conchitas de mar, especiales en el embellesimiento y adorno de jardines y grutas, del exquisito gusto cortesano.
Esta definiciòn comenzò a usarse en sentido DESPRECIATIVO a fines del siglo XVII, describiendo las formas sinuosas y quebradizas de los muebles estilos LUIS XV.
Como concepto historico-artistico el ROCOCO no ha tenido una definicion muy clara, la dificultad nos suge cuando analizamos este estilo, ya que tal, no surge claro y autonomo de las corrientes contemporaneas.

Si comparamos Luz, Movimiento y Vigor, nos encontramos que es absulotamente contrario a la manera barroca del siglo XVII y al mismo tiempo, nos resulta problematico distinguirla en el ultimo periodo Barroco. Anàloga sobre posicion estilistica encontramos en una corriente artistica dominadora del siglo XVIII, EL NEOCLASICISMO.
Por lo tanto el termino ROCOCO, escapa a una definicion precisa; pero podemos afirmar que ésta, se dio claramente en Inglaterra en las artes ornamentales y decorativa.
Tenemos que el grande estilo ornamental y decorativo en Francia, Alemania e Italia, con lo que respecta la arquitectura, artes aplicadas y Bellas Artes, fue abandonado, favoreciendo un estilo capricioso y curvilineo dando gran importancia a la luz, ya sea como TONO, o como COLOR. Esta caracteristica europea Continental distingue el ROCOCO con las otras formas que se dieron afuera. Ya para el 1720 encontramos en Inglaterras, las caracteristicas que acompañan este estilo en todas las artes visuales.
Un ejercito de estucadores, doradores y decoradores italianos y franceses desembarcaron a fines del 1600 e inicios del 1700 imponiendo un estilo menos formal de lineas asimetricas, contribuyendo asì a aceptar este estilo.
Otro estilo Inglés “NEO – PALADIANO” en auge por el siglo XVIII no sofoco, ni impediò, que se desarrollara otro tipo de diseño o estilo. De hecho la clasica arquitectura “NEO – PALADIANA” se podia combinar con la decoracion de muebles exoticos, sin conflicto alguno.
El ROCOCO, como LE CHINOSERIE y el estilo NEO-GOTICO fueron elementos de expresiciones artisticas que se mezclan y muchas se sobrepusieron a formas clàsicas. Estos gustos en mutaciòn, esta sobreposiciòn de estilos, hace muy dificil la bùsqueda y selecciòn de objectos que sean realmente representativos-- sobre todo cuando tenemos una exposiciòn que tiene como objectivo principal presentar el recorrido de un estilo (ROCOCO) como influncia de un preciso periodo— De todas formas si entramos en el itinerario de la exposiciòn, vemos una de las telas màs representativa de esta muestra “EL PINTOR Y SU CARLINO” de HOGARTH, ejemlplo tipico de la pintura ROCOCO inglesa. En el cuadro se ve pintada una paleta en donde el artista hizo una ùnica CURVA, FLUIDA Y AGRACIADA. Esta linea curva que él llamaba “ La Linea Serpiente de la Belleza” representa para él, el centro del concepto estético, de hecho deja explicado sus concepciones esteticas en su ùnico libro “ El Analisis de la Belleza” (1753), donde polemiza sobre la belleza en si.

EL ROCOCO Ingles aparece por primera vez en obras menores, la exposiciòn nos brinda gran cantidad de objectos en platino y muchos grabados; de hecho, son los artesanos aquellos que tienen la posibilidad -en este periodo de confusiòn- de comprar y comercializar los grabados venidos de algunas forma desde Francia e Italia: Vemos tambièn los talladores y diseñadores de muebles imitar velozmente el estilo sinuoso y entretejido.
EL VICTOR AN ALBERT, nos ofrecen numerosos y esplendidos ejemplo de obras en argenteria de primera calidad, notamos a Paul De Lamerie (1688-1751), tallados de madera de MATTHIAS LOCK, que trabajo en Londres en los años 1724-1729, muebles de THOMAS CHIPPENDALE (1718-1779) y ejemlos de porcelanas, tejidos, pinturas y grabados.... La mayoria de estas obras son de artistas ingleses, pero, encontramos ejemplos de objectos ROCOCO de artistas extranjeros, que para ese periodo residian en Inglaterra, el màs famosos de estos fue el frances HUBERT CRAVELOT (1699-1773) un ilustrador de libro y preciso grabador que con su obra influyo mucho en aquel periodo- especialmente a los miembros del “SLAUGHTER’S COFFE HOUSE SET” grupo en el cual participaba HAYMAN y HOGARTH, dos de los mayores representantes de la pintura ROCOCO Inglesa.


Nota:
Hoy dìa en Europa, los siglos 1600,1700 y 1800 estàn bajo la revision de los mayores criticos artisticos, ya que son siglos de transiciòn llenos de lagunas, luces y descubrimientos. Asi vemos que con la apariciòn de nuevas tegnologias de investigaciones y el estudios de estilos (no conciderados tal) de pintores menores, salen cada dia el esplendor inteminable de este periodo.
Es por esto, que en este articulo no hago ninguna conclusiòn, dejando a manera de DEBATE ABIERTO una momentanéa conclusiòn a nuestros lectores.

ARISTIDES.UREÑA RAMOS

(Publicado en 1984)

TRADICION CULTURAL DE VERAGUAS. Por ARISTIDES UREÑA RAMOS 1976

Artes Plasticas en Santiago
TRADICION CULTURAL DE VERAGUAS.
En torno a la Escuela de Bellas Artes de Santiago.
Escribe: Aristides Ureña Ramos.
Estudiante de la Academia de Bellas Artes de Florencia-Italia.
Publicado el 11 de julio 1976.

Periodico: MATUTINO

Mis primeras escaladas pictòricas las realicé desde mi temprana adolescencia.Quizà, al iniciar mis estudios como bachiller en el Instituto Urracà de Santiago de Veraguas. Durante el perìodo de estas iniciales incursiones artisticas, aùn quedaban muchas limitaciones en el medio. Una especie de tabù en el uso de las técnicas del procedimientos de las plàsticas- nos frenaba la velocidad con que solìamos movernos. Nuestra pintura, el modo de producir era el reflejo, de lo que nos ofrecìa el pueblo. Era como un permanente y desesperado combate por adquirir conocimientos y perfeccionar con el trabajo pictòrico, el desarrollo de nuestras inquietudes- aunque contàsemos con armas empiricas, metodos autodidactas y una gran voluntad para continuar en movimiento- porque el ocio y el estatismo es el peor mal- para el que inicia en las arduas disciplinas de las artes plàsticas.
Semanalmente o quincenalmente- acudìamos a la residencia del Maestro Herrerabarria, cuando solia llegar a nuestro pueblo natal- para refrendar vigencias y renovar recuerdos- como èl expresa. Las breves orientaciones que recibimos del maestro Herrerabarria, en el terreno técnico y los buenos consejos que nos ofreciera Daniel Richards, nos servian de mucho- pero luego- volvìamos a caer en ese estado depresivo que nos hacìa sentir como “cabeza abajo” y esclavos del sentimiento- que llamò por aquel entonces, como TABU TECNICO. De ese tiempo que precediò a mi viaje al continente europeo- muchos compañeros con grandes posibilidadaes para el ejercicio de la plastica, muchos jovenes como yo fenecieron pictòricamente hablando – bajo la acciòn asfixiante del medio que nos rodeaba. Otros logramos, sobrevivir a esa prueba mortal y gracias a muchas circunstancias positivas y al tesòn que hemos mantenido, aùn nos encontramos en la lucha por integraciòn profesional- buscando el perfeccionamiento técnico- a través de nuestros estudios en Academias de prestigio y a través de las profundas vivencias y conocimientos que ofrece al pintor maduro y alos jovenes valores- todo lo que atesora el viejo continente.
Desde hace menos de un lustro, aùn como estudiante de secundaria en Santiago, escuchaba la fecunda polémica- alrededor de la necesidad de fundar una Escuela de Pintura en Veraguas, que recogiese y proyectase con identificacion propia, todas las fuentes de inspiraciòn pictòrica, literarias y politicas en la cual se han forjado nombres cimeros o ilustres como lo continuan siendo: MANUEL CELESTINO GONZALES, Nacho Valdés, Mario Riera Pinilla, Fco. Changmarìn, Polidoro Pinzòn, Herrerabarria, Ricardo Fabrega y tantos otros comprovincianos- que a través de sus obras literarias, revolucionarias, musicales y de los lienzos han dejado legado- de arraigado contenido popular- a las generaciones veraguense del presente y del mañana inmediato. Nuestra provincia es rica en tradiciones culturales- y quizà en el corazòn de cada veraguense estudioso y con inquietudes espirituales- ese pasado enriquecido con la aportaciòn de los artistas contemporàneos vigentes en el panorama panameño- actùa como reto a la profunda personalidad del santiagueño- que decide su quehacer profesional- por dificil camino de la cultura y el arte universal. Estoy convencido de que la actual, flamante y hermosa realidad que es la ESCUELA DE ARTES PLASTICAS-EXTENSION VERAGUAS del Instituto Nacional de Cultura, nacìò e se consolidò-bajo la acciòn tutelar de esta rica tradiciòn cultural que posee Veraguas. El significado de una entidad académica de tal magnituda-representa una incentivaciòn permanente que ayuda a mantener despierto a todos a quellos que simpatizan con el sentimiento de vencer al tabù técnico pictòrico- que campeaba destructivo e invinto- hace apenas dos años atràs...en mi pueblo natal.
Durante mis visitas a la Escuela de Artes Plàsticas de Veraguas, desde que retornò de Florencia Italia-hace unas semanas en plan de vacaciones y para recopilar material especializados de investigaciòn- me he percatado- de que el periodo de acechanzas y dificultades del plantel- ya ha sido plenamente superado. Existe alli- un grupo de alrededor de 32 alumnos- que trabaja, investiga y se supera con un espiritu de optimismo y creatividad. Es sorprendente como el funcionamiento de esta escuela, pareciera recoger en forma concreta toda la inquietud veraguense en forma consciente del significado trascendental de la misma. Es saludable profesionalmente hablando, apreciar el esfuerzo que realizan compañeros artistas como LUIS AGUILAR PONCE, Hermenegildo Zaldivar, Rodrigo Jaén y otras unidades, egresados de la Escuelas de Artes Plasticas de Panamà, que luego de haber adquirido el titulo universitario en la especializaciòn de las artes plàsticas en academias prestigiosas de Mexico y Europa, ahora laboran por los nuevos valores de la pintura interiorana con encomiable afàn y gran responsabilidad.
La Escuela de Artes Plasticas, contribuirà a rompere ese tabù técnico- que reinaba antes de su fundaciòn en Veraguas. Todos son consientes allì, de que la técnica nueva o la destruccion de las viejas tecnicas, en fecunda confrontaciòn, debe ser lo que generarà un movimiento de avanguardia con raices de lo nuestro. La destrucciòn de ambas tendencias, no podriìan generar un arte nuevo. La Tecnica y la Forma (Lenguanjes) en el arte son importantes, el arte siempre se ha nutrido del perfeccionamiento de éstas- por ello, bien o mal- de esta busqueda constante surge, lo que dà razòn de ser al arte nuevo y al arte de vanguardia. Cuando se comprende el actual momento historico, cuando se tiene conciencia de las causas de la decadencias de la PINTURA NACIONAL y la necesidad de elevarla a niveles màs serios y autenticos, entonces y sòlo entonces, podemos calibrar el papel que ha de jugar este nuevo movimiento que es revoluciòn en la pintura y que tendra como guia (lo esperemos) la ESCUELA DE ARTES PLASTICAS DE VERAGUAS.
De esta noble Instituciòn veraguense, podriamos decir que es como un Oàsis fisico, tecnico y espitual en lo que pocos años constituìan un desierto pìctorico. Aqui se nutriràn los jovenes pintores de todo el interior y aqui se nutriràn artistas en formaciòn, para poder iniciar la comunicaciòn incondicional, en la dimensiòn eterna de lo nacional y lo universal de la pintura.
EL ARTE ES COMUNICACION Y MENSAJE y desde esta nueva Instituciòn Pictorica, empiezan a detectarse ondas magnificas, que seràn cada dìa màs descifrables y liberadoras.

Santiago de Veraguas 11 de junio 1976
ARISTIDES UREÑA RAMOS.

I took Panamà -Monica Kupfer

Monica Kupfer presenta "I TOO PANAMA"
Aristides Ureña Ramos/Panama, Panama


Autor: Monica E. Kupfer
ArtNexus No. 42 - Nov 2002

Aristides Ureña Ramos, pintor panameño residente en Florencia, presentó su más reciente exposición en Panamá bajo el título I Took Panama, citando —en letras minúsculas— la famosa declaración del presidente norteamericano Teddy Roosevelt cuando se involucró en la independencia de Panamá para promover el interés estadounidense por construir el canal interoceánico en la nueva república.

Esta exposición refleja la intención de Ureña de crear sus propias crónicas históricas que, como docufábulas visuales, dejan testimonio —visto por sus ojos surrealistas— de hechos importantes en la historia de su país natal.Las once obras en técnica mixta sobre lienzo exhibidas pertenecen a un grupo de 76 que conforman la serie completa de itookpanama. Los títulos de los lienzos, siempre de relevancia para este artista de preocupaciones lingüísticas, hacen referencia a la independencia de Panamá de Colombia (el 3 de noviembre de 1903) y a otros hechos de la historia nacional, así como a la naturaleza tropical (manglares, ríos, mares), leyendas (como la de la Tulivieja) y costumbres (como la celebración anual de la zafra de caña de azúcar). En otras obras de esta serie, Ureña representa visualmente su imagen de los sueños de los europeos y norteamericanos que construyeron el canal de Panamá, pero también los sueños de la gran población afroantillana sin cuyo trabajo no se hubiera logrado crear la vía interoceánica.

En El día en que nació mi país, obra emblemática de esta exposición, Ureña pinta su imagen de Panamá como un monumento barroco que surge del mar azul hacia un cielo luminoso. En el horizonte se perciben pequeñas nubes lluviosas sobre un cielo claro en el que flotan niñas-ángeles de broma, que sostienen paraguas como paracaídas, y a las cuales vemos desde una curiosa perspectiva que nos presenta sus entrepiernas y no sus caras. El mar está repleto de peces que escupen agua como en las fuentes del viejo mundo, rodeando el conjunto central de la composición. Este Panamá, según Ureña, contiene una gran cruz cargada de rojos corazones ardientes, telas drapeadas, escudos y vegetaciones de las que brotan rosas negras hacia el mar. En el centro, vemos saliendo de la espuma, en proporciones variables y arbitrarias, una gran cantidad de mariposas, la bandera panameña, figuras de personas de diversas razas y edades, así como una paloma de la paz, en un todo que simboliza la nacionalidad. En esta obra, como en la mayoría de las pinturas de Ureña, la composición está rodeada por un par de “cornisas”, bordes que enmarcan la imagen central, que sirven para anunciar y reiterar el tema de la obra como “pregones” o coros musicales. Los elementos que aparecen en estas cornisas decorativas se repiten con frecuencia y conllevan una simbología específica para el artista. Se destacan, por ejemplo, los corazones apasionados, los navíos del destierro, las palmeras tropicales, los buses públicos, los hombres oscuros ensombrerados, las mujeres-madonas, las aves y los peces, por mencionar sólo algunos de los elementos del amplio léxico iconográfico de Ureña Ramos.

Ese mundo de Ureña está poblado por una surreal combinación de personajes y objetos que le sirven para narrar una historia, de la que simultáneamente se burla. Con su hábil manejo del dibujo, recuerdan el arte clásico, pero también el mundo de las historietas. Con una actitud abiertamente postmoderna y contestataria, Ureña Ramos cita los lenguajes del arte europeo y del arte indígena (como las molas kunas), de la publicidad de las transnacionales (como los logotipos de Del Monte o Chiquita), de la televisión, en fin, del mundo globalizado del cual es ciudadano muy consciente. Además, dentro del juego visual e irónico que caracteriza su trabajo, encontramos citas —como pequeños “homenajes”— al estilo de maestros que lo precedieron no sólo en el arte panameño, sino también en la historia del arte occidental.Por ejemplo, en La muerte de Victoriano Lorenzo (obra en donde Ureña pinta al héroe panameño no en el momento de su fusilamiento, sino después de muerto), el artista cita intencionalmente la manera y los colores usuales del panameño Juan Manuel Cedeño, así como en otras obras imita con respeto a otro coterráneo, el neoclásico pintor Roberto Lewis. Creación de la bandera ofrece otro ejemplo porque la figura de la mujer que cose la bandera panameña es una cita del San Sebastián del Juicio universal de Miguel Ángel.

En Homenaje a los poetas panameños se percibe una relación con el trabajo sensual del pintor panameño Mario Calvit. De hecho, Ureña considera que algunas de sus obras son “puramente citacionistas”,

como en el caso de Cuatro de noviembre de 1903, composición alegórica que hace referencia al día en que se conmemora la bandera panameña.

A pesar de que Ureña Ramos emplea técnicas mixtas sobre lienzo en la mayoría de sus obras recientes, éstas se acercan más al dibujo que a la pintura. El pigmento tiende a ser delgado y de colores intensos. La mayoría de las composiciones están construidas por una gran cantidad de figuras y formas detalladas, dibujadas casi en miniatura, de tal manera que el observador tiene que acercarse a la obra para poder descifrar sus componentes. En algunos casos, las composiciones aparecen tan atiborradas de elementos que las imágenes se vuelven confusas, casi contradiciendo su carácter narrativo.

Esto ocurre en Panama Day, obra en que el uso casi exclusivo de tinta azul aumenta la desorientación y da a la obra una calidad de boceto. Esta tinta azul, nueva en el trabajo de Ureña, carga una asociación simbólica de valor para el artista (la relaciona con la cerámica Delft que importaron los europeos que vinieron a trabajar en el Canal). Sin embargo, no logra con ella efectos comparables a las composiciones más claras y los colores más expresivos de otros lienzos.Los ricos colores de Ureña los encontramos, por ejemplo, en la obra con que participó en la reciente Bienal de Venecia. Sin entrar aquí en una discusión sobre la lastimosa decisión de presentar el trabajo de varios latinoamericanos en un espacio fuera de Venecia, vale destacar el políptico de este artista panameño, que consistía en una colección de pequeños lienzos que cubrían toda una pared y que enfocaban el tema de la inmigración, que como el encuentro de razas y la globalización, ha sido el eje de varias series creadas por Ureña Ramos.De hecho, Ureña Ramos ha trabajado hace tres décadas en torno a lo que él llama “ciclos pictóricos” que —como bien explica la presentación de Tania Iglesias en el folleto para la exposición en Arteconsult— enfocan temas e intereses como el “mestizaje plástico de elementos culturales precolombinos y afroantillanos”; la incidencia de los medios de comunicación masiva, especialmente la televisión, en el hombre de hoy; la apropiación y reconsideración de elementos “clásicos” del arte occidental; la cultura tropical; y el desarraigo y las adaptaciones que han traído consigo las grandes inmigraciones del final del siglo XX. Ureña interpreta y emplea todos estos elementos temáticos para provocar al observador y, en una manera poética, para incitar a la reflexión.El proceso conceptual en las obras de Ureña Ramos siempre ha llevado implícita una conexión con sus orígenes. En esta serie reciente de trabajos, él reconsidera la historia de Panamá en obras que, a pesar de sus temas específicos, permiten una interpretación más amplia. Esta involucra aspectos históricos, clásicos, publicitarios, de la cultura caribeña, de la nacionalidad y el desarraigo, que han ocupado la atención de este artista por décadas, y que ahora se reflejan en su interpretación personalísima de la historia patria.

Arte Terapéutico de la obra de Aristides Ureña, Analisis de Gabriela Alonso

Análisis Arte Terapéutico de la Obra del Artista Arístides Ureña Ramos
Martes 30 de octubre del 2007.

-GABRIELA ALONSO-

Arístides Ureña, artista de innata magistralidad iconográfica, simbólica, y de tempestuoso espíritu que subyace en las estructuras psíquicas más profundas llevadas a crear elementos espontáneos a partir de lo contemporáneo, eventos sincronizados al interpretar drama social, aflicciones y vida propia del autor. Creciente elaboración arquetípica que de regreso a esas profundidades y cumpliendo sus principios precarios y ritualísticos; se amplían en representaciones universales, y espacios que reinventan lo que es propio, en repertorios estéticos de emergentes cargas y elaboraciones inconscientes que descargan y generan consecuencia potencializadora ante el “efecto espectador”.

Ureña actúa en sus obras como militante y como justo a sus remotos orígenes, tiene su verdad en tierras distantes, en su sátira artística se recrean imágenes, en fuga de tiempos y elementos que reincorporan a la mente mitos y ritos.
Asimismo elabora en la transición de lo profano a lo realista, un templo de expresión a la explosión de exuberante riqueza natural.
Aproximándose a reivindicar dónde se trazan las orillas de sus orígenes.

El valor apreciado de los momentos, trayectoria, historia del tiempo; alude a paisajes exóticos. Animales dibujados en sombras, flagelos en la consciencia límbica que no permiten el olvido del color y tono. Serenidad, crónicas elaboradas para disipar temores y estereotipos que a través de la materialización nos disponen a recrearnos en lo amorfo.
Serpientes que convocan al vuelo de los pájaros y en su temor la sombra, cautivando al tantrismo en especies fluviales y corporales de atemporalidad, perenneidad, en ciclos sexuados y asexuados.

En el significativo ciclo del azul; longitud de onda vibratoria, Arístides genera estabilidad, rituales de curación, serenidad, energía masculina. Cielo y mente en el mismo espacio del silencio subterráneo, raíces libidinosas en crónicas elaboradas para disipar temores y aflicciones elaborados siempre en planos triunfales, ejes y tiempos míticos de lo ausente.

Es fiel Ureña a explorar con el arte plástico de las manos los encuentros profundos de quien está firmemente asentado con los pies. Acompañado del diseño de divinidades lascivas, figuras de hombres, colas, caballo y dramas

satíricos de sucesos vívidos, que conmueven y despiertan interés en el paseo onírico de los elementos de una Grecia trágica que alivia y divierte en relación a los sucesos cotidianos de trayectos de la vida de quien los interpreta, muchos aparecen como miembros de momentos litúrgicos. Ausencia mordaz.

Contemporáneo manejo de la evidencia ancestral. Concepciones políticas e ideas en evolución, construidas en un ethus de los valores del artista. Sueños, visiones, fluidos humanos y navegantes, en los que el ego la sexualidad y el aparato psíquico se comunican, se manifiestan, interpretan y hablan en formatos de continua convergencia y divergencia.

Sus obras siguen un modelo de entendimiento de una condición original y precaria en el arte de la humanidad, raíces que hacen manifestación de lo más congénito con una descarga imaginética colectiva e inconsciente.
Su manejo circular tiene una regresión a la estructura psíquica que enmarca a su potencial curativo que compensa cualquier distorsión.

Ureña parte de espacios de elaborados formatos de silencio, sonoplastia intensa que nos vincula a su obra. Los momentos fundamentales de la vida exigen de silencio, el más profundo de todos los sonidos, todo lo que no tiene nombre se captura con el silencio, después acontece.
Nuestra disposición psicológica en el observador genera una experiencia plástica y sonoplastica de donde el observador sale alterado.

Sentimientos que se educan en la obra con respecto a muchas áreas, etnicidad, política, religión, creencias, sentimientos, temor, sexualidad, normas y prácticas iniciáticas. El hombre formado con su divinidad más cercana al anima y en su isolación la naturaleza misma de las cosas.

Arístides nos plantea con su obra un análisis antropocéntrico, donde la cura esta dentro del ser y su conexión directa con el hombre primitivo y civilizado. Su cuerpo en conexión con lo físico y astral generan una concepción global organísmica, apropiándose el autor de sus propios ciclos.

Leyendas serenas, alegorías de fé, ritos de esperanza, ángeles en vuelo. Es ahí donde Ureña se perpetua.

Arístides es la creación de un estilo, es la manifestación de una técnica que elabora gestos, y a velocidades rápidas se apropia de ciclos y evoca con el remanente en la memoria. Historia de sociedades migrantes y receptoras, de marginados y salomas. Concediendo un equilibrio al holon de sus creaciones, y jugando a recoger imágenes arquetípicas con la certeza absoluta de la herencia.
Virtuosismo en el arte contemporáneo, repetición iconoclasta en un marco de revelación de insights, en una historia natural y primordial.

BANANANA Ciclo pintorico 2004/2005 por Angela Picardi

BANANANA

(ciclo pictorico)

ARISTIDES UREÑA RAMOS

EL REVIVIR DE LA MEMORIA COLECTIVA ,
MEDIANTE LA RECONSTRUCCIÓN DE UN ÍCONO PUBLICITARIO.

GALERIA HABITANTE

24 de octubre 20 de noviembre 2007


APROXIMACIÓN A LA VIDA Y OBRA DEL ARTISTA:

La complejidad de motivos y temas de la obra de Arístides Ureña encuentra su origen en la multiplicidad y heterogeneidad de circunstancias que forjaron a este artista quien, en BANANANA - su actual ciclo pictórico en exhibición – sorprende una vez más por la irreverencia de sus temas, verdaderas provocaciones socio-culturales, por el equilibrio y fuerza de sus composiciones en aquella fértil mezcla de elementos clásicos , folklóricos y autóctonos que le es particular y por un mensaje que redunda en valores humanísticos, sello de su obra total.
Para explicar las circunstancias motivadoras de su obra e indagar sobre este artista veragüense, hay que desplazarse a Santiago de Veragüas. Allí, en su hogar, podemos descifrar lo heterogéneo y múltiple de su temática: una madre enérgica, Doña Xenia, conservadora y profundamente católica, cuya entereza se hace evidente en el suceso profesional de sus catorce hijos; un padre de tendencias socialistas, amante de la rebeldía pero, también, de diálogos filosóficos sobre la vida, la patria y la política, quien ha formado a sus hijos en aquella búsqueda de los inalcanzables paraísos sociales, meta de los incansables idealistas.
Una confrontación de criterios idealistas y realistas, una suma de rebeldía y de equilibrio; un gran acervo de inquietudes e ideas que van a florecer en un niño curioso, aventurero y pícaro.
Un entorno familiar donde reina la extroversión y la música, donde, el abuelo, Don Samuel Ramos, músico y pintor, enseña a Arístides Ureña los primeros trazos pictóricos y donde éste recibe sus más duraderas impresiones estéticas, íntimamente unidas a los valores de un Panamá Profundo.

El más preciso y poético retrato de este artista no lo hacen sus colegas , pintores, sino su madre , al describirlo como el “el niño de la maleta”; un recuerdo grabado en su corazón: “Recuerdo a mi hijo, al borde de la carretera, solitario y ansioso, con una maleta en la mano, presto a partir al seminario de Boquete, a estudiar para sacerdote. Tenía sólo diez años ( duró sólo dos semanas). Lo veo, así mismo, en el aeropuerto de Tocumen, listo para salir hacia Italia y , después, en fotos con su mochila en la espalda, siempre con una sonrisa melancólica, en Atenas, en Madridl o en París. A veces pienso que él siempre ha sido consciente de su destino errante, porque sus ganas de saber le hacían perder el conocimiento de tiempo, lugar y distancia.....La imagen que mejor representa a mi hijo es la de una carretera de piedra, en el caluroso medio día santiagueño y un niño al borde, con una maleta, listo para partir, acompañado de una nostálgica sonrisa. Éste es Aristides, hijo.”

En este caminar el artista lleva consigo una de las enseñanzas paternas que ha marcado su obra: la preocupación humana por las responsabilidades, especialmente aquellas relativas a la patria, a la identidad propia y a la soberanía. Nos cuenta el artista:”..en un potrero, mi padre me hacía ver que , cuando se acercaba la noche, una de las reses guiaba el hato de ganado hacia un lugar seguro y que el instinto , aún salvaje, permitía a los animales conocer ese liderazgo. Y concluía :mire, hijo, está en la naturaleza de las cosas y en el patrimonio personal de cada uno tomarse las responsabilidades. Hay hombres que nacieron para ser guiados y otros para tomarse las responsabilidades de los demás. Así es , también, para el arte. Y me indagaba, recordando que esta rectitud intelectual era un patrimonio típico veragüense,:¿Y tú dónde te colocas?”

No cabe duda que Arístides Ureña, hoy, puede responder a esta pregunta, señalando su evolución artística - desde 1980 con su primer ciclo, “Ballet del Cabrón”, hasta el actual, “Bananana” (2004-2005) - como una constante búsqueda de lo que él llama “ un arte genuino, con connotaciones esencialmente panameñas”. En verdad, una sucesión de ciclos y series que surgen de su memoria de la patria, de sus reinvenciones narrativas de hechos populares, autóctonos o históricos, de su constante crítica a los elementos artificiales de la identidad cultural, cuya expresión genuina ha sido la preocupación estética predominante en todas las etapas de su producción.

A estos elementos se unen las andanzas de un hombre observador, de un artesano sensible y de un artista exitoso que, en su interior, oye la voz de su padre, en su preocupación social, y se obliga a aceptar y describir lo complejo de la esencia humana, llevándonos, solidario – como en el tema de los inmigrantes- y, a la vez, crítico –como en las narrativas dedicadas a los mandatarios- , a aquellos misterios insondables del alma humana que, como temática lírica, afloran en su obra. Mientras, en la risa, en la ironía provocativa, mediante la manipulación de imágenes muchas veces contradictorias - como son los angelitos tomados de los frescos de Giotto en Pádova frente a los risueños querubines caribeños - valida a su preocupación por la patria mientras acepta aquellas enseñanzas extranjeras, como la renacentista florentina, que lo motivan en su expresión artística.

Así se explica esta obra ecléctica en sus motivaciones, en sus influencias y en su expresión, cuyo análisis exige una dedicación particular, pues a ella no se llega por una visión rápida o global. Hay que adentrarse en los detalles, hay que fragmentar el lienzo en secciones derivadas de sus figuras centrales, de sus densas agrupaciones humanas que sirven de apoyo a estas figuras centrales; hay que observar detenidamente los elementos narrativos del núcleo de su composición, así como la simbología de sus configuraciones o la alegoría de sus figuras. Es necesario interpretar sus marcos colmados de signos autóctonos, cuando no las lunetas de estos marcos en las cuales, usualmente, aparecen mensajes que nos hacen sonreír por su ironía. E indagar, igualmente, sobre los motivos anecdóticos o históricos que se transmiten y, por fin, ponderar sobre las influencias europeas que definen su dibujo y su composición.

EL CICLO BANANANA:

Este ciclo está constituido por dos series de temáticas convergentes, ambas elaboradas entre los años 2004 y 2005: la primera, BANANANA, presenta el uso y la reconstrucción del logo publicitario, Chiquita Banana, utilizado desde los años sesenta, por la compañía bananera de Bocas del Toro; la segunda, REPUBLIK BANANA, evoca eventos populares o históricos, reviviendo la memoria del pasado panameño que el artista narra, interroga o ridiculiza , en un intento de transferir estas vivencias pasadas a un presente, para ilustrar y corregir aquellas características “ bochornosos y escondidas” de la idiosincrasia panameña, típicas, a su modo de ver, de las repúblicas bananeras.

La figura central de las composiciones de ambas series es Chiquita Banana, un estereotipo publicitario- aquel sello que aparecía en las bananas exportadas por Panamá - integrado anteriormente a su iconografía , en series iniciales de la producción de este artista. Entonces era utilizado, en su diseño esquemático y rígido, para representar con ironía los atropellos de poderosas empresas extranjeras a la identidad panameña o a su soberanía. Hoy es reconstruído estilísticamente para simbolizar la recuperación de la memoria colectiva, el revivir de vivencias nacionales pasadas u olvidadas, reinterpretándolo como un personaje liberado, en un eje predominantemente vertical, pero en constante movimiento que le da vida. Celebrando, simbólicamente, la adquirida libertad del hombre panameño. Aparece siempre al centro de sus actuales lienzos, ora como centro de interés, ora envuelto por circunstancias anecdóticas o históricas.

En algunas composiciones, como son “Criolla”, “Juanita Banana” o “María Banana” es traído a un primer plano y evocado como mujeres representativas de la exhuberancia y de la vivacidad caribeña, aunque denoten, por el equilibrio y simetría de su composición, la fuerte influencia renacentista de las clásicas “madonnas” florentinas.


No faltan en estas composiciones aquellos elementos que rompen el aparente ideal de su realización, como en la lírica mulata bocatoreña que lleva su niño en el regazo y aparece - en el mejor de los estilos renacentistas - envuelta en un difuso óvalo cromático y circundada por ángeles de manufactura similar a le de Giotto. Sin embargo, como una ruptura conceptual, que conduce a la ironía, ésta lleva en la cabeza, como una alegoría narrativa, el famoso logotipo de la propaganda de Nestlé, un nido con sus pájaros.




En la segunda serie – en obras como “ Palo Enseba ” o “Juega Vivo”- este logo, ahora difuso y lejano, aparece al centro de la composición, siempre en segundos o últimos planos de la misma, pero dividiéndola simétricamente y, como en levitación, imponiéndose sobre los densos grupos de figuras y motivos que construyen la narrativa histórica o popular que rememora el pasado con alusiones al presente.




Es notable, en la profusión de elementos que forman estas composiciones , la capacidad del autor de recrear el entorno y las vivencias de su Panamá Profundo. Valiéndose de su memoria y de aquella lírica nostalgia que acompaña a todos los que transmigran y llevan la patria en su equipaje, Arístides Ureña revive, gracias a su dominio estilístico, lo veragüense, lo bocatoreño, los vibrantes o suaves colores de atardeceres y amaneceres tropicales, la magia realista de las fincas interioranas – como “ “Finca Arco Iris o “Finca Banana” – con su vegetación y sus colores.



La maestría del dibujo, unida al dominio de los colores y a una diversidad compositiva permiten recrear este variado escenario para la definición de su mensaje. Este uso del espacio en función de un tema es una característica que acompaña la totalidad de su obra, como podemos observar en la sucesión de sus series. Así, en el lejano 1980, su “Ballet del Cabrón” criticaba las dictaduras militares, recreando un espacio grotesco y carnavalesco para su mejor ambientación temática; en 1984, su serie “ Barrococonuance” ofrecía un imaginario mundo barroco tropical; así mismo, en 1988, su serie “Radio- la manía sieropositiva en sintonía”, lograba manipular los elementos estructurales referentes a la tecnología y a la comunicación para lograr su mensaje crítico; o, en 1997, la crítica social de su serie “ Octubre en Cayenne” se apoyaba en un ambiente en que se escenificaba - en el decir del mismo autor – “ la biodiversidad y el Panamenian Style”.
Hoy, Bananana nos induce a adentrarnos en un mundo interiorano, tan real como mágico, en que están presentes “La Criolla”, la mulata de Bocas del Toro, las procesiones de “ Santa Librada”, “La Barra Ensebá” o “Banana Moon”. También aparecen, en esta rememoración de una vida pasada, las ensombreradas capitalinas en “ Tarde de Té” o Doña Matilde, “la esposa de Fufo”, así como los expertos políticos de su “ Juega Vivo”, mientras se reviven escenas trágicas que recuerdan a los sufridos inmigrantes chinos que construyeron el ferrocarril o las luchas obreras en las bananeras.

Son motivos pictóricos que, envueltos en la poética de un realismo mágico, simbolizan este puente que nos lleva de un pasado no siempre ideal hacia un presente visto como la posibilidad de una realización futura del hombre panameño.

Es la capacidad artística de manipular imágenes, de confrontar conceptos, utilizando - para hacer más complejas sus composiciones – grafittis y escritos en español o en inglés que, presentes en las lunetas de sus marcos, apoyan la ironía o la crítica y desempolvan mitos de identidad.
De este modo Arístides Ureña combina valores narrativos con aquellos críticos, logrando desarrollarlos conjuntamente y en armonía. Mezcla lo evocativo, lo imaginario y lo real, apoyado en su síntesis de lo clásico y de lo popular, creando efectos pictóricos que mueven a la sátira, pues, al parecer, este artista consigue disfrazar sus inquietudes sociales con la risa que es expresión de un ideal social negado.

Comparativamente a su última exposición en Panamá, ”Alegorico’s” (2004), su estilo presenta una clara evolución, así como una nueva proyección de colores, ahora más suaves y matizados, con el abandono de lo monocromático que lo ha caracterizado anteriormente.
Mientras en su ciclo anterior sus figuras centrales se presentaban aisladamente, en “Bananana”, éstas dejan de verse erectas, con valores que pudieran recordar los moldes clásicos, y ganan movimiento, envolviéndose en líneas, óvalos, o círculos que nos hacen pensar en aquel mundo caribeño y nos permite sentir lo tropical , lo caluroso y dinámico de este nuevo escenario.
La capacidad de este artista de manipular, confrontar y armonizar imágenes es la gran fuerza de su obra. Logra darnos el sentir de un ambiente imaginario , recreado a partir de su memoria que es el reflejo de la memoria colectiva panameña y nos obliga a revivir sus anécdotas – como el triste episodio de inmigrantes chinos escondidos en barriles de rabitos de puerco – o de reconocer eventos históricos, como la poética visión de los jardines de Arco Iris, bajo la lluvia, o de disfrutar de la hiriente ironía que acompañan sus críticas sociales, tan jocosas como aleccionadoras.

Un mundo imaginario , recreado por una mano diestra en el dibujo, en el uso de los colores y en la estructuración de su composición, que se fundamenta en la memoria de un artista quien, en su preocupación social, busca el futuro ideal de su tierra.
Un autor que ha sabido mantener vivas las enseñanzas más entrañables de su hogar y de su patrimonio veragüense, refinándolas y reviviéndolas con aquella mirada indagadora y profunda de quien ha visto y ha conocido los más variados entornos humanos y culturales en los cuales su curiosidad le ha permitido penetrar, sin perder el amor por sus raíces o el sentido del valor de su identidad.
Angela Picardi

Homenage al intelctual solitario

CENTRO REGIONAL UNIVERSITARIO. SANTIAGO DE VERAGUAS
Aristides; como bien dicen sus datos biográficos, desde la mitad de los años setenta, ha organizado su " MODO" de hacer arte, en ciclos pictóricos, que lo llevan a enfrentar una serie de búsquedas dentro el panorama contemporáneo, proponiendo continuos temas que en manera provocadora, se apropian y manipulan: Imágenes, lenguajes y contextos culturales
.Unos de los momentos por el cual está pasando Aristides, actualmente dentro de su búsqueda, es el concepto de lo "ALEGORICO", antes de encaminarnos a la lectura del grande proyecto del Mural realizado para el Centro Regional Universitario de Santiago de Veraguas, tendríamos que interrogarnos sobre: qué cosa entiende Aristides como alegórico?, ya que ésta será la clave de lectura que nos llevara a apreciar mejor el grande esfuerzo intelectual.

Definición de la obra:

1- LA LUZ DEL LLANO:

La obra es un homenaje a la tierra veraguense, a sus ilustres hombres y a las instituciones que han hecho su historia. En una conversación que hice con Aristides, me transmitía sus primeras intenciones o la idea inicial que motivaban los primeros bosquejos de la obra, me decía el artista que de pequeño, a menudo, asistía a conversatorios en la escuela Anexa del Canadá, en la cual narraban la historia de la « LA LUZ DEL LLANO », las mismas narraciones las había oído muchas veces en tertulias populares y cuentos callejeros,-- en dicha narración, hablaba de una gran llano que se extendía en las afueras del poblado de Santiago, hacia la comunidad de San francisco de la Montaña. y continuaba observando que: " Esa leyenda toma todavía mas forma, cuando los intelectuales normalistas, hacen de esta leyenda unos de los motivos de la existencia de la Escuela Normal".- ya que la Normal fue construida, al inicio de este llano, distendiéndose por gran parte de esa misma, y continuaba diciendo: " Así que este grande desértico espacio, estaba predestinado a FUENTE de Sabiduría, Faro de Cultura, Luz erudita".
La primera correlación mental entre, el llano (lugar de cultivar) y La luz ( la enseñanza, la cultura) es el primer mensaje que los normalistas hacen pasar, de manera Alegórica- Simbólica y como continua a decirme Aristides: "...el mural será colocado en el Centro Regional de Santiago que se encuentra también, en el mismo llano…..".
La escena principal se desenvuelve en un inmenso llano, donde a una primera vista vemos, figuras de personaje en primer plano, una especie de ángel en vuelo que tira flores, la Normal en el fondo, y detrás, el Centro Regional Universitario.

2- EL ALBA Y EL TRAMONTO. ( El arco de la vida)
La eternidad de las cosas, está dada del ciclo de la vida, el Alba y el Tramonto. Aristides, continua en su explicación: "haré un gran llano, para re-presentar la luz del llano"..y continúa:..." hay un puente, un arco que liga todas las cosas y nuestro país, es un testimonio de esto, somos puente de cultura, puente de intercambio, la cultura siempre un puente de enlace, hasta en nuestra geografía somos testimonio de un Istmo que liga, la vida es puente perenne…".Entonces, como representar esto dentro de la obra?.... Aristides, encuentra la solución colocando El Alba ( a mano izquierda) que nace llenando de luz la escena, y donde vemos el parque de Santiago, con estudiantes reunidos que anuncia la nueva llegada. En el fondo la Sabiduría con arpa en mano,como alegoría a las Artes y Literatura,- un Micho que toca un violín, pintado a la manera de Carlos Francisco Changmarin artista que Aristides ha querido elogiar.

Al centro del arco un Angel aristidiano - motivo ya repetido en muchos lienzos por el artista, que desde el centro de la escena, curiosamente indicándonos EL MEDIO DIA, tira flores, sobre los acontecimientos, uniendo desde su posición central toda la narración. Esta grande figura alada, es un Angel estilizado a manera pre-colombina (figura ya codificada dentro "el estilo aristidiano") arroja flores, que por voluntad del artista son flores blancas, símbolo de PUREZA.


El arco se cierra (a mano derecha) con un tramonte, donde encontramos las "citaciones" de las obras: "Holocausto de las Razas" de R. Lewis y los Martires del Tute. En la parte donde se acerca la noche, quiso Aristides poner, los mártires del Tute como para recordarnos que en Veraguas, corre sangre de "Rebeldía", condición esencial del pensamiento libre, de la intelectualidad sin condicionamiento. Si hacemos una lectura del arco encontramos Sabiduría, Pureza, Rebeldía.



3- La Citas e interventos Conceptuales a manera

Alegórica en la obra de Aristides.
( RobertoLewis.-Carlos F. Chanmaring,- Logotipo Del Monte)
Entre los "interventos" que el Arte contemporánea contempla, el Citacionismo y el Conceptual han puesto a los artistas en condiciones de abarcar una gama de oportunidades innovadoras y renovadoras. En el caso de Aristides, la crítica lo ha definido provocador, volcánico al utilizar lenguajes como: Etno-citacionista, Conceptual, Pop art…en verdad Aristides se ha declarado ajeno a cada limitación de su creatividad, él mismo se ha definido fuera de la problemática estilística…por esto lo vemos trabajar en diversas disciplinas. Vídeo tape, Performance, Instalaciones, Happening, Pintura de Caballeto y Muralismo. Como si buscara, dentro su "experimental concepción" una interpretación personal...y en verdad, aquí, en esta MONUMENTAL obra, podemos SABOREAR el recorrido de su solitaria búsqueda.


En los años 1985-86 con sus series-pictóricas : BARROCOCONUANCES, seguida de RADIOS, ya lo encontramos trabajando en la manipulación de las imágenes. Aristides coge el emblema de la Chiquita de banana, corazones con cruces típicas de la Cristiandad, el logo de DEL MONTE, PALMOLIVE, etc. Aristides, recoge "dentro las cosas" de la memoria colectiva: imágenes publicitarias, objetos del cotidiano, retratos que nos resultan familiares; todas estas imágenes que pertenecen a la colectividad, el artista las recoge, las elabora a su manera, quitándoles el valor identificativo, para ponerlo en un contexto distinto (en este caso dentro de su obra) y que la misma tome un nuevo valor; el artista DE- SACRALISA las imágenes, DES-NATURALISA las imágenes utilizándolas y manipulándolas a un nuevo significado… Esta operación es típica del Arte Conceptual, pero en el caso de Aristides, no se limita a estas operaciones, a ella une las CITAS, a manera de recupero de la memoria. Hace ALUCIONES, como llamados a su "operación pictórica" evocando ambientaciones.
LAS CITACIONES aristidianas le permiten tomar en este caso R.Lewis, pintor que ha golpeado la fantasía de su infancia y RE_ PROPONER las imágenes de: El nacimiento de la AURORA y El Holocausto de las razas ( aula magna de la Escuela Normal ). Imágenes que pertenecen a todos, y que están en "la memoria colectiva", donde aristides a modo de rápido Flash llama y coloca en su trabajo para que lo ayude en su intento evocativo, celebrativo.
también así, para la figura que se encuentra al lado de la Alegoría de la Sabiduría de las Artes y la Literatura: El Micho, que toca un violín. Quiso aristides homenajear uno de los personajes que para él significó unas de las tantas figuras que bien representan el nivel cultural veraguense, me ayudo en esto, recogiendo las palabras de aristides:… "de pequeño, en ciertas mañanas, acompañaba a mi madre a comprar al mercado de Santiago, yo tenia pocos años. Pero recuerdo muy bien, cuando pasaba por la Barbería que se encontraba en la calle Central, cerca de la Escuelita de madera, allí veía unos cuadros colgados, muy bonitos. Cuando me paraba a verlos, mi mamá me ponía en uardia, porque se decía que estaban hechos por un marxista, y que debía tener cuidado.
Eran cuadros que representaban, michos berriones, que tocaban violines, escenas de Santiago colgadas a manera de murales en las paredes. Esa galería de mi infancia era un bello recuerdo, hasta que conocí quien era el pintor, Chico Changmaring, por quién llevo gran respeto, y me permito recordar, la escena en la cual lo vi arrestado y llevado en prisión. Chico autor de tonadas, poeta y pintor, muchas veces desterrado,..... ha imprimido a mis fatigas, un sentimiento positivo, ya que nos enseña que, en Veraguas a pesar de las situaciones coincidenciales, a las adversidades los talentos se desarrollan"...termina aristides su breve explicación sobre el MICHO que toca violín, Esta imagen Aristides la coloca al lado de la figura que representa la Alegoría a la Sabiduría de las Artes y la Literatura, como un altar al Talento.

4- Homenaje al INTELECTUAL SALITARIO

Los hombres hacen la historia.....quiso el artista, poner en realzo el esfuerzo colectivo de los muchos ,personajes que han construido la MEMORIA HISTORICA de Veraguas....es interesante como llega a esta representación.
Una galería de personajes, conocidos y desconocidos, colocados a manera de pose fotográfica o en actitud de ESPERA...los rostros de los personajes allí representados nos parecen, como reconocidos, ya que quiso el artista, resaltar el “intelectual SOLITARIO" o los hombres que con sus atributos ( Escondidos o evidenciados) han hecho realidad el progreso colectivo de Veraguas. La actitud de los personajes es SERENA y tranquila, diríamos: "Como de Espera". y comunican con el espectador con una mirada, como quien espera respuesta.

A manera de reflexión y por voluntad de Aristides, quiso agregar, este corto párrafo de otro veraguense, para que compartiéramos con él, las MOTIVACIONES que lo han llevados a trazar esta obra.
"El recordar reflexivamente mas que celebrar fechas guarda relación con hitos importantes que enaltecen el espíritu cívico y democrático. Las luchas realizadas por nuestros antepasados, deben servir de guía permanente para comprender mejor el comportamiento de los pueblos y apreciar en su justa dimensión los ingentes sacrificios y esfuerzos y el coraje patriótico, sin tanquetas ni armamentos, aunado a los riesgos personales hacia el fortalecimiento de la conciencia nacional de cara al perfeccionamiento de las instituciones republicanas.
Vale entonces recordar a nuestros próceres y distinguidas damas que, en gesto hidalgo, sirvieron a la patria dentro de su realidad histórica y lucharon virilmente hasta ver flamear en los cielos veraguenses nuestro emblema tricolor, símbolo de independencia y soberanía." Por Prof: Vicente A. Caballero D.
El vínculo entre las masas de personajes que han hecho grande una región, interrogan al presente observador, creando el motivo esencial por la cual se ha hecho esta obra. El pasado, el presente. El pasado como experiencia del vivido cotidiano que nos sirve a mejorar el presente.

5- LOS MARGINADOS (Alegoría)

Aristides, pone un marco, en la parte inferior a manera de balcón, esa solución le permite de PERSONALISAR el mural, con unos de los « modos aristidianos » que nos conduce a su personalísimo estilo. Allí coloca: Flores, casas, símbolos, ángeles, sellos, plantas, pájaros en vuelos, etc, etc...en el mismo marco hay un borde a manera de cordón, donde Aristides ha puesto unos versos del poeta veraguense Josè Franco, que hablan de la esperanza, tomados de la obra « PANAMA DEFENDIDA ». que dice :





Por eso cada aurora, cada tarde en que el monte se llena de proresta, y derrumban los cercados y cortan alambradas los labriegos, y prenden las montañas, y encienden mil làmparas de gritos, y hay salomas intensas como llanos y machetes rondando las campiñas, se abre una tracha màs, se abre la puerta hermosa de la espera"...vemos también una figura que trata de cabalgar el balcón, se trata de un limpia bota, si observamos toda la escena del mural, esta figura esta fuera de la narración, la figura del limpia bota no tiene nada que ver con toda la escena. Y bien quiso Aristides poner esta figura en esta posición, para llamarnos la atención sobre los marginados, los que están fuera de la historia, aquellos que no tienen acceso a la educación, a la vida colectiva, el artista pone el limpia bota como un ángel terreno, que nos sonríe entrando en la escena tratando de cruzar el balcón.

Vu Cumrap/ EL GRITO. LA VOZ, LAS VOCES, EL SILENCIO

(Cu-Cuà-video- Aristides Ureña Ramos)

Area San Salvi /ex manicomio de Florencia

EL GRITO, LA VOZ, LAS VOCES, EL SILENCIO
-proyecto:Vù Cumràp-
"Inadaptamientos y Integraciones”
ARISTIDES UREÑA RAMOS

(Cu-cua Video-Aristides Ureña Ramos)

En ocaciòn del MES DE LA SALUD MENTAL en las Salas expositivas del ex manicomio Florentino de San Salvi, sera presentado el "PROYECTO Vù Cumràp" del artista Latinoamericano ARISTIDES UREÑA RAMOS, estos trabajos audiovisuales realizados en los años 1994/1999 .bien representa desde su interno las problematicas de los inadaptamientos sociales y la problematica de las integraciones culturales.

---JUEVES 04 DE OCTUBRE 2007---

horas 17,30

MESA REDONDA.
Momento de reflesiones teoricas abierta a la participaciòn:
Costanza Lanzara - ANTROPOLOGA
Donatella Miccinesi - PSICOTERAPISTA
Marienella Orsi - SOCIOLOGA
Aristides Ureña Ramos- ARTISTA

Horas 21,00

Esposicion de los lienzos y presentacion del proyecto audivisivo Vù Cumràp de Aristides Ureña Ramos.

Con presentacion de la iniciativa por Alberto Brasca -Presidente del Cosejo Comunal de Florencia y Andrea Granchi - Catedratico en Pintura en la Academia de Bellas Artes de Florencia.

("Eden Travel" 100x80cm - Ciclo Vu Cumràp 1998)

Videos/DVD digital.
Presentacion:
El fuerte flujo emigratorio que esta enfrentando Europa en estos momentos, ha llevado a una fuerte inestablidad social y a una creciente alarma colectiva. El fenomeno emigratorio ha desvelado la inobservancia y la no preparacion de estos en el enfrentar estos problemas, con el resultado de constatar el fracaso de politicas de integracion.

(Vu cumràp-Video Aristides Ureña Ramos)

Estas condiciones han traido un comun sentido de inadaptamientos entre “hùsped” y “huspitantes”, especialmente en las necesidades cotidianas, alimentando tensiones alla donde las necesidades esenciales no encuentran respuestas apropiadas y soluciones concretas.
El proyecto del Titulo “Vù Comprà” ha recogido desde el 1988, atraves de Performances, lienzos, Instalaciones y Videos una serie de trabajos dedicadas a la problematica de las identidades, de las raices, de la integracion, atraves de la memoria colectiva.
La personal experiencia vivida por el artista, lo lleva a espresar en forma provocatoria el Inadaptamiento de las identidades, atraves de contraposiciones representativas, la descontextaualizacion de la realidad y la manipulacion de los conceptos.

VIDEOS:
Los Videos se presentan en un solo formato DVD/Digital. Conteniendo en su interno las dos obras de presentar “VU COMRAP” y “Banana Republik”.

Vù comràp

1-Vu Comràp (PREMISA)
Video/art

Florencia 1988/2004
DVD digital- Super 8
Tiempo: 04’32’’
2-La nonna
Video/art
Florencia 2003
DVD digital
Tiempo 1.45
3-Background
Video/art
Florencia 2003
DVD digital
Tiempo 1.55
4-Guardo e sguardo
Video/art
Florencia 2003
DVD digital
Tiempo 1.45

BANANAS REPUBLIK
VIDEOS/1996-2003

En los años 1996 hasta los años 2001 la PROAPEMEP ( Organizacion que agrupa los Asentamientos, Cooperativas de campensinos, organizaciones Indiginas y Femeniles de Panamà) presenta un rico documento donde se recoge parte de expresiones musical popular de las regiones centrales de Panamà. Para ese entonces Aristides trabaja en la serie Banana Republik, donde contrariamente niega la condicion de Sub-cultural, exaltando la tradiciòn popular del canto y las imagenes, presentandonos esta serie de Videos-Digitales muy interesante bajo el punto de vistas de las Homologaciones cultural, propniendo atravez del recupero de la memoria colectiva una nueva vision de la IDENTIDAD (1996)

Las SALOMAS son un particular “GRITO” que usan los campensinos panameños, para comunicar a distancia estados de animos de la fatigoza jornada. Es asi que existen las SALOMAS para el ARREO del ganado, para la QUEMA de potreros, para el enamoramiento. El grito de Compañia, del reto y de la discordia. Aristides usa la SALOMA para comunicarnos el desorientamiento de las identidades y sus justas valorizaciones.

Bananas Republik
(serie DE LAS SALOMAS)

1-Despertar
Video/art
Stgo.Panama1988/2004
DVD digital. Super 8
Tiempo 1.48
2-Cu-cuà I
Video/art
Stgo.Panama /1999/2003
DVD digital
Tiempo 3’14’’
3-Cu-cuà II
Video/art
Stgo.Panama 1999/2003
DVD digital
Tiempo 1’59’’
4-Mi cholo
Video/art
Stgo.Panama /1999/2003
DVD digital
Tiempo 0’10’’
5-Quemada
Video/art
Stgo. Panama 2003
DVD digital
Tiempo 0’33’’
6-Arreo
Video/art
Stgo. Panama 2003
DVD digital
Tiempo 0’10’’

04 DE OCTUBRE 2007
EN LAS EXTRUCTURAS DEL EX MANICOMIO DE FLORENCIA.
San Salvi/FLORENCIA/ITALIA

Instalacion Republik Banana

(instalacion: Vagon de un tren de cargo mercancia, modificado en su interior, adoptado con proyector DVD, Video digital Vu Cumràp 23minutos-2007)

Instalacion: "Republik Banana" ARISTIDES UREÑA RAMOS, al ex manicomio de Florencia. Septiembre 30 2007...prop. C.Balaza.Fi

"SAN SALVI una ciudad abierta"


CHILLE DE LA BALANZA
VIA DI SAN SALVI, 12 50135 FIRENZE I
TEL E FAX +39 055 6236195
chilledelabalanza@libero.it http://www.chille.it

Domingo 30 septiembre con horario 18.00 hasta media noche
Il bianco e il nero fanno il rosso?
(EL BLANCO Y EL NEGRO HACEN EL ROJO?)

El Domingo 30 de septiembre San Salvi (ex manicomio de Florencia) se trasformera en una LIBRE REPUBLICA DE LAS ARTES, proniendo en sus 5,000 mq un singular mercado de las Artes.

El pintor Amedeo Lanci realizara en vivo, junto a su Bodega: La Xilografia mas grande del mundo, sobre el tema del necesario encuentro entre los opuestos y la demarcacion de la fine del arte.

El artista Aristides Ureña Ramos (Panama) presentara su Bodega REPUBLIK BANANA con la participacion de los pintores Cristina Salas (Ecuador) - Gustavo Mestre (Venezuela) - Eduardo Nuñez, Rossana Pineros (Mexico) - Lukuku (Congo) - y los italianos Adriana Pagliarello e Alberto Gallingani.
(mas info: http://newsofcontemporaryart.blogspot.com/ )
El escultor-Pintor Fuad (Irank), Los danzadores/performances Bianca Papafava, Andreas Froeba y EriK Tomasi. Ivana Caffaratti y el grupo de danza arabe Nefesh, los pintores Rita Angeloni, Sara Biasin, Massimo Gori, Renzo Mazzafoglia, Los actores Vincenzo De Caro e Luigi Rigoni, Gabriella Aiello e Valerio Perla de los Tambores del Vesuvio, el cantante y musico Maurizio Geri de Banditaliana, Motociclistca Tellacci (Matteo Bennici, Andrea Di Lillo, Samuele Venturin), Los actores de La ACADEMIA della Follia di Claudio Misculin, el grupo Motus Danza, el cantautore Massimiliano Larocca, organista de calle: Antonio Mario De Carlo de La Taranta, los periodistas de Il Giornale de la Repubblica Chiara Brilli, Domenico Guarino, Riccardo Michelucci e Miriam Lepore.

Academia de las Bellas Artes de Florencia Tesis de Laurea de Cristina Salas Gerritse sobre la Vida y Obra de Aristides Ureña Ramos

ACADEMIA DE LAS BELLAS ARTES DE FLORENCIA tesis de laurea en Pintura de Cristina Salas Gerritsen sobre la obra del artista:

ARISTIDES UREÑA RAMOS
Artista panameño

El 26 de septiembre en las aulas Magnas de la Academia de Bellas Artes San Marco de la ciudad de Florencia, Cristina Salas Gerritsen (Ecuador) presentò en manera brillante la Tesis en "Laureas Pintoricas", sobre la vida y obra del artista panameño ARISTIDES UREÑA RAMOS.
La sustentacion tuvo como relator la historiadora de Arte Contemporanea Prof: Flavia Matitti (Universidad de Roma-Facultad de Historia de Arte) y la candidata Cristina Sala, los relatores evidenciaros el percorso artistico de Aristides Ureña Ramos y el cotinuo intento renovador impuestos por el artista atravez de sus ya famosos CICLOS PINTORICO.
Especial atencion fue dedicado, a las obras de los años 1980/1990, donde Aristides llevò una cerrada lucha sobre las problematica de las tendencias a homologarse de las Culturas, al aporte sobre la Identidad y el recupero de la memoria historica.Como tambien la presencia del artista, ayudo a la presentacion de sus ultmos trabajos, donde èl mismo artista "cuestiono" sobre sus ultimas propuestas artisticas... "El arte deja de ser revolucionario, para seder el paso a la revelaciòn" (aristides 1991)...conferiendo al nutrido publico presente, sobre un arte revelador de las cosas y no de ropturas revolucionarias.
La tesis ubtuvo 110 eloden, maximo de la evaluacion permitida. Y serà editada dentro de pocas semanas
Artista panameño
El 26 de septiembre en las aulas Magnas de la Academia de Bellas Artes San Marco de la ciudad de Florencia, Cristina Salas Gerritsen (Ecuador) presentò en manera brillante la Tesis en "Laureas Pintoricas", sobre la vida y obra del artista panameño ARISTIDES UREÑA RAMOS.
La sustentacion tuvo como relator la historiadora de Arte Contemporanea Prof: Flavia Matitti (Universidad de Roma-Facultad de Historia de Arte) y la candidata Cristina Sala, los relatores evidenciaros el percorso artistico de Aristides Ureña Ramos y el cotinuo intento renovador impuestos por el artista atravez de sus ya famosos CICLOS PINTORICO.
Especial atencion fue dedicado, a las obras de los años 1980/1990, donde Aristides llevò una cerrada lucha sobre las problematica de las tendencias a homologarse de las Culturas, al aporte sobre la Identidad y el recupero de la memoria historica.Como tambien la presencia del artista, ayudo a la presentacion de sus ultmos trabajos, donde èl mismo artista "cuestiono" sobre sus ultimas propuestas artisticas... "El arte deja de ser revolucionario, para seder el paso a la revelaciòn" (aristides 1991)...conferiendo al nutrido publico presente, sobre un arte revelador de las cosas y no de ropturas revolucionarias.
La tesis ubtuvo 110 eloden, maximo de la evaluacion permitida. Y serà editada dentro de pocas semanas

Entrevista de Vannie Arrocha con Aristides para el Suplemento Ellas de La Prensa

Entrevista de Vannie Arrocha con Aristides.
La Prensa /Ellas Junio 2007

Por la información que he leído, entendí que lleva dos exposiciones en Italia, por favor, cuénteme sobre cada una de ellas...
Si, son dos presentaciones sobre un solo proyecto: “PANAMA ESCONDIDO” presentados en la ciudad de Florencia y Vaiano. Italia

Y dígame si en cuestión de exposición alguna tiene más relevancia que la otra.
Las dos presentaciones son frutos de colaboraciones con intelectuales panameños...Y han sido presentadas dento de la iniciativa Caffè Litterario, que para este año brindò la opurtunidad a algunos artistas, de valerse de un espacio expositivo donde presentar sus elaborados.

Cómo logró obtener ese espacio para su obra, dentro del vasto mundo cultural italiano.
Caffe Litterario, es una iniciativa creada para presentar proyectos experimentales y al momento de mi llamada, quice remarcar los valores, que animan y sostienen mi concepcion artistica.
He querido presentar el esfuerzo de aquellos intelectuales panameños, que con sus empeños creativos, dan voces a realidades, mucha veces ignoradas y no valorizadas
Desde el profundo Bocas del Toro el poeta Raul Houstan, a “Versos del Pueblo” del veraguesnse Carlos F. Changmarin, a los solitarios versos de Enrique Jaramillo Levis me permitieròn, atravez de una re-interpretacion, construir una OBRA PERFORMANCES, que fue bien acojida por la direccion del evento y por el publico.

¿Hace cuánto está en Italia?
Desde 1980
¿con qué finalidad fue a este país?
Por motivo de estudios y preparacion intelectual

¿Cuál es el plato italiano qué más disfruta?
Toda la cocina italiana es de mi agrado, pero la RIBOLITA FIORENTINA es mi plato favorito

¿Cuál es su estado civil?
Casado con una florentina Laura

¿tiene hijos?
Dos, Catherina y Clarissa

¿Qué considera ha logrado con esta exposición literaria panameña y cuáles serían los frutos?
Creo en el duro trabajo y en la capacidad intelectiva de los muchos creadores panameño, atravez de estos tres poetas, he querido exaltal a aquellos que bajo la dura realidad, continua su labor lejos de faciles tarimas y falsas conquistas.
Es por eso, que mi enpeño no se preocupa de rapidos logros, ya que detras de un PANAMA ESCONDIDO, existe fuertes voluntades, alimentadas de aquellos talentosos panameños, que solo esperan oportunidades donde poder espresarse.

¿Se quedará a vivir en ese país?
Mi sueño seria 6 meses en Florencia y los otros 6 en mi Santiago de Veraguas.

Me han dicho que usted es pintor y escultor, ¿es un artista de cuántas facetas?.
El arte contemporaneo a superado estas diviciones o facetas, el artista de frente a la creacion tiene solo una actitud, que es compacta y clara: LA MULTIDISCIPLINARIDAD.
Ya que delante a los estimulos y a las intuiciones tenemos que contar con una variedad de posibilidades que nos permitan, espresar los altos valores del Arte.
Soy un artista MULTIDISCIPLINAR desde mis primeros pasos en las Ates.

¿cómo integra la poesía de estos autores panameños en su performance?
Creeo que la parte de “encuentro” entre mis interpretaciones y las poesias, esta en reconocer y exaltar aquellos lugares, fisicos, de la memoria, del sentimiento, del abandono, que estos Poetas bien remarcan en sus obras.
Mi comunion con ellos, esta en saber entrar en esa “CONDICION”, para asi poder saber trasmitir a los demas el valor de las palabras.

¿su concepto propio de los performances?
Curiosamente, en mis performances tiendo a integrar las disciplinas, ya que no olvido nunca, la IDEA de trasmitir y en la busqueda de ese objectivo, simplificò los instrumentos que me permitan lograr expresar esa idea.
Esa actitud llevan a conciderar mis Performances como poco ortodoxos y genuinos...es asi que muchas veces, vienen llamados Videos/Performances. Poesia/performances. Ect, cet.

preguntas joviales
¿toma café... dónde ha tomado su mejor taza de esta bebida?
Yo, tengo mi cita cotidiana con mi tazita de Cafè ESPRESSO todas las tardecita, lo bebò en un Bar en via Pietrapiana, servido en taza de porcelana....creo que es el mejor lugar de tomar el espresso italiano.
¿le agrada algún deporte?
Claro la maratona, practicada por mucho años y amenudo corro en competiciones amatoriales en florencia, sobre todo campestres y en montaña.
¿Cuál es su hora del día favorita?

10 de la mañana en florencia y medio dia en Panamà

2007 Iliana Bugos entrevista Aristides sobre el Proyecto PANAMA DEFENDIDO

(Foto: Aristides y Carlos Fco Chanmarin y la foto acanto Aristides con el poeta Bocatoreño Houlstan)

Café Literario, es una iniciativa del Círculo MLD de Florencia, donde se brinda la opurtunidad a los artistas de poner sus PROYECTOS en práctica en una semana dedicada al Arte, donde artistas invitados (seleccionados con anticipo), se alternan en presentaciones que van desde la Poesía Visiva, Performances, Instalaciones y Videos.

Entrevista con Iliana Burgos /Prensa

¿Por qué he escogido poetas panameños para presentarme en esta iniciativa?

Creo que es de gran utilidad dar a conocer las obras de aquellos artistas provenientes de lejanas realidades, porque de esta manera, ayudamos a la destrucción de aquellas ficticias fronteras que hacen que nos veamos divididos y contrapuestos, sin reconocer o evidenciar que a la base de todo, son las simples emociones que producen nuestras obras, por lo que nos encontramos unidos en un único intento.

“PANAMA ESCONDIDO” recoge aquellas realidades donde la identidad y la memoria sobreviven, como símbolo de unidad, consolidando las raíces históricas, patrimonio escencial de una Nación.

Háblame sobre los artistas que has escogido y de las obras que has seleccionado.

1- En el profundo Bocas del Toro, con su rico MIX de culturas entrenlazadas, lo Afro-caribeño sigue viviendo en la actualidad, bajo los versos de los poemas Naitifon, Tumbé y Anacaona del poeta bocatoreño Raúl Houlstan, alias: Urá del Dragó, tambor y pregón de la magia africana, llegando al dulce “lamento” poético dedicado a La Casa China.
Con Raúl he compartido en mis escapadas a Bastimentos, a golpe de tambor y versos, sus “cuentos-versados”
en guari-guari, expectáculos improvisados en el Kiosquito colocado en el centro de la plaza de su ciudad, donde la genialidad de un pueblo se lucía por improvisados “PREGONEROS”y “LACA-LACAS” dignos de ser inmortalizados por sus maravillosos cantes populares.

2- El CUTARRISMO: orgullo de mi suelo, literatura de avance colectivo.
La tenacidad en el tiempo, la capacidad de mantener las raíces como patrimonio de certezas para el avance colectivo. Un proyecto que mira hacia el futuro.
10 décimas cantadas, de Carlos Francisco Changmarin, sacadas de Socabón y de las décimas Versos del Pueblo.

3- Gritos y nostalgias de Colón, la soledad, la pausa memorizada que precede a la acción, el ser humano y su fragilidad.
Que yo sea, Extravíos y Bruja son versos de Enrique Jaramillo Levi. Nuestro narrador de cuentos presta sus cortos versos, cazadores del momento, suspendidos en el tiempo. Es el ESPACIO Y EL VACIO que me representa EL SILENCIO que me interesa en Enrique, a través de sus versos presentamos la parte emotiva de las lejanas tierras, desnudando nuestra fragilidad.

¿Por qué escribes “Libres interpretaciones en Performances”?¿Qué entiendes con estas afirmaciones?

Podríamos decir que mi PERFOMANCE’S se dividirá en dos momentos, muy distintos entre ellos. En el primer momento, presentaremos a manera de recital, con ayuda de una gran pantalla, la biografía de los artistas y un breve comentario sobre el contexto, también dónde viven y se han creados las obras. Éstas se recitarán e interpretarán ayudadas con imágenes creadas por mí y proyectadas en la pantalla.
En el segundo momento, entramos en el pleno performances, ya que las obras presentadas y explicadas al público, serán reinterpretadas por el grupo de artistas que colaboran en mi proyecto. Las imágenes que habían sido proyectadas anteriormente en el “recital” serán representadas nuevamente, ya que aquí está una de las claves. Esas imágenes han sido filmadas y fotografiadas en las pruebas que hemos hecho durante la creación de la segunda parte. En la práctica, es el Hilo conductor de toda la obra.

¿ Qué es para tí el proyecto “Panamá Escondido”?

Panamá Escondido es un gran abrazo a los MUCHOS artistas talentosos con los que cuenta Panamá, a aquellos que lavoriososamente se dedican a la difícil tarea de consolidación de nuestra identidad cultural desde el profundo de las provincias. En silencio, con tenacidad, lejos de las faciles tarimas y reflectores publicitarios.

Entrevista Sobre la problematica del Arte Contemporaneo. Alvaro Spagnes/ aristides

En ocasión de la publicación de la Revista Trimestral Eco D’arte - Contemporary Art, revista dedicada al debate sobre el arte contemporáneo. Recogemos aquella parte de la entrevista hecha a Aristides Ureña Ramos donde habla sobre Panama y las problematicas Artisticas latinoamericanas.
Parte de la entrevista hecha a Aristides sobre Lo Contemporaneo.
Columna: Actualidad de Alvaro Spegnesi
Eco D’arte-ContemporaryArt.
Prato-Italia Octubre-Diciembre 2006

Vemos que en tus obras tú haces constante referencia a tus orígenes. ¿Cuáles son las motivaciones que te inducen a esto?
-Sí, es verdad. A tal propósito podemos aclarar a posteriori lo siguiente: el hecho que en mi obra se encuentre siempre presente la referencia a mis orígenes, no se puede explicar como un hecho”NOSTALGICO”. ¡¡¡Atención!!! La cosa va más allá.

¿En qué sentido?
-Es el fruto de reflexiones que me acompañan desde hace muchos años.

¿Qué reflexiones?
-Trataré de resumírtelo de la siguiente manera: A finales de los años 70 se debatía sobre los beneficios y desequilibrios que traería la Globalización, se abría un gran debate histórico en donde las problemáticas de la homologación de las culturas se veían desde puntos de vista contradictorios. A través de los nuevos mecanismos informáticos, se preveían cambios radicales en el seno de la sociedad y en el horizonte ya se atisbaban los “peligros” que esta nueva realidad comportaría, sobre todo en las culturas más frágiles. Así mismo, inevitablemente, los mecanismos Informáticos se desarrollaban y la “Gran Aldea Informática” era un hecho incontrovertible. Por otra parte, el gran reto de un reconocimiento recíproco de valores como patrimonio común situaba en el centro del debate las problemáticas de la IDENTIDAD.

De hecho Arístides, las Vanguardias Culturales de aquel período, afrontaron esa temática- desde la Bienal de Venecia, a la Documenta de Kassel o la Bienal de San Paulo. De tus afirmaciones deduzco que tu intervención en pro de la recuperación de la memoria, es una forma de afirmar la presencia de tu identidad.
-Bueno, ubicado en el momento histórico que te he descrito, podría decirse que Sí.

Aparte del momento histórico reciente que tu has ya explicado, sumado a la actual problemática de los flujos emigratorios que nos sitúan ante nuevos retos, has explicado ya el NO NOSTALGICO de tu obra, pero yendo más a lo concreto, ¿cómo una realidad tan pequeña como la de tu país de origen, Panamá, ha influido o puede influir sobre estos procesos?
-Con las nuevas generaciones.

¿Puedes ser más preciso?
-Bueno, veo que insistes en hablar de Panamá.

Claro, tu presencia artística se ve condicionada por este hecho. En esta revista hemos presentado muchos de tus aportaciones y quisiéramos brindar a nuestros lectores más detalles sobre tu mundo.
-El Mil Novecientos Latinoamericano ha producido personajes que han aportado, a través de sus obras, nuevos valores humanísticos y de cambio, sociales y culturales. Yo nací en Santiago, en la región de Veraguas, un territorio que ha tenido ilustres figuras que han colaborado en este proceso.
Mira, allá por los años 1988, fui invitado a la Bienal de Venecia: “El lugar de los artistas” era el título que agrupaba a los artistas en tal evento. En ese período se discutía sobre la identidad en crisis, en la que se resaltaba el reconocimiento de valores estéticos distintos a la concepción de la cultura dominante. En este contexto, a mi regreso a mi pueblo natal (Santiago, en 1991) llegó a mis manos un libro dedicado al Folclore Montijano. Lo había escrito Francisco Chanmarin y captó mi atención en aquella parte donde él afrontaba la problemática del Folclore. El autor sostenía que “No existe Cuna del Folclore” y con brillante elocuencia explicaba el valor de las expresiones artísticas como tales y las definía como fruto y patrimonio de identidades que participan - y nunca en competencia entre ellas - a una identidad colectiva. En suma, desde un pueblo lejano se recogía con sagacidad la sintonía entre el pensamiento contemporáneo y el debate existente en Europa.

¿Había una Escuela donde esas enseñanzas se trasmitían a las nuevas generaciones?, ¿Esas generaciones de cambio que tu citas?
-No, no es exacto, la figura de Francisco Chanmarin es una figura todavía por descubrir. El pensamiento universal que le es propio es una gran aportación al pensamiento contemporáneo que se traspasa a las nuevas generaciones. Las concepciones de alta calidad intelectual no mueren: quedan como testimonio indestructible para las nuevas generaciones. ¿Puedo darte otros ejemplos?.

Adelante.....
-Hay ciertas coyunturas temporales, que tratan de obscurecer el férreo trabajo y las grandes intuiciones de hombres de alto calibre. Mira, yo viví mi infancia en el aprendizaje empírico de grandes personajes veragüenses. No tuve la oportunidad de frecuentar una Escuela de Bellas Artes hasta mi regreso de Europa. Entonces me sumé a la gran batalla que entablaban algunos colegas artistas bajo la dirección de otro veragüense, Adriano Herrerabarria “El hombre pre-destinado por las brujas de las Peñas a tumbar la tupidas selvas y abrir espacios donde enseñar los obscuros secretos del rojo de los achotes y encender los alambiques donde producir los colores de las mariposas”. Las creaciones de los planteles educativos de Artes Plásticas en las zonas del interior de mi país fue un voluntarioso esfuerzo con una fuerte componente visionaria que contribuyó a fortalecer nuestro patrimonio creativo y de profundo amor para las nuevas generaciones.

¿En un escrito tuyo vi una severa crítica relativa a estos temas. Aquí te leo: “País de hombres con gran talento sin posibilidad de carrera, y hombres que hacen carrera sin talento”. ¿Qué me dices a tal propósito?.
Un momento, yo sostengo esa tesis, pero el contexto de esta afirmación, era la siguiente: la pobreza de una nación se puede constatar cuando existe el riesgo que hombres de gran potencial creativo no encuentren el respaldo necesario para desarrollar sus capacidades ante una realidad en la que la incapacidad intelectual viene premiada como “modus vivendi”, regular y sistemáticamente.

Tú, a través de esta Revista, en un artículo “POLEMICO”, evidenciaste la ausencia de criterio de la última Bienal de Venecia, un artículo que abrió en nuestra revista un FORUM de intercambio de opiniones. En algunos pasajes ligabas este evento a los efectos que éste provocaba en los países del Tercer Mundo, con énfasis en la América Latina. Tú los llamaste "Efectos Interpretativos y Aproximativos”. ¿Qué me puedes decir a este respecto?.
-Antes tenemos que recordar, a modo de crónica, que el artículo justificaba los problemas con que se toparon las comisarias, María del Corral y Rosa Martínez, ya que no tuvieron el tiempo necesario para organizar adecuadamente tal evento. Y como todos sabemos, ésta fue una Bienal de transición donde los comisarios fueron nominados en el último momento. En este contexto la discontinuidad respecto a los temas de la nueva realidad productiva artística, un filón restringido a la repetición de conceptos ya tratados con anterioridad, desembocó en un vacío o falta de criterio en la representación de la contemporaneidad.

¿Por qué decías Efectos “Aproximativos y Interpretativos” respecto a las realidades del Tercer Mundo y, sobre todo, de América Latina?
-El gran acontecimiento que es la Bienal de Venecia tiene un impacto increíble en los demás países. Es como un gran contenedor de informaciones sobre la cultura contemporánea y en esta ocasión, a través de sus comisarios, recoge los “enunciados” que han motivado las últimas tendencias, ayudándonos a la comprensión de las mismas. De ahí que el “espíritu crítico” sea necesario para acercarnos a tal evento- porque el mismo apelativo utilizado, “Enunciados”, lo incorpora en la medida que a través de una atención crítica se llega a comprender mejor las motivaciones que justifican esos mismos “Enunciados”. Cuando las obras no se corresponden a las motivaciones principales del evento, se crea una ruptura de credibilidad respecto al mismo, lo que nos conduce a una actitud de verificación de los enunciados y de las obras para que, de esta manera, pongamos en juego nuestras certezas. La actitud de sumisión es típica de lo aproximativo. Y el anunciar la Bienal de Venecia 2005 sin la ayuda de un criterio autónomo, nos lleva a la aproximación, gesto muy común en ciertas personalidades de la Cultura de ELITE latinoamericana, volcadas a la exaltación a-crítica de este evento.

¿Y lo de “Interpretación"?.
-Creo que ya te he respondido, si eres aproximativo, no puedes interpretar con autonomía sobre los verdaderas problemáticas contemporáneas, con la conclusión de que alejas de manera discriminatoria a los artistas.

Bueno, un problema frecuente, ya que la preparación de una Bienal comporta muchas dificultades.
-Claro, esto es cierto, como también es cierto el hecho que las problemáticas de las expresiones artísticas en su actualidad viven, son patrimonio de todos, y en ese sentido tienen que ser divulgadas en su verdad.
Prato 21 de Diciembre 2006

ME-TE-DO Entrevista Sobre la situacion Centroamericana/ Daniel Domingues-Aristides

("Alla en mi Pueblo" corto-video Aristides Ureña Ramos)

Entrevista con Daniel Domingues/ Aristides, para “La Prensa” Diciembre del 2005 ......(con presentacion el 26 de febrero 2006 / Mosaico-La Prensa).

En ocaciòn de la presentacion del PROYECTO ME-TE-DO.

-A partir de lo que se mostrará, ¿cómo ves la situación social en los países Centroamericanos?
Creo que hay que hacer una distinción al hablar de la situación social de los países Centroamericanos, ya que encontramos que algunos de estos países se fatigan por actualizarse a los “estardas” sociales y democráticos de los demás países Latinoamericanos. Pero el fervor encontrado por alcanzar esos niveles, se denotan a través de los temas afrontados por sus artistas y planteados con sutil capacidad.

-¿Cómo evalúas la producción de obras digitales en el área centroamericana?
-Los mecanismos que el Arte Digital ha abierto en estos países merecen una atenta valoración. Ya que el Digital, vista como nueva “posibilidad expresiva” a brindado a los creadores un MEDIUM de fácil manipulación, cada día mas económico y sobre todo accesible a todos, fenómeno de masa que permite a través de nuevos caminos exploraciónes que llevaran a resultados inesperados.

Obras como las de el salvadoreño Milton Doño referente a las masacres campesinos de los años 1930 en donde la espina dorsal de la narración viene expresada alternando lo documental al flash back emotivo, nos proyectan en reflexiones sin tiempo, que parecen lejanas pero actuales. La Costarricense Lucia Madriz con tres obras donde enfrenta sin inhibiciones la situación de la mujer Latinoamericana, Mimian Fung Hsun con su bello trabajo de nueva identidad Chino-Costarricense, los trabajos de Henrique Castro Ríos panameño que ya sorprendió al publico florentino con su Video instalaciones en la expo Identidad x 3, con su nuevo trabajo que ya anuncia optima acogiencia. Ana Luisa Sánchez (Panamá) con sus trabajos de clara timbro comunicativo-provocatorio. Hugo Ochoa (Honduras) videos-retablos donde el profundo Honduras testimonia su verdadera identidad. Regina Aguilera (Hondura) con el grupo “los artistas de la Calle”. Son algunos ejemplos de ese gran deseo de comunicar y de valorizarse a través de este nuevo medio expresivo y anhelante de encontrar tarimas locales e internacionales en donde poder enfrentarse.
En los últimos años se ha visto una creciente producción de obras digitales en el área centroamericana. Nuestra idea ha sido escoger a aquellos artistas más representativos que a través de su trabajo digital han dado“testimonios” documentados y recuperados de la memoria colectiva y larealidad cotidiana de centroamérica. Dando a conocer de esta forma el potencial creativo de los artistas así como también de su realidad social.

-¿Todos los países de la región ya confirmaron su asistencia?

PROYECTO ME-TE-DO es un proyecto abierto y como tal de agregación. Con el 25 y 26 de febrero no se concluirá su realización. Faltan al apelo artistas como Regina Galindo, José Osorio (Guatemala) Moisés Barrios, Oscar García (Nicaraguas) que se sumaran en la presentación de Berlín y Bruselas.-Pero la representación de todos los países esta asegurada. Además de contar con colaboradores, Museos, galería, instituciones Centro Americanas que han brindado un fuerte apoyo al proyecto, sin el mismo este no seria una realidad.

-¿Algunos de los artistas que participarán se trasladarán a Florencia?
No todos, algunos viajaran a esta primera presentación, ya que algunos de ellos se encuentran en Europa por motivos de estudios o de giras culturales.

-¿Por qué solo algunos días?
Ambasciata di Marte es un lugar para el desarrollo de la creatividad, se alterna Teatro tradicional y de vanguardia, encuentros culturales de lectura de Poesías y presentación de libros, muestras pictoricas, performances, presenta proyectos musicales y cuenta con su propia sala de grabación, se encarga también de proyecciones de documentales y cortometrajes, Ambasciata Di Marte no pretende ser ni galería, ni museo, ni institución cultural.
Cuenta con un calendario muy original y diverso, gracias ha esta nueva forma de organización, hemos logrado ser punto de encuentro para el mundo cultural, y lo novedoso esta en la breve duración de sus eventos (aunque algunos proyectos o eventos se repiten en periodos diferentes) Es fácil encontrar en nuestros eventos: Galeristas, promotores, coleccionistas, una basta gama de personajes motivados por la variedad de nuestras propuestas. Por este motivo los eventos tienen breve duración.



LA EXPOSICION DE FOTOGRAFIAS QUE HACE PARTE DEL PROYECTO Y EL GRUPO QUINCHA

NICHOLAS WYNIA
“Honduras: Un país, un Istmo.”
“Honduras: A Isthmus country”
Obras Fotográficas
Del 25 Febrero al 11 de Marzo

El grupo Musical Quincha.
Mira yo e escogido el grupo QUINCHA de Panamá, PARA INICIAR EL EVENTO... quise abrir la presentación a el estilo Latinoamericano con la música y en alegría...Porque Quincha? mira esa canción “No ha pasado ni...” esta compuesta por una muchacha de 22 años, todo el grupo es joven, su música mezcla ritmos y recupera una tamborera con eficaz resultado....el video Clip que presenta esa canción esta hecho con técnica esenciales (video camera normal) pero con sagaz resultado...lo puedes ver en www.quincha,com este trabajo además de ser un intento de la vida real de artistas jóvenes panameño digno de ser promovidos, se alinea con el espirito de Me-te-do.

Presentacion de ME-TE-DO

Maison du peuple de Saint-Gilles- Bruselas-Belgica
Junio-2006

SOBRE ME-TE-DO.

Me-Te-Do aims to be an ‘auto-anthropology’, where artists describe the various terrains of their own social environment in Central America through the lens of video art. New technology has begun to be adopted by many artists as a further means of expression beyond tradition painting, tracing the local and regional search for identity. Works of 18 artists that range from Chiapas past the canal of Panama are included in this open project, which has developed with the collaboration of museums, foundations, and galleries across Central America.

Ana Luisa Sanchez Laws – Angie against the World – 6 min Panama
A virtual video game simulating the forgotten sentiments of a population under siege




José Alberto Arce - Untitled – 2 min Costa Rica
A symbol of invincibility goes for a trip through the countryside. Is the power real or just full of hot air?

Lucia Madriz – Stigmata – 2 min Costa Rica
Critics the taboo of the woman’s body in Latin American society with a minimalist style

Edgar Leon – Counter-weight /Green/Red – 3 min Costa Rica
The ubiquitous coke bottle becomes a positive actor and a witness to destruction

Joaquin Rodriguez del Paso – Untitled – 2 min Costa Rica
Juxtaposes the poetry of nature with the flood of images that deluges modern society

Florencia Urbina – Manifies-tica ­– 3 min Costa Rica
Manipulates images of a tumultuous day in the city to

Hugo Ochoa – Blue White Blue ­– 5 min Honduras
Video portraits documenting the present day people of Honduras, while questioning nation symbols and their origins

Sergio Fermin Bermudez Molina – The Black Hens ­– 6 min Chiapas-Mexico
Intermingling an indigenous healing ritual with images of a Zapatista rally in an attempt to find lasting harmony in his homeland

Regina Aguilar – Centroamerica Now – 5 min Honduras
A disturbing look at the violent world of drugs and gangs in Honduras

Enrique Castro Rios - .kr, .pa, .sa – 3 min Panama
3 ‘video postcards’ from the intersection of global, local, and individual identity

Esau Adonias Ruiz – Side – 2 min Honduras
Explores the nature of subjectivity and the basis of discourse

Mimiam Fung Hsu – Identity x3 – 3 min Costa Rica
A gastronomic tour of the ethnicities that define both the artist and her country

Los Artistas de la Gente – Nos Vale Verga – 6 min Honduras
Compelling images of social protests sprinkled with political satire

Aristides Urena Ramos – There in my Town ­– 8 min Panama
Illuminates the various avenues of a cultural crossroads through documenting festive preparations







Allan Mairena – Gravity – 1 min Honduras
Animated poetry dealing with fluidity and isolation

Byron Mejia – Play, Arm, and Learn – 6 min Honduras
Shows harmless dismantled parts and the ominous whole that
comprise the ubiquitous small arms

Alejandro Ramirez – My Ambiguous Darling Town­ – 2 min
Costa Rica
A graceful survey of slumbering street dwellers

Abner Benaim – A Tour of my House ­– 2 min PanamaA guided trip through the everyday environment of the artist

ME-TE-DO

( Memory-Testimony-Documentation): Video Art from Central America
Curators: Cristiana Chiarantini, Jason Waite, Aristides Ureña Ramos.




Central America is an isthmus of balance, influenced by vertical traffic, as well as horizontal. This crossroads is a meeting ground for many ethnicities; from the indigenous Indians, Europeans, African slaves to the recent arrival of immigrants who look to the ‘new world’ as a land of opportunity. This heterogeneous ‘global village’ can be considered a micro-example of the societal evolution in the 21st century; hybridization of cultures and populations. The exhibition focuses on the collective social experience of the ‘region’, defined as singular, though every border separates a distinct and unique history.
ME-TE-DO: Memory, Testimony, Documentation acts as an umbrella sheltering the various types of work from personal odysessies to political protest, the title is simultaneously ominous, recalling the guidelines to help reconcile a victim of a traumatic event. Works of over 25 artists that range from Chiapas past the canal of Panama are included in this ‘open project’, which continues to develop with the collaboration of cutting-edge museums, foundations, and galleries across Central America. Among the diaspora of artists, Lucia Madriz, strips video down to its bare essentials displaying the simple transition from a smile to frown as a metaphor for the condition of women in Latino society, Mimian Fung Hsu dissects her Chinese-Costa Rican background into a series of humorous meals, proving that ‘variety is the spice of life’. Traversing the minefield of violence that haunts Honduras, a nation reverberating with the repercussions of civil war, Regina Aguilar performs an exorcism to cleanse the communal conscious.
Instead of the conventional exhibition format, we propose to create a series of evenings utilizing the museum’s exterior as a multidimensional membrane on which the works are projected in various locations. The art, in effect, seeps through the walls to interact directly with the public and the environs, highlight the unique architectural structure that was originally composed to incorporate the landscape and community. The ambient pathways through the sculpture garden that lead visitors to the entrance will be transformed into an exhibition space creating temporary portals to distant parts of the world.

We would also like to further the contemporary techonolgical innovations by creating a video Pod Cast of ‘trailers’ for the exhibition that will be avalilbe free on the museum’s website.
Artists:
Hugo Ochoa, Mejia Byron, Alan Mairena, Regina Aguilar, Esaù Adonais Ruis, Juaquin Rodriguez del Paso, Alejandro Ramires, Lucia Madriz, Florencia Urbina, Mimian Fung Hsu, Jose Alberto Arce, Habacuc, Ana Luisa Sanchez, Henrique Castro Rios, Aristides Ureña Ramos, Milton Doño, Sergio Bermudez, Abaner Benaim, Alicia Zamora, Oscar Garcias, Luis Ponces, Moises Barrios, Los Artistas de la Gente e Regina Galindo
Paese Participanti: Guatemala, Costa Rica, El Salvador, Honduras, Nicaraguas, Panamà e la regione del Chiapas (Mexico).
Collaborators:
Bayardo Blandino( CAVC Centro Artes Visuales Contemporaneos) HONDURAS; Carmen Aleman (Galeria ArteConsult) PANAMA; Carlos Enriques Consalvi (Museo de la palabra y la imagen) EL SALVADOR; Maria Luisa Angulo (Portal CLIP) EL SALVADOR; Maria Josè Monge (MADC museo de Arte y Diseño Contemporaneo) COSTA RICA
Participating Countries:Guatemala, Costa Rica, El Salvador, Honduras, Nicaraguas, Panamà e la regione del Chiapas (Mexico)

2005 Entrevista con Rosalina Orocù Mojica

Entrevista con ROSALINA OROCU MOJICA con ARISTIDES.
Publicada en PANAMA AMERICA
en la Columna “ESTILO de VIDA” –Mayo 2005.


¿Cómo se inició en la pintura?
-Provengo de ese ramoso grupo de artistas autodidactas crecido en el interior de la República, que no sucumbió ante la falta de Escuelas de Bellas Artes. En mis primeras inquietudes artísticas fui guiado por mi abuelo Samuel Ramos y por Adriano Herrebaria. Tuve también la oportunidad de apreciar las fábulas pictóricas de Francisco Changmarin y de soñar bajo las Grandes telas-murales de Roberto Lewis de la Escuela Normal de Santiago.
La familia de donde provengo tuvo un papel importante en mis inicios: compositores, músicos, pintores y sobre todo con una particular atención hacia el folklore.

¿De dónde es usted?
-Soy Veraguense, nacido en Santiago.

¿Cuál/cuáles sus musas inspiradoras?
-Convive dentro de mi un sueño: ...que esa musa inspiradora guíe mi expresión artística hacia una identidad que sea a la par de la dignidad cultural panameña…Ese es mi sueño.

¿Cuántos años lleva dedicados al arte pictórico?
-Desde pequeño, desde cuando ayudaba a mi Madre a confeccionar flores de papel crespón y paisajes para pesebres de navidad.

¿Qué técnicas prefiere? ¿Y por qué?
-No excluyo ningún tipo de técnica. El artista contemporáneo tiene que dominar las diversas disciplinas expresivas para poder así concentrarse en la problemática creativa, sin exclusión a priori de ninguna posibilidad.
Cuanto más preparado está el artista, mayores resultan las posibilidades de decisión sobre el “quehacer” artístico y en consecuencia se refuerza la obra. Es por eso que me definisco un Artista Multidisciplinar desde mis primeros pasos en el ambito artistico.


¿Cómo se titula la muestra que exhibe en España?
-3 X 3 Autores..(tres por tres autores)
“Diálogo hipotético sobre un tema”

Se trata de una colectiva donde los artistas Mario Botta, Kunters Williams y yo, bajo el manto de un tema dialogamos y elaboramos hipótesis variadas. En este caso hemos escogido los temas de “EL MITO”, “LA RELIGIOSIDAD” y “LA RITUALIDAD”.
Las obras que componen la exposición van desde intervenciones en lienzo, a fotos, instalaciones y videos.

¿Cuánto tiempo durará la exhibición?
-La exposición se inaugura el viernes 22 de Mayo y se prolongará hasta el 10 de Junio.
El lugar es un bellísimo espacio que se encuentra en un barrio industrial de Barcelona. OFICINAS MECANICAS es una estructura, recientemente recuperada de la degradación urbana y puesta a disposición de eventos culturales contemporáneos, donde se alternan exposiciones, teatro de vanguardia e iniciativas de varios tipos.

¿Quién lo invitó?
-La dirección de OFICINAS MECANICAS, presente en diversas iniciativas culturales en Italia, había ya apreciado nuestro trabajo, proponiendo de forma casi provocativa, la unión de tres expresiones distintas bajo un único tema. Y tal vez sea ésta la gran novedad.

¿En cuantas exposiciones individuales/colectivas ha participado?
-Bueno, son momentos de mucho trabajo. En Marzo 2005 presenté una exposición personal “EAU de COLOUR’s” en Bruselas, al igual que una colectiva con mi galería en Berlín. En Panamá hice una colectiva en las galerías Habitante y Arte Consult, que me dan su precioso apoyo en mi tierra. Actualmente estoy trabajando en un proyecto sobre “Juanita Banana”...la chiquita. Una provocación sobre la recuperación de la memoria histórica, que será presentado en Florencia, Italia, bajo el patrocinio de su Municipio.

¿Qué aconseja a los pintores principiantes para tener éxito?
-No creo que existan fórmulas mágicas en el trabajo que lleva a la consagración de un artista...y las personas humildes lo saben. Creo que sobre este punto es muy pertinente recordar un dicho que proviene de allá de los lados de Montijo de Veraguas, y que dice así. “Hay que trabajar duro bajo el sol para poder comer a la sombra”

2004 Entrevista sobre WUANTANAMO 2004

ARISTIDES UREÑA RAMOS...LA ACTUALIDAD CULTURAL 2004.

Borghini Fabrizio entrevista Aristides

WUANTÁNAMO- 2004
ARÍSTIDES UREÑA RAMOS

Esta iniciativa nace bajo el invito de la Galería FYR arte contemporánea de Florencia en la ocasión del inicio de la temporada expositiva 2005-2006 en los nuevos locales de VIA DELL’ACQUA recientemente inaugurados dedicados al Arte Contemporánea. Dicho espacio a sido creado para acoger las últimas tendencias y nuevas propuestas artísticas.
El curador de la Muestra Jason Waite escogió la Vídeo-Instalación WUANTÁNAMO 2004 de Arístides Ureña Ramos para presentar juntos a Michael Patrick Edwards – Bobo Ivancich– Thomas Callahan – Nicola Martini este evento. Todos estos artistas trabajan en relidades y contextos distintos y en diversos lugares del mundo, (solo Martini bajo la guia de Aristides presenta un trabajo de Intervento Urbano), asi mismo todos ellos fueron unidos bajo la etiqueta de RECLAMATION por Jason Waite en un intento unico que se desarrollarà con asiduos performances durante el periodo de la muestra.

Titulo de la Muestra RECLAMATION
Inaguracio: Jueves 13 de Octubre a las horas. 18.00
Lugar: Galeria FYR via dell’acqua-Florencia,Italia
Durada: 13 de Octubre al 31 Octubre 2005

Arístides: ¿La Obra que han escogido para exponer WUANTÁNAMO 2004 a qué se refiere?.

-Bueno; WUANTÁNAMO nace en el 2004 como Vídeo-Instalación, pero para esta ocasión hemos decidido exponerla solo su parte ambiental, así que presentamos la INSTALACIÓN, sin sus vídeos.

¿WUANTÁNAMO 2004 es una obra de denuncia?.

-No, diría que WUANTÁNAMO 2004 es una obra actual, es una atenta lectura de la realidad, de los eventos que dramáticamente implican el mundo. Wuantánamo fotografía ese vacío creado, en donde el respecto de los valores primordiales de los hombres vienen a menos y acogidos con pocas consideraciones...si para ti esto es denuncia, pues esta bien, yo no me pongo preconceptos a las etiquetas, bien vengan.

¿Pero es claro que te refieres a la base Naval Americana de Guantánamo en Cuba?
-Sí, la obra nace bajo esa referencia... pero va más allá de ello.

¿En qué sentido?
-En el sentido que a través de la descripción de la obra se envuelven más de una anécdota. Si observas bien la obra, notarás que dentro de una jaula de metal, se encuentra prisionero una persona encapuchada; generalmente las imágenes que los Medios de la Comunicación nos han constantemente enviados, vemos como desde la base militar de Guantánamo, nos hacen ver prisioneros con vistosos fosforescente vestidos de color naranja, pues yo he colocado dentro de mi jaula-Prisión una persona normalísima y por de más encapuchada.

¿Y porqué no ha colocado un terrorista de esos que los Medios nos han acostumbrado a ver?
-Pues, es aquí donde la obra tiene su clave de lectura. Yo dentro de la Jaula he puesto una persona Normal, diría “una simple persona” porque quise representar con esto, a nosotros mismo, a aquellas personas que bajo un bombardeamiento de aproximadas y manipuladas informaciones, se quedan aisladas, fuera de una equilibrada Información.
Creo que estamos viviendo una tragedia epocal donde el control de la “Información” coloca a ciertas personas en estado de emarginación intelectual.

¿Wuantánamo cómo lugar de emarginación intelectual?
-No solo como emarginación Intelectual, diría como fotografía de “Ausencia del Intelecto” situación cómoda para aquellos que controlan “los medios de comunicación”.
Pero como te decía anteriormente Wuantánamo 2004 comunica más de una anécdota. Esta obra encierra- como en todas mis Instalaciones- momento de reflexión colectiva partiendo de conceptos simples que se desarrollan a través de manipulaciones de eventos, hechos, conceptos que hacen parte de nuestras preocupaciones cotidianas.
Ya desde su anterior presentación los comentarios que surgieron sobre WUANTÁNAMO 2004 algunos a favor y otros contrarios, daban lugar a un “Juicio” de la obra, me pareció de por si un acto importante, ya que el libre debate y la discordia en torno al argumento que esta obra abre, hace de ella su razón de existir y confirman las motivaciones que me inspiraron a realizarla: Activar mecanismo que despierten el interés al ejercicio de valores como la Justicia y la práctica a la libre información.

--Volcánico, Provocador Incansable, Manipulador de Mitos y Conceptos son algunos apelativos que han dado de ti y hacen parte de tu biografía...... ¿Cómo tú te defines, al interno del mundo del Arte?.
-Bueno, creo que no compite a mí darme una definición dentro del mundo del arte, eso queda a los históricos especialista en las Artes.

--Sí es verdad, pero una concepción de ARTE seguramente sostiene todos estos trabajos tuyos... ¿El hecho que te moleste ser llamado pintor?... ¿Que me dices de estas cosas?.. Sin esquivar las preguntas.
-No, yo no estoy esquivando nada..Mira, es claro que detrás de mí hay una concepción artística muy radicada. Creo que el artista contemporáneo de frente a los estímulos que estamos sometidos no puede castrar sus intuiciones creativas debajo de una sola disciplina expresiva... Percepciones olfativas, visivas, sonoras y gustativas a través de la elaboración mental de los recuerdos, de lo onírico, de lo ancestral, de los instintos primordiales remotos, se proyecta a través del artista, originando un trabajo que busca, verifica en el cotidiano o en el contexto social. Es por esto que las Artes han Documentado y Testimoniado los distintos periodos de la Humanidad, como también la riqueza de su diversidad.
El Arte es la expresión más íntima de los seres humanos y representan, bajo sus elaboraciones la sublime síntesis del intelecto... a través de estos estímulos nos acercamos a la pureza del creado, soportados de una divina práctica llamada inspiración.
En nuestro último Siglo, las Artes han tenido una veloz aceleración hacia estos conceptos, de hecho el Arte Contemporánea es tolerante a cada tipo de expresión artística, la Inter.-disciplinaridad es una de sus características primordiales... veo fuera de lugar llamar a un artista, que tiene una clara UBICACIÓN dentro del actual panorama artística PINTOR, ya que el mismo apelativo resultaría limitativo a la bastedad de su trabajo. Además de disminuir la consideración de quién lo usa, ya que demostraría poco conocimiento de la obra del artista.
Mis trabajos que se proyectan en CICLOS, cuentan con soportes diversos y lenguajes diferentes. Que van desde Lienzos, Videos, Performances, Happening y Instalaciones cuyas disciplinan muchas veces se encuentran entre ellas mezcladas. Son estos los motivos que me molestan cuando se usa el termino PINTOR.

Bananama, Banana Republik, Eua de Colour’s, Sudarios todos estos títulos hacen parte de tus últimas producciones— ¿Denoto una latente preocupación tuya hacia el presente?
-Bueno, no en todas- creo que mi trabajo engloba una basta red de búsquedas- es claro que entre las sensaciones que dentro de mí se anidan, encontrarás preocupaciones y inseguridades, como también encontrarás otras sensaciones.

Wuantánamo 2004 siendo una obra de alto calibro, seguramente te proyectará -- como has ya acostumbrado a tu público- al grande escenario de la disputa sobre las problemáticas artísticas Contemporánea...... ¿Qué te esperas de la crítica con esta nueva presentación?.
-Si te digo que nada, sería deshonesto... como en todos mis trabajos, siempre que me atengo a realizarlos, miro en fondo las motivaciones que me llevan y sostienen durante su elaboración. Con WUANTÁNAMO la obra llega a ser completada, con la integración del juicio final del público y de la crítica... solo bajo esta condición la obra puede ser considerada terminada.

Arístides, te felicito por esta magnífica obra, que permite a mí como conductor y a los telespectadores que siguen numerosos esta trasmisión ser parte conclusiva de tu obra. Y creo representar sin duda alguna el deseo de todos de acompañarte el 13 de Octubre a tu inauguración.

Proyecto "SUDARIOS" 2003/2005

(Maras/tatuage)

“ LOS SUDARIOS”
2003-2005
Bruselas-florencia

Aristides Ureña Ramos es un artista de origen Panameño recidente desde hace años en Europa. De marcado carácter “provocatorio” el trabajo de Ureña Ramos propone examinar algunos de los conflictos socio-político actuales así como examinar temas tan delicados como la marginaciònes de los paices en desarollo y las migraciones.

Sus “elaborados” espacian desde: instalación, Videos, performances y lienzos como soporte para sus obras, acojiendo dentro estas claros compromiso político que lo sitúa dentro la actualidad.
En la serie “Sudarios”, pone su atencion sobre la marginaciòn y las consecuencias de violencia que ella comporta. Temas como trafico de Droga, trafico de personas y la violenza de pandillas vienen evidenciadas bajos sabientes manos artisticas.

Aristides entiende sus sudarios, como delicados pañuelos de linos, aveces de telas, utilizados para limpiar el sudor, aquel sudor de gentes comune que viven dentro de lo cotidiano, los conflictos de sus propias sobreviviencia.

El drama, el dolor vienen propuestos en forma de rapidos trazos a la manera de infantiles comics, la iconografia usada tomadas de los “tatuages” de los pandilleros centroamericanos nominados MARAS se distienden por do quier, entre estos pañuelos ha intercalados “aguas santeras” con imagenes de Santos protectores, recordandonos anteriores trabajos, ya presentados por este artista, en donde nos evidenciava el confuso “sincretismo religioso” presente en la actual cultura popular latinoamericana.

Grande trabajo evocativo, con “Sudarios” tenemos la oportunidad de apreciar, el precioso aporte que Aristides Ureña Ramos esta dando a la cultura contemporanea, bajo un genuino efoque personal, en donde aquellas lejanas periferias-culturales hoy toman poseso propio, al centro de la problematica global, con orgullosa personalidad.

La instalaciòn "SUDARIOS" cuenta con 50 piezas. (15 aguasanteras en porcelanas y 35 paños-iconos)

Video SENDEROS

SENDEROS

NUEVO VIDEO ARTISTICO DEL ARTISTA ARISTIDES UREÑA SERA PRESENTADO EN CENTRO AMERICA.

The new artistic video by Aristides Ureña Ramos will be presented in the center of America.

"SENDEROS", ES EL TÍTULO DEL VIDEO ARTÍSTICO QUE PRESENTARÁ EL ARTISTA PANAMEÑO: ARISTIDES UREÑA RAMOS, EN PRESTIGIOSOS MUSEOS Y GALERÍAS DE CENTRO AMÉRICA, DURANTE TODO EL MES DE JUNIO.
"SENDEROS" is the title for the artistic video presented by the panamanian artist: Aristides Ureña Ramos in prestigious museums and galleries in central america, through out june

CONTEMPORARY ART NEWS......................revista cultura contemporanea

Proyecto Cultural EL SITIO /GUATEMALA






coordinador:GerardoGarcia del Cid (artista): Gerardo Garcia del Cid (artista)
5a. Calle Poniente - 15- La Antigua Guatemala/GUATEMALAgerardogarcia@elsitiocultural.orghttp://www.elsitiocultural.org/
-ESPACIO: Sala principal del centro cultural.
-FECHAS: Presentacion los domingos 3,10,17,24 de Junio antes del cine dominical.

MUSEO DE LA PALABRA Y LA IMAGEN /EL SALVADOR

Cordinador: Carlos Henriquez Consalvi /Director

27 Av. Norte 1140, col. La Esperanza – San Salvador/ EL SALVADOR
museopalabra@telesal.net
http://www.museo.com.sv/
-ESPACIO: Sala Museal con proyeccion Digitalen.
-FECHAS: desde el 01 de junio al 30 de junio /Proyecciones en orarios del museo.

CENTRO DE ARTES VISUALES CONTEMPORANEO DE MUJERES EN LAS ARTES CAVC/MUA /HONDURAS

Coordinador: Bayardo Blandino/Director Artistico y Curatoria
cavc@muaartes.org.hn
http://www.muaartes.org.hn/
-ESPACIO: Video proyecciòn data show/DVD; Sala de Proyecciones CAVC/MUA
-FECHAS: Programacion Cabina Maniobra 13-14-15 / 20-21-22 / 27-28-29 de Junio.


GALERIA ALLEGRO / PANAMA





Coordinador: Mirie Mouynés/Director
allegroart@cwpanama.net
-ESPACIO: Sala multi-disciplinar,
proyecciones en horario de galerìa: de lunes a sàbado, de 10.00 a.m a 7:00 p.m.
-FECHAS: Desde el 06 de junio al 16 de junio 2007.

Senderos/ “Video”
Video
Dvd digital-2005/2006
11 minutos

Ultimo video/trabajo de Aristides Ureña Ramos. En esta nueva obra, podemos apreciar las reflexiones por las cuales está pasando el artista. A manera de “LABERINTO” ha querido construir a partir del montaje de la obra a la presentación de la misma, un itinerario de interrogaciones y momentos de meditación.

Descripción de la obra:

La obra “Senderos”, transcurre a través de momentos bien delineados, los estados de ánimo del hombre..... “Es el viaje interior de individuo, es una busquedas a nuestras inseguridades, a través de las interrogaciones y dudas, la certeza del ser....”.
Las imágenes evocan: El nacimiento, La Soledad, El Viento, El Espacio, El Silencio, La Oscuridad, La Fuerza, El Origen.

Presentación por el artista:
El artista explica las motivaciones que lo llevaron a crear este video, dando una presentación de su obra.

“SENDEROS”
por:ARISTIDES UREÑA RAMOS



“SENDEROS”, es el fruto de algunas reflexiones, que se anidaban dentro de mí desde hace algunos años, reflexiones sobre el modo de entender y captar las artes.
Trataré de resumir estas consideraciones, esperando sirvan a la compresión de este video.


I
Muchas veces, nos encontramos, al leer un Poema, al escuchar un brano musical o ver una obra pictórica que captura nuestra inmediata atención.
La emoción que estas obras nos procuran, en esos momento, nos llevan a concluir que estamos frente a una buena obra artística.
Porque la buena obra artística no necesita de intermediarios, para cumplir con su fin, conmovernos y emocionarnos.
La emoción, NO necesita del SENTIMIENTO para existir. La emoción es aquel don divino que nos pone delante de nuestra fragilidad humana.
El Sentimiento necesita activar la razón para existir….en cambio, la EMOCIÓN no necesita de esta, ya que es directa, incontrolable e irracional, y a través de esta “condición” -que pertenece al género humano- exaltaremos las Artes.

II
“Senderos” es una obra para captar por contacto, ya que toda la atención que he puesto en su realización radica en que sea captada en su parte emocional.
No podemos condicionar a las personas para que se emocionen, pero si podemos enseñar a CAPTAR, y muchas veces a través de las ARTES podemos ejercer esta función.
He sostenido siempre, que las Artes son las expresiones mas íntimas de los hombres que florecen desde el interior del género humano…a veces, desnudando las fragilidades, exaltando sus contradicciones.
La actitud hacia la comprensión de las Artes, necesita de esta condición, es así que, el abandonarse a captar en “estado de emoción” una obra, ayuda a la comunión de lo sublime y de la creación.

III

“Senderos” es el viaje, son los camino a través de la vida, un continuo interrogante, a través de pausas y tensiones.
Cada pausa y tensión, viene unida por el andar errante de “Un caminante”, que nos indica “el tiempo” que a través de la vida, tiene su inicio y su final.
Un caminante, colocado en el mundo real, nuestro mundo… arrullado por la naturaleza, através de nuestras emociones.
Árido, silencio, cielo, espacio, vacío, obscurida, temor, agua, vida, corriente, alegría, naturaleza, soledad, matorrales, dificulta, lucha, recuerdos, cansancio, reposo, llegada, fuego y final.

Ficha Técnica:

“SENDEROS”/ Video
Dvd /digital
11 minutos durada.
2005/ 2006

La obra cuenta con un breve comento musical/visivo que anticipa el VIDEO y sirve de PAUSA o TELON de entrada, para controlar el tiempo de “INTERVALOS” entre las proyecciones.


Montaje: -Para Galerías, Museos y Entes culturales.

A – La obra video “SENDEROS” puede ser proyectada independientemente en una sola sala, con TV videoregistrador..
B - O al interno de otras proyecciones (puede ser inserido en un programa o proyecto de videos)
C- Siendo una obra Video, su facil utilizo se presta a improvisaciones del caso (segun exisgencia del lugar de proyeccion).

Presentaciòn Critica por Jason Waite (en Ingles y Español)

Reflective Borders


by Jason Waite

Senderos is a voyage through the union of the active and contemplative dialectic, embodied in the deceivingly simple action of a walk. Aristides intentionally de-contextualizes the locations of the start and terminus, turning the focus on the act of walking itself. Destination is of no concern, but rather the fact that one is in motion. The ambient noises; crackles of wind, rustle of the leaves, the babble of the stream, are mixed into a natural alchemy of images and sound. Drawing parallels between the ‘symphony’ of nature and the compositions of the enlightenment, the musically talented Aristides meditates on the macro structuring of the auditory environment: excavating the foundations of natural sounds and interweaving the harmonies of western music to provide an audio experience that stimulates the roots of emotions. It is this visceral, as opposed to sentimental, reaction that is so captivating in Senderos.

The action of the walk itself is reminiscent of an existentialist pilgrimage, movement through the physical and metaphysical realm as a form of reflection. Though this action is not isolated rather, the journey in Senderos is as much a ‘mediation’ as it is a meditation, such as Plato’s strolls through the Academy with his pupils; communicating while communing with nature. It is from those beginnings that the walk became a fundamentally political action. This autonomous, egalitarian movement utilized by generations, in solitude or groups to affect a change in the social landscape. This is furthered by the accompanying protagonists, the sandals. Seemingly of western origin like so many culturally appropriated objects, instead, woven in those strands of leather are the ancient traditions of the indigenous inhabitants of Latin America. Those same people who have continued the craft for generations as well as a maintaining a continuity of customs that has recently come under threat, a situation that Aristides has long followed in his artwork.

As walking moves into the virtual terrain of such domains as Second Life, it is the pronounced immersion in a fluid space time that Senderos foretells. An interior exploration, where the avatar is actually the subject. The distortion of real-time is implicitly rejected, rather, employing contemporary film practices such as ‘point of view’ and the exclusion of special effects to arrive at a profound simplicity within the technologically complex area of video. These techniques have started to be seen in the nascent Central American video art scene, but it is Aristides who first began their usage through his study of Bertolucci and Pasolini.
Set in an adjacent nature, with glimpses of telephone lines and habitations, Senderos is akin to Henry David Thoreau’s refuge, Walden Pond, which was not found in a remote oasis but rather the suburbs. This periphery is where one can listen to the echoes of humanity and yet maintain a contemplative distance to explore one’s relationship to vast complex network of society. Walking on this boundary of society is, in fact, the role of the artist: circumscribing the edge and acting as a mediator between a new aesthetic and conceptual territory and what is known. There are incursions to the center, reconnaissance trips beyond the frontier, but it is on the unstable constantly changing border to which the artist continually returns to, only to redefine it once again. It is here on the perimeter where we find the importance of the Central American artist in the context of globalization. Living on the edge of what has become the new boundary with a vast mix of cultures and histories compact into unique states. The pulmonary center of capitalism where goods are pumped through a canal with a width of 93 meters. This frontier is imbued with the effects of the current liberal capitalist system but not yet fully immersed, providing the ideal vantage point to investigate the ever-changing ‘nature’ and subtlety of the hegemony. As we take part in the journey of Senderos will we arrive at a utopia or is it the progression itself where we find a subtle rapture.

Fronteras de reflexión
Por Jason Waite

Senderos es una travesía a través de la unión de una dialéctica activa y contemplativa, personificada en la aparentemente sencilla acción de caminar.

Aristides, intencionalmente, saca de contexto las locaciones del inicio y el final, haciendo énfasis en el acto mismo de caminar.

El destino no es lo importante, sino el estar en movimiento. El bullicio del ambiente, el crepitar del viento, el crujido de las hojas, el murmullo de la corriente, se mezclan en una alquimia natural de imágenes y sonidos. Estableciendo paralelos entre la “sinfonía” de la naturaleza y las composiciones de la iluminación, el musicalmente talentoso Aristides medita sobre la macroestructura del ambiente auditivo, extrayendo los cimientos de los sonidos naturales y entrelazando las armonías de la música occidental, para ofrecer una experiencia auditiva que estimula lo más profundo de las emociones. Es esta reacción visceral, no sentimental, la que hace de Senderos una obra cautivadora.

La mera acción de andar, evoca un peregrinar existencial, un movimiento a través de los campos físicos y metafísicos como una forma de reflexión. Aunque esta acción no está aislada, Senderos es tanto una “mediación” como una meditación -así como los paseos de Platón con sus pupilos a través de la Academia- comunicándose, mientras se comunica con la naturaleza. Ya desde esos inicios, el caminar se había convertido, fundamentalmente, en una acción política. Este movimiento, autónomo e igualitario, ha sido utilizado por generaciones, en soledad o en grupos, para promover cambios en el panorama social.

Esto se profundiza gracias a los otros protagonistas: las cutarras. Aparentemente de origen occidental, como tantos otros objetos apropiados por nuestra cultura, en ellas se encuentran tejidas, en tiras de cuero, las antiguas tradiciones de los indígenas nativos de América Latina; esa misma gente que ha conservado sus labores artesanales, así como la continuidad de sus costumbres por generaciones, a pesar de verse recientemente amenazada, situación que Aristides ha seguido desde hace años en su obra.

Mientras el andar va moviéndose hacia los terrenos virtuales de una Segunda Vida, Senderos presagia la pronunciada inmersión en espacios de tiempo fluidos: una exploración interna, donde la misma transformación es, en realidad, el personaje. La distorsión del tiempo real se rechaza implícitamente. Más bien, utilizando prácticas contemporáneas de cinematografía como el “punto de vista” y la exclusión de efectos especiales, se logra una sencillez profunda dentro de la complejidad tecnológica del video. Estas técnicas han comenzado a verse en la escena des video artístico centroamericano, pero Aristides inicia su uso a través de su estudio de Bertolucci y Pasolini.

Situado en un ambiente paralelo, con vistazos a líneas telefónicas y residencias, Senderos se asemeja al refugio de Henry David Thoreau, Walden Pond, refugio que no encontró en un remoto oasis, sino, más bien, en los suburbios. En esta periferia es donde se pueden escuchar los ecos de la humanidad, manteniendo una distancia contemplativa para explorar nuestra relación con la vasta y compleja red de la sociedad. Caminar en esta frontera de la sociedad es, al fin y al cabo, el papel del artista: delimitar sus márgenes, actuar como un mediador entre una nueva estética y el territorio conceptual, y aquello ya conocido.

También hay aproximaciones al centro, viajes de reconocimiento más allá de los límites, pero es en la frontera, inestable y en constante cambio, hacia donde el artista regresa constantemente, para volver a definirla.

Es aquí, en el perímetro, donde encontramos la importancia del artista centroamericano en el contexto de la globalización. Viviendo al borde de lo que se ha convertido en una nueva frontera con una vasta mezcla de culturas e historias, compactadas en estados únicos, como este centro pulmonar del capitalismo, donde productos son sacados a través de un canal de 93 metros de ancho. Esta frontera está impregnada de los efectos del actual sistema liberal capitalista, pero no está aún totalmente inmersa, ofreciendo el punto de vista ideal para investigar la siempre cambiante “naturaleza” y la sutileza de esa hegemonía. Mientras tomamos parte del viaje de Senderos, llegaremos a una utopía o será sólo la progresión misma en la que encontraremos el éxtasis sutil.

UR-MA-FA-DO Mostra Florencia 2004

Aristides UREÑA RAMOS
Expo UR-MA-FA-DO agosto 2004 – ARTEVARIARTE SLV Gallery Florencia Italia

Provocatore raffinato, abile e instancabile manipolatore di atmosfere, significati e miti, da una ventina di anni Aristides Ureña Ramos inventa e affronta cicli a tema con l’attenta e abituale maestria alchimistica e l’intelligente ironia che da sempre lo contraddistinguono.
Con la sua opera ha continuamente esplorato e documentato diverse forme di espressione artistica, mantenendo vive in tutte le sue manifestazioni creatività esplosiva, ironia e sensibilità latina.
In questa mostra ci presenta tante piccole tele quadrate, narrative come solo i suoi quadri e i fotogrammi di una pellicola cinematografica riescono ad essere.
Nato nel 1955 a Santiago de Veraguas - Panama, da oltre venti anni vive e opera a Firenze.
La prima esposizione nel 1974.
Ha esposto anche a Berlino, New York, Grecia e America Latina; è stato invitato tre volte alla Biennale di Venezia.

Provocador afinado, abìl y constante manipulador de atmosferas, significados y mitos, desde hace unos veintes años ARISTIDES inventa y propone ciclos a tema con una atenta y abitual maestria alquimistica y inteligente ironia que siempre lo han destacado.
Con su obra ha continuamente explorado y documentado distintas formas de espresiones artisticas, manteniendo viva, però, en todas estas manifestaciònes una creatividad explosiva, picante ironia y sensibilidad latina.
En esta exposiciòn nos presenta una cantida de pequeñas telas cuadradas, narraciones como es costumbre en sus cuados y en los fotogramas de una pelicula cinematografica.
Nacido en el 1955 en Santiago de Veraguas-Panamà, desde hace veinte años vive y trabaja en Florencia.
La primera exposiciòn en el 1974.
Ha expuesto tambìen en Berlin, New York, Grecia y muchos paices de la America Latina; ha sido invitado tres veces a la Bienal de Venecia.

ALEGORICO’s

ITALIANO – SPAGNOLO

EXPO ARISTIDES Ureña Ramos
Galeria Arteconsult
24/06 – 17/7/2004 - PANAMA CITY

ALEGORICO’s

Aristides può essere definito un artista provocatore.
Usa sapientemente lo strumento della manipolazione delle immagini per imprimere nella sua figurazione, con tecnica e raffinatezza innata, i propri significati.
Nel ciclo “I Took Panama” il racconto predominava ed esigeva l’assenza di colore. Le opere monocromatiche azzurre erano affollate di concentriche vicende, di cui si poteva udire quasi il mormorio dei personaggi, a loro volta incorniciate da altre storie e racchiuse in tele-icone.
Si presentavano come francobolli di cronaca da leggere e da ascoltare, come se l’opera addensata e concentrata divenisse essa stessa simbolo.
Nella coerente logica pittorica dell’artista, il ciclo “Alegorico’s” è la naturale evoluzione di “I Took Panama”, in quanto il simbolo si trasforma in celebrazione.

In questa nuova fase, Aristides ha sentito l’esigenza di aprire l’icona narrativa alla concettualità della metafora.
Le opere di “Alegorico’s” si distendono nella esaltazione della reminiscenza, dissacrando i simboli evocativi della memoria collettiva e trasformandoli in un linguaggio contemporaneo e attuale, che produce un sottile gioco introspettivo.
Diminuisce anche il movimento, quasi a creare il silenzio consono al pensiero.
Nulla è lasciato al caso.
Le pose statiche dei soggetti in primo piano, i riferimenti al classicismo greco, al rinascimento e ai racconti tradizionali latino-americani, diventano tutte citazioni da smitizzare.
Anche i marchi delle grandi multinazionali e ogni simbolo che restituisca un pubblico ricordo, vengono rielaborati e stravolti per acquisire inediti valori, come succede per il paio di scarpe nella “Primavera”, per la bambola-principessa a cavallo “La Barbara” e per il piccolo Paperino.
L’utilizzo di questi diversi veicoli narrativi, genera quindi una percezione nuova ed inconsueta del messaggio, una purificazione creativa del simbolo attraverso l’allegoria metaforica, una sublimazione del significato intrinseco dell’opera.
Senza mai perdere l’armonia ripetitiva delle sue cornici, che ormai rendono inconfondibili le sue opere e che mantengono il costante contatto con la sua terra, Aristides consolida il segno, la scrittura.
Le tele in “Alegorico’s” sono spesso guarnite con morbidi drappi intrecciati di parole, come voci fuori campo che guidano l’osservatore alla lettura, come in “El Heroe herido” y “El Espejo de Narciso”;
oppure le frasi sono esse stesse sdrammatizzate, rovesciate e private del proprio significato reale lasciando spazio all’intuizione come in “Coco Pritis” e “Iyo Gan Gan”.
In “Mirror” e “Nacimiento de Venus”, come una punteggiatura fra le parole che inquadrano la tela, vediamo rotolare bizzarre coppie di innamorati, strette in abbracci carnali volutamente vaghi.
In “Hellenico alegorico” e ancor di più in “El Heroe herido” sono state riprodotte, per contrasto, le decorazioni a mezza luna e rettangolari tipiche dei rigorosi palazzi in stile classico.
“Alegorico’s”, con questa simbologia esasperata ed alterata, fa riconoscere nell’artista l’esplicita provocazione: l’intenzione di rivelare la sofferenza del luogo comune, il disagio della carenza di stimoli culturali, la disapprovazione del conformismo delle mode e del consumismo imposto, e quindi il desiderio di recupero dei valori veri e consolidati.
Non ultimo, va evidenziato il piacere dell’artista nel collocarsi talvolta all’interno delle proprie opere, non per protagonismo ma per modestia, facente parte anch’esso del mondo che va narrando sulle tele.
A.Pagliarello - Firenze

EXPO ARISTIDES Ureña Ramos
Galeria Arteconsult
24/06 – 17/7/2004 - PANAMA CITY

ALEGORICO’s

Aristides puede ser definido un artista provocador.
Usa sabiamente la herramienta de la manipulación de las imágenes para grabar en sus figuraciónes, con técnica y finesas innatas, sus propios significados.
En el ciclo “I Took Panamá” la historia predominó y exigió la ausencia de color. El trabajo monocromático azul había acumunado las concéntricas circunstancias, de las que podrían oírse casi el murmurio de los personajes, a la misma vez enmarcadas por otras historias y contenidas en las tela-iconos.
Estas se presentaban como estampillas a manera de crónica para leer y escuchar, como si la obra condensada y concentrada se transformarse en un unico símbolo.
En la coherente lógica pictórica del artista, el ciclo “Alegorico’s” es la evolución natural de “I Took Panamá”, en cuánto el símbolo se transforma en celebración.
En esta nueva fase, Aristides ha sentido la exigencia de abrir el icono narrativo a la concettualità de la metáfora.
Las obras de “Alegorico’s” se dan en la exaltación de la reminiscencia, profanando los símbolos evocadores de la memoria colectiva y los transforma en un contemporáneo lenguaje real que produce un juego introspectivo.
También disminuye el movimiento, casi a crear el silencio consistente al pensamiento. Nada queda al caso. Las pausas estáticas de los asuntos en primer plano, las referencias al clasicismo griego, a el rinascimento y a las historias latino-americanas tradicionales, se vueltos toda citacìon de mistificar.
Las marcas de las grandes multinacionales y cada símbolo que devuelven una memoria pública, se elabora de nuevo , se torcen, para adquirir valores inéditos, cuando pasa por el par de zapatos en “La Primavera”, para la muñeca-princesa a caballo en “La Barbara” y para el pequeño pato Donalt.
El uso de estos vehículos narrativos diferentes, produce una nueva y rara percepción del mensaje, una purificación creativa del símbolo a través de la alegoría metafórica, por consiguiente una sublimación del significado intrínseco del trabajo.
Sin nunca perder la armonía repetitiva de sus marcos que ahora hacen inequívocos su trabajo y mantienen el contacto constante con su tierra, Aristides consolida el trazo y la escritura.
Las telas en “Alegorico’s” son a menudo guarnecidas con suaves paños tejidas de palabras, como lejanas voces que guian el observador al grito de la lectura, como en “El Heroe herido” y “El Espejo de Narciso”;
o aveces las frases son ellas mismas menos dramáticas, invertidas y privadas del significado real, que deja espacio a la intuición como en “Coco Pritis” y “Iyo Gan Gan.”

En “Mirror” y “Nacimiento de Venus”, como fueran una puntuación entre las palabras que delinean la tela, vemos arrollarse excéntricas parejas de personas enamoradas, estrechadas en carnales abrazos deseadamente vagos.
En “Hellenico alegorico” y todavía más en “El Heroe herido” se han reproducido, para el contraste, las decoraciones a medias lunas y rectangulares típico de los rigurosos edificios en estilo clásico.
“Alegorico’s”, con esta simbologia acentuada y alterada, nos deja reconocer dentro el artista su explícita provocación: la intención para revelar el sufrimiento del lugar común, la inquietud de la falta de estímulos culturales, la desaprobación del conformismo de las modas y el consumismo impuesto, y por consiguiente el deseo de recuperación de los valores verdaderos y consolidados.

Por ultimo, se debe subrayarse el placer del artista para ponerse, a veces, dentro de su propia obra, no por protagonismo sino por modestia, haciendo él parte del mismo mundo que va narrando en sus telas.
A.Pagliarello – Florencia 2004

Biografia corta

ARISTIDES UREÑA RAMOS ( 1955 ) Nace en Santiago de Veraguas. Se define como autodidacta, pues se hace artista por su sensibilidad o, como expresa el mismo artista: "Mi escuela son: la bellísima arquitectura de la Escuela Normal; las grandes telas de Lewis, en su aula magna; la Iglesia de San Francisco de la Montaña" y, paradójicamente, "los cuentos de Brujas y la campiña del interior". Después de graduarse en la "Accademia delle Belle Arti" de Florencia, Italia, en 1978, se especializa, siempre en Florencia, en litografía y grabado en el centro gráfico "Reparata Graphi Art Center" y en cinematografía, en el "Istituto Lorenzo di Medici". Regresa a Panamá, en 1979, donde enseña en la Universidad Regional de David, como profesor de Historia del Arte y en la Escuela de Bellas Artes de Chiriqui.En 1980 vuelve definitivamente a Italia. Vive en Florencia, desde entonces, donde participa activamente en exposiciones individuales y colectivas, así como en happennings, performances e instalaciones. No ha dejado de exponer en Panamá, cuyo público lo conoce por muestras en la Galería Arteconsult y por su participación en las Bienales de Panamá. Sus obras han recorrido el mundo americano ( Venezuela, Bolivia, Cuba, Nicaragua, Estados Unidos) y buena parte de Europa, participando, con particular relieve, de las Bienales de Venecia ( 1986, 1997 y 2001).Reconocido por la crítica florentina, realiza murales públicos de grandes dimensiones, como el de la "Facoltá del Magisterio (1977), "Los Grafitos Metropolitanos" (1982), en Florencia y en Pisa y "La Historia Positiva del Hombre" (1988), realizado en San Bartolo a Cintoia. En Panamà lo vemos realizar, para El Centro Regional Universitario de Veraguas Tela-Mural de 4 metros de alto por 14 metros de ancho del titulo “Homenaje a la intelectualidad” obra colocada en el paraninfo de la sede universitaria de Santiago (2003), como también decòra con una preciosa Alegoria, el domo del hospital Santo Tomas en la ciudad de Panamà dedicada al “El Pasado, El presente, El Futuro” de nuetra patria(2003). Su volcanica produciòn lo lleva ha aceptar la comisiòn de una tela para altar, colocada en la Iglesia de Laconi en Sardeña, sobre la vida del Santo Ignacio da Laconi, ordenada por el convento de los Cappuccini (Italia marzo 2004). En 1985 produce una serie de cinco vídeos, proyectados en el "Parterre"de Florencia, donde Panamá - mediante un análisis socio-estético de su situación de enclave colonial - se hace protagonista de un evento dedicado a la segregación racista. Entre los premios que ha recibido destacan, ya en 1978, el Premio "Medaglia-Trofeo Putto D´Oro" de Montesperto, Italia ; "Lo Stivale", por su obra gráfica en Candeli, Italia ( 1980); "Villaggio Artigianale-Signa" (1981); el Premio Italia para las Artes Visuales, "Giovanni Angelico", Florencia, Italia, en 1992 y 1994. Incansable, en su creatividad y en su producción, sus obras se organizan en ciclos que se dividen, respectivamente, en series. Iniciándose, en 1983, con el ciclo "El Ballet del Cabrón", ha pasado por diferentes temas, como "Barrococonuances", o "Vu Cumrap",con su famosa serie "Tra-travel" y “I TOOK PANAMA” dedicado a la historia de Panamá: "Un himno pictórico donde emerge el sentimiento del artista por su país natal". Trabaja actualmente en el ciclo Alegorico’s y en un nuevo ciclo sobre los cielos.

Biografia completa

ARISTIDES UREÑA RAMOS – 1955

Nació en la ciudad de Santiago de Veraguas –Panamá.
En 1978 obtiene su titulo de Licenciado en Pintura, en la Academia de Bellas Artes San Marco-Florencia, Italia. Luego participa en el Curso de Especialización en Litografía y grabado “Santa Reparata Graphi Art Center” También participa en el Curso de Cinematografía en el Instituto Lorenzo Di Medici -en Florencia-Italia .
En 1979 dicta cátedra en la Escuela de Bellas Artes ( Sección Artes Plásticas en David, Chiriquí. Panamá.) y labora como profesor de Historia de Arte en la Universidad Regional de David, Chiriquí-Panamá.
En 1980 Viaja a Italia, donde está radicado actualmente.
Desde 1979 enfrenta CICLOS importantes, donde su obra, obediente a la lógica de la SERIE, supera la barrera Espacio-Tiempo, fundiéndose en un único “rico imaginario background”.

LOS CICLOS:

“ EL BALLET DEL CABRON” (1980/1983)-CICLO
NUEVO MUNDO (1984) serie
PREMISAS (1984) serie
“ BARROCOCONUANCE’S” (1984/1988) -CICLO
“ RADIOS” (1988/1994) -CICLO
Black Night (1989) serie inédita
Caceria de Brujas (1990/1992) serie inedédita
“ CLASSICOS” (1991/1996) -CICLO
ATLANTIDES LA ERA (1992) serie
GLOMUR (1992) serie
PERFUM (1991) serie
EFFIMEROS (1992/1996) serie
FRONTERAS (1992/1996) serie
CASAS (1993/1997) serie
“ CASA - CASA” (1994-1997) CICLO
OCTUBRE EN CAYENNE (1997) serie
“ VU CUMRAP" (1998) CICLO
TRA-TRAVEL I (1998) serie
TRA-TRAVEL II (1999) serie
LOS ALTARES DEL DOLOR 1998-99
''I TOOK PANAMA'' (1997/2001) CICLO
“Cronohistory” (1997/2000) serie
“SUDARIOS” (2003/2004) serie
“ Los cielos non son iguales para todo” (2002/2004) serie
“MUSEUM” (2003/2004) serie
"ALEGORICOS'' (2001/2005) CICLO
“ Eua de Color’s-fragrance de los cielos” (2003/2004) serie
“Banana Republik” (2003/2004) videos/serie

“ BANANANA” (2004/2005) CICLO
BANANANA (2004/2005) serier
Republik Banana (2004/2005) serie
Dal 2005 se encuentra trabajando en un nuevo CICLO.......

Aristides es uno de los pocos artistas latinoamericano multidisciplinar, es asi que, cabe remarcar que cada uno de estos “Ciclos Pictoricos” generalmente vienen acompañados con videos o instalaciones, manipulaciones de imagenes o ambientaciones llevandolo en su busqueda a una constante experimentaciòn lenguistica.
Numerosos son los VIDEOS, HAPPENNINGS , PERFORMANCES y las INSTALACIONES que lo han visto protagonista.
A creados trabajos experimentales donde interpreta la ejecucion de la obra en manera de “integracion de los lenguajes en contextos diversos”..alejandose de esquemas predeterminados, es asi que nacen las Videos /instalaciones, Videos/performances, Interventos Urbanos y Ambientaciones.

PERFORMANCES:
“R.A.D.I.O.S. Mania sieropositiva de un ASCOLTO”-Galeria El MORO (Florencia,ITALIA.1990)-
“SWING LATINO- Reseña Caribeña” (Campi Bisenzio,ITALIA. 1994 )-“SWING LATINO-Explosiòn de Salsa” (Prato,ITALIA. 1997) -“ESTEMPORANEO” -Centro de Arte Contemporáneo CONTAINER, (Florencia,ITALIA.1997).
“GUAYANUSA” Galeria Riva Sinistra (Florencia-Italia 1988)
“LIMPIENZA rito santiguero” Artevariarte International Art Gallery (Florencia, Italia 2004)
“DUETTO PER DUE” Giubbe Rosse (Florencia-Italia 2005)
“PANAMA ESCONDIDO” Caffe literario-Circulo MLD-(Florencia-Italia 2007)

INSTALACIONES:
“Terremoto en Centro America (Santiago-Panama 1979) AMBIENTACION
“Tra-Travel” Instalaciòn Bienal de Venecia (Italia 2001)
“United Buddy Bears” Instalaciòn Berlin ( Alemania 2002)
“Altares del Dolor” Art Centre Philocharia (Grecia2002)
“Altares del Dolor” Artevariarte International Gallery Florencia (Italia 2004)
“Wantanamo” FYR via del Acqua Gallery Florencia (Italia 2005)
“BANANANA” Ambasciata di Marte (Italia-2006)
“Interventos Urbanos” Trie/arquitectura (Florencia-Italia 2006)
“SENDEROS” Etnia III Maison du peuple de Saint-Gilles- Bruselas-Belgica (videoinstalacion 2006)

VIDEOS:

Desde el 1984 produce Videos que acompañan sus ciclos pictoricos en donde ambienta atmosferas y manipulas imagenes experimentando la intercambiabilidad de lenguajes, conservando una coralidad densa y palpitante del vasto mundo Latinoamericano.
Mencionamos algunos Videos, lo mas importantes, recordando algunos trabajos experimentales realizados en el periodo escolastico 1975/1978.

“ENCLAVE COLONIAL” - 8 milimetros/ pasado en Video Tape (Panamà/Italia 1976).
“CHUTRI- LOCO-GUAO, GUAO”- 8 milimetro/pasado en Video Tape (Italia 1977)
“PANAMA- ONE WAY”-Super 8 militros/ Richards-Ureña (Panamà DEXA 1984)
“HEIRLOOM”- Super 8 milimetros / Richards-Ureña (Panama DEXA 1984)
“BIO-DIVERIDAD” video-instalacion (Italia 1986)
“COLONIZADOS” 16 milimetros/ (Florencia 1986)
“ LIMPIEZA” -Super 8 milimetros/convertido en Digital/ (Panamà 1988) serie compuesta de tres videos.
“ALLA EN MI PUEBLO” Super 8 milimetros/convertido en Digital (Santiago -Panama1988/1994)
“ALTAR DEL DOLOR” –video-instalacion (florencia 2000)
“Altar del dolor”- serie video/digital 7 videos..(Florencia Italia 2001)
“CTP” -Video-instalacio Digital (Italia2002-2003)
“CTP” -Digital serie (Italia 2003)
“MARRA” -video digital (Italia 2003)
“VU CUMRAP” -primera version / 8 milimetros 1988. version Digital 2002/2003.
“BANANA REPUBLIK”- primera version DVD digital-2003 (Santiago Panama 2004) serie de 10 videos.
“BANANANA”- Dvd digital (Florencia Italia 2005)
“SENDEROS /VIDEOS” - serie Digital de 20 Videos (2003/2005)

Exposiciones:

Ha organizado Exposiciones personales en Panamà como en el exterior (Italia,Venezuela, Francia,Estados Unidos, Alemania,Belgica, España) Entre la más recientes podemos recordar la de: Galleria EL MORO “ R.A.D.I.O.S.-(Florencia 1988-1990), Centro Cultural A X A , ”Re-Lectura” (Florencia 1991), Palacio Municipal de Scandicci “ Classico”( Florencia 1991), a la Galeria ARTECONSULT “Atlantide la Era” (Panamà 1993), Container “ Vudò”( Florencia 1996), ken’s Gallery “Octubre en Cayenna”( Florencia 1997), a la Galeria Riva Sinistra Arte”Vù-Cumràp”. (Florencia 1999), Mèxico e Nuvole “Boleros” (Florencia, 1999). Galeria Arte Consult “Cronohistory” del ciclo “I Took Panama”(Panamá 2001), ''Panorama LatinoAmericano'' (Florencia, 2001). Galeria de Arte Philochoria (Santorini, Grecia 2001), ''I took Panama'', Universidad de Hamburgo (Alemania, 2002), ''I Took Panama'' MAC- Museo de Arte Contemporáneo - Panamá - 2002. FYR Galeria Arte Contemporanea Florencia ( Italia 2003), Academia Musical de Florencia ( Italia 2004), “Urmafado” Artevariarte International Art Gallery Florencia (Italia2004).
“5 maestro latinoamericano” Galeria Habitante (Panamà 2004), “ALEGRICO’S” Galeria ArteConsult (Panamà 2004). “ALEGORICO’S” Galeria Stoz Berlin Goethestr 81 (Berlin 2004), ART CARD-Projet by Sharjah Art Museum (United Arab Emirates 2005). - “Action Art” Landesverband berliner- Video Art ( Alemania 2005), “BENI DUREVOLI” FYR-Arte Contemporanea (Italia 2005). ESLB Bruselas (Belgica-2005). SENDEROS/Video Galeria Allegro (Panamà-2007)- Museo de la Palabra y la Imagen (El Salvador-2007), Proyecto EL SITIO (Guatemala-2007), Museo Maarte -Cav (Honduras-2007).

Eventos/ Manifestaciones

Invitado a prestigiosos eventos culturales y manifestaciones entre otras:
LA BIENAL DE VENECIA1988- 1997-2001.(Italia)
LA BIENAL DE LA HABANA-CUBA 1989-1991.(Cuba)
FERIA Internacional del Libro de Arte “DIPLO” Forteza da Basso Florencia (Italia 1991).
LA BIENAL DE PANAMA 1992-1996-1998-2000,(Panamà)
PINTURA DE PANAMA -L.I.L.A. Roma ,(Italia 1988).
PITTORI DEI GIUBILEI,Roma .(Italia 1999)
PANAMA CONTEMPORANEO-(Roma-Milan-Paris-Madrid-Panama,2000)
PITTORI STRANIERI A FIRENZE (Italia 2001).
"UNITED BUDDY BEERS", Berlin (Alemania 2002).
III BIENAL DE ARTE VISUALES DEL ISTMO CENTROAMERICANO,( Managua, Nicaragua, 2002).
ARTE CONTEMPORANEO DE PANAMA- Maison de America Latine (Monaco 2003)
CENTENARIO DE PANAMA- Museo de Arte Contemporaneo.(Panamà 2003).
THE LATIN AMERICA ART FAIR- Miami (Usa 2004/2005/2006/2007)
MAESTROS LATINOAMERICANOS- Galeria Habitante (Panama 2005)
ETNIA – Ela-asbl Bruselas (Belgica 2004,2005,2006)
HOMENAJE A MIS RAICES- Prada Galery (Washington Usa-2005)
ME-TE-DO- Ambasciata di Marte (Italia---Belgica, Alemania-2006)

Ademas:
Ensayista ha publicado articulos y colaborado con periodicos y revistas sobre temas referente al Arte Contemporanea y Sociologia cultural.
Contemporary Art News, Eco d’art Moderna e ensayos en distintos periodicos.

Invitado ha dictar conferencia en debates sobre Arte contemporanea y la actualidad en prestigiosas sedes, confiriendo sobre temas como (seleccion de lo mas importantes): “Vu Cumrap Grito de la periferia” San Bartolo in Cintoia (1986-italia), “El valor de la Identidad de las raices y la integracion” MART (Bologna 1986), “La Aldea Informatica y los hijos de un Dios menor” MART (Bologna 1988), “URBIS y culturas” Centro Estudios Modigliani, (Torino 1989), “Las Artes MODERNAS y el Contemporaneo” Centro Regional Universitario de Veraguas. Santiago ( 2003), Vu COMRAP,El grito de la periferia “El sagrado, la contemplacion en las expresiones contemporaneas” El convento de los Cappuccini de Cagliari-Italia (2004), “Conversatorio” Museo de Arte Contemporaneo de Panama (2004), “El lenguaje visual” Accademia delle Belle Arte di Florencia (Florencia 2006), “ME-TE-DO memoria, testimonio y documentacion del centroamerica” Universidad De Florencia Facultad de Historia del Arte (2006), “El lenguaje multiciplinar” Universidad De Florencia,facultad de Historia del Arte (2006). “SUDARIOS grito urbano” Scandicci MART (2006).



De su obra se han ocupado los críticos e historiadores como los italianos: STEFANO BENEDETTI, ALVARO SPAGNESI,NICCOLA NUTI, GIUSE BENIGNETTI, UGO BARLOZZETTI,GUSTAVO GIULETTI,TOMMASO PALOSCIA,BARTOLOTTI PAOLA,SALVO SILVESTRO, ERMANNO KRUMM los panameños: MONICA KUPFER, ANGELA PICARDI, TANIA IGLESIAS, JOSE FRANCO,LIZ CAMAZON, RAMON OVIERO, PEDRO LUIS PRADO, HERRERABARRIA, MENENDEZ FRANCO, AGUSTIN DEL ROSARIO, BERTALICIA PERALTA, MARGARITA SEVILLANO, ROBERTO MCKAY, CARMEN ALEMAN, ILIANA PEREZ BURGOS, ROXANA MUÑOZ, JUAN UREÑA,ISABEL GONZALEZ, ROSALINA OROCO, MARIANELLA SIBAUTE, DANIEL DOMINGUEZ, ROCIO GRAMALDI, BENIBETH RIOS,. etc y los latinoamericanos FEDERICO BROOK, CHASE JOSE GABRIEL , TANIA IGLESIA, CAROL DAMIAN, y otros.

Han publicado reseñas de su actividad los siguientes diarios: LA NAZIONE, LA REPUBBLICA, LA GAZZETA DE FIRENZE, L’UNITA, LA REVISTA ECO D’ARTE MODERNA, LA REVISTA PODISMO, IL TERRENO,LA STAMPA, PRESSRELEASE, UNDO, EXIBART, CITYFIRENZE--ITALIA.
DOMINICAL, ESTRELLA DE PANAMA, CRITICA, MATUTINO, REPUBLICA, LA PRENSA, SUPLEMENTO AGORA-PANAMA AMERICA.MOSAICO,ELLAS, EL SIGLO
LAS REVISTA ABC desing (PANAMA), Arte Al Dia (USA) y otras.


ARCHIVOS
Documentaciòn de su actividad en: EL KUNSTHISTORICHES,INSTITUTO IN FLORENZ; INSTITUTO ITALOLATINOAMERICANO-(Roma); MUSEO CONTEMPORANEO DE ARTE -( PANAMA); SALA PERMANENTE DE LA HISTORIA DEL ARTE PANAMEÑO-(PANAMA); SALA PERMANENTE DE ARTISTA LATINOAMERICANOS\ I.L.A.( ROMA ITALIA); CENTRO WILFREDO LAM (CUBA); MUSEO D’ARTE CONTEMPORANEO-PECCI PRATO-(ITALIA); ARCHIVIO STORICO BIENALE DI VENECIA-(ITALIA). ARCHIVO AMBASCIATA DI MARTE (ITALIA)

Su obra se encuentra expuesta en prestigiosas Sedes , Instituciones, galerías y colecciones privadas. Como tambien visible en el portal.
www.aristidesurena.com
www.aristides.it

PREMIOS

1er. Premio Nacional de Pintura. “Ingenio La Victoria”, Santiago de Veraguas. PANAMA.
1978 Premio “MEDAGLIA-TROFEO, PUTTO D’ORO-MONTESPERTOLI”. --- ITALIA
2d° Premio Gráfica “LO STIVALE”, Candeli---ITALIA.
1er. Premio absoluto. Exposición Concurso Arte Figurativa Villaggio Artigianale-Signa, ITALIA.
3er Premio. Gráfica Moderna-IX Concurso Nacional “EL MACHIAVELLO” sede Roma, ITALIA.
Premio adquisto-Exposiciòn Internacional de arte visiva Contemporánea- Candeli, ITALIA.
Cartel Conmemorativo 8 de marzo “ Dia de la mujer” F.I.L.T. Firenze - ITALIA.
“UN MANIFIESTO PARA LA PAZ” Sala permanente asesorado a la Cultura, ASIS,Umbria, ITALIA.
PREMIO ITALIA para las Artes Visivas. Giovanni Angelico, Florencia - ITALIA.
PREMIO ITALIA-“conferma”- para las Artes Visivas, Giovanni Angelico, Florencia- ITALIA.

MURALES \ AEROSOL ART

Varios MURALES realizados, entre otros vale la pena evidenciar el de ocupación en la Facultad de Magisterio de Florencia 1977 y el del 1988 en SAN BARTOLO - CINTOIA, Florencia, ITALIA. Como tambièn en Panamà en el Centro Regional Universitario de Santiago de Veraguas 2003 y en el Domo de Hospital Santo Tomas de la capital (Panamà 2003)... Realiza para la Iglesia de Laconi-Sardeña una Tela para el altar de Santo Ignacio da Locani ( Italia 2004).
De su empeño en las obras de grandes dimensiones , lo vemos dirigiendo el “GRUPO LATINO 77” con la realizaciones de varios murales y GRAFITOS METROPOLITANOS (1976-77), Fundador del “GRUPPO ATTIVO” de la Academia de Bellas Artes de Florencia con la cual realiza varios murales entre los cuales el de la Facultad de Magisterio de Florencia (1977- ITALIA.) - En 1980 realiza “PERFORMANCE” y murales Mobiles en Plaza Santo Spirito de la ciudad de Florencia.(Grew mix)-En el 1982 Forma el grupo “PANA-GRUPO” pintando murales en Florencia y Pisa ,sobre el tema “PAZ EN CENTROAMERICA”, varios los GRAFITOS Metropolitanos y paños murales mobiles realizados con este grupo (Grew Pana).---En el 1988 Realiza a SAN BARTOLLO A CINTOIA. (Florencia) un Complejo Muralístico dedicado a la “Historia positiva del Hombre”. Realiza la tela mural “Homenaje a la Intelectualidad” para el Centro Regional Universitario de Veraguas en la Ciudad de Santiago ( 2003 ) tambièn ejecuta en el Domo del Hospital Santo Tomas de Panamà, la Alegoria al “EL Pasado, El Presente, El Futuro” (2003). El convento de los Cappuccini de Cagliari-Italia lo llama para realizar la tela de un altar ( 3mts x 2 mts) sobre la vida del Santo, patròn de Cagliare, San Ignacio da Locani, obra ya colocada en dicha Iglesia (2004).